Protagonisten
Barockarchitektur und Videoschnipsel: Das Theater Erlangen feiert seinen 300. Geburtstag und denkt über das Stadttheater der Zukunft nach
von Christoph Leibold
Wie alt das Theater Erlangen tatsächlich ist, ist eine Frage der Perspektive. Je nach Sichtweise ist es altehrwürdig oder aber noch blutjung. Ein modernes Stadttheater mit Repertoirebetrieb wurde das Theater Erlangen nämlich erst mit dem Antritt von Katja Ott als Intendantin zur Spielzeit 2009/10. Vor ihrer Ankunft wurde en suite gespielt. Zudem erlebte das Haus in all den Jahren davor wechselnde Bespiel- und Organisationsformen (meist wurde es als Gastspielbetrieb geführt) und musste zwischendurch sogar um seine Existenz fürchten. Ende der 1950er Jahre war das Gebäude in derart marodem Zustand, dass ein Komplettabriss zur Diskussion stand, der aber durch bürgerschaftliches Engagement abgewendet werden konnte.
Was ist eigentlich das Gegenteil von Entkernen? Schälen? In Erlangen jedenfalls war statt der Abrissbirne Filigranarbeit gefragt. Nur die Außenhülle des alten Markgrafentheaters wurde abgetragen, die Schale eben. Der Kernbau aber blieb erhalten: jener kostbare Theaterraum, der am 10. Januar 1729 unter dem Bayreuther Markgrafen Georg Wilhelm eröffnet wurde.
Nähert man sich dem Theater von außen und rückt ins Innere vor, durchläuft man die unterschiedlichen Epochen. Draußen fallen die Plakate auf: bunt, flott, mit schwungvollen Lettern, ganz 21. Jahrhundert. Dann das 1960 eröffnete Foyer, das funktionale Nüchternheit ausstrahlt. Schließlich der prachtvolle Innenraum, dem Markgräfin Wilhelmine 1743/44 vom venezianischen Architekten Paolo Gaspari ein Rokoko-Update…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019
Gespräch
von Gunnar Decker und Jürgen Holtz
Jürgen Holtz, Ende Dezember lief am Berliner Ensemble die dreihundertste Vorstellung der „Dreigroschenoper“ in der Regie von Robert Wilson. Haben Sie im September 2007, als die Premiere war, erwartet, dass die Inszenierung so erfolgreich sein würde?Über so was habe ich mir nie Gedanken gemacht. Es gibt gute Inszenierungen, die schlecht laufen, und schlechte, die gut laufen. Dies ist eine gute, die gut läuft. Kommt auch vor.
Ich hatte den Eindruck, dass Wilsons formal zugespitzter Inszenierungsstil im Widerspruch steht zu Brechts Gestus von „Kunst ist Waffe“, wie Friedrich Wolf es formulierte. Wird hier der Anklagegestus der Bettleroper einem artifiziellen Selbstzweck geopfert?Nein, finde ich gar nicht. Die Künstlichkeit ist von Bert Brecht und Kurt Weill unbedingt gewollt. Das „Glotzt nicht so romantisch“ zeigt ja die Richtung, in die es geht: Stummfilmästhetik, schnelle Auf- und Abblenden, kalter Beobachtergestus. Bei Probenhalbzeit zeigte Wilson den Film, den er über unsere Arbeit bis dahin gemacht hatte. Da sah ich etwas! Diese merkwürdige Aufführungsästhetik trifft den schrillen Charme des frühen 20. Jahrhunderts sehr genau. Die Aufführung ist aus Musik, Bewegung, Sprache und Licht gemacht. Ein Konstrukt!
Manche erblicken darin eine Art Marionettentheater, das den Schauspielern jede Freiheit nimmt.Das Gegenteil ist der Fall! Aber man muss sich natürlich erst einmal auf die Künstlichkeit, die exakten Vorgaben einlassen. Und dann entdeckt man die Freiheitsräume darin.…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019
Magazin
Die freie Theatergruppe Qendra Multimedia organisierte als Flaggschiff des kosovarischen Theaters ihr erstes Festival
von Tom Mustroph
Prishtina. Ein Neubaublock am Rand der Altstadt. Die grüne Farbe an dieser dreißig Jahre alten Wohnmaschine ist verwittert, an einigen Stellen abgeplatzt, als wollte die Natur ein Camouflage-Muster auf die Fassade malen. In den 1990er Jahren waren die Einkaufspassagen auf der Rückseite des Wohnblocks der Hotspot der Jugend Prishtinas. „Punks und Heavy-Metal-Fans hielten sich hier den ganzen Tag auf. Wir tauschten CDs, hatten unsere Bars. Manchmal schloss die Polizei die Tore und zog prügelnd durch die Räume“, erzählt Arif Muharremi und lacht. Es ist schwer zu deuten, ob ihn die fröhliche Erinnerung an die eigene Jugend überwältigt, das Lachen einen bitteren Ton hat wegen der eingesteckten Prügel durch die (serbische) Polizei oder er zugleich die alten und neuen Schwierigkeiten von Europas jüngstem Staat verlachen möchte. Muharremi gehört zu Qendra Multimedia, einer Theatergruppe, die seit Jahren ihr Domizil in den Kellergelassen des grüngefleckten Neubaublocks hat.
Hier produziert die Crew um den Dramatiker Jeton Neziraj beachtliche und auch beachtete Arbeiten. „Bordel Balkan“ etwa, eine im letzten Jahr im Nationaltheater in Prishtina herausgekommene Adaption von Aischylos’ „Orestie“ auf kosovarische Verhältnisse. „Wir hatten einige Probleme bei dieser Produktion“, erzählt Jeton Neziraj lachend – und wieder bleibt unklar, zu welchem Anteil darin Freude, Sarkasmus und tiefste Bitterkeit steckt. „Zwei Schauspieler stiegen während der Proben aus. Einer von ihnen hatte sich…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2018
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Thema
Das niederländisch-flämische Theaterkollektiv Wunderbaum entert das Theaterhaus Jena – „Thüringen? Kein Problem!“ lautet ihr Motto
von Paula Perschke
Seit seiner Gründung 1991 ist das Theaterhaus Jena ein einzigartiges Haus. Es zeichnet sich durch die Förderung unberechenbarer und polarisierender Künste aus und das von Anfang an unter kollektiven Leitungsstrukturen. Man könnte das Theater auch poetisch als Haus der tausend Probebühnen bezeichnen. Als 2016 eine neue künstlerische Leitung ausgeschrieben wurde, war der Andrang groß. Die Gesellschafter entschieden sich 2017 für das niederländischflämische Theaterkollektiv Wunderbaum.
Kollektive, wie sie sich üblicherweise in der freien Szene abseits eines Stadttheaters aufhalten, sind dafür bekannt, nicht nur kritische Fragen an einen Theatertext zu stellen, sondern auch, die Struktur der Theaterinstitutionen zu hinterfragen und an alten Traditionen zu rütteln. Das Theaterhaus Jena, welches das ständige Hinterfragen zur Methode gemacht hat, ist möglicherweise der richtige Ort für Wunderbaum. Denn auch sie kommen aus einer Region mit einer besonderen Theatergeschichte. Durch Künstler wie Johan Simons und Luk Perceval hat sich das Theater in Flandern und den Niederlanden zu einer modernen und vor allem lebendigen Szene entwickelt. Eine neue Generation junger Theatermacher wie Ilay den Boer, Dries Verhoeven, Boukje Schweigman und die Gruppe Tristero erwuchs und behauptete sich in einer Zeit, in der besonders in den Niederlanden Künstler unter radikalen Sparmaßnahmen zu leiden hatten. „Wenn die Regierung versagt, dann müssen wir es selbst machen!“, weiß Walter Bart, Schauspieler…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2018
Neustarts
Bettina Jahnke, die neue Intendantin des Hans Otto Theaters Potsdam, stellt sich lustvoll dem ambivalenten Erbe der Stadt
von Gunnar Decker
Ein ICE rast quer durch Europa, die Passagiere aber bemerken erst nach und nach, dass der Zug jeden vorgesehenen Halt überfährt. Die Notbremse funktioniert nicht, heilloses Erschrecken folgt. Das ist eines der Leitmotive in Thomas Köcks „paradies spielen (abendland. ein abgesang)“, das zu den Eröffnungspremieren des Hans Otto Theaters unter der neuen Intendanz von Bettina Jahnke gehört. Moritz Peters lässt diese kompakte Textvorlage, in der „Schnee, Eis, Erinnerungen“ durcheinanderwirbeln, in einer aus bläulich schimmerndem Licht herauswachsenden Szenerie (Bühne Nehle Balkhausen) spielen. Ein Graben oder ein Grab?
Es frappiert die unerhörte Wucht, mit der ein Chor, aus dem immer mal wieder ein Sprecher hervortritt, um dann doch erneut von ihm verschluckt zu werden, tief beunruhigende Sätze herausschleudert: „Europa im Spätherbst, wo die Blätter übers Gleis wehen und Lieder erklingen, jenseits vom Menschen.“
Haltung zeigen – Bettina Jahnke eröffnet ihre Intendanz unter anderem mit „Der gute Mensch von Sezuan“ in der Regie von Malte Kreutzfeldt. Foto Thomas M. Jauk
Das Gleisbett verwandelt sich in ein Krankenhausbett, wo jemand mit schweren Verbrennungen um sein Leben ringt – bloß ein „Phantomschmerz“? Überhitzt und unterkühlt zugleich seien sie hier alle, die „zu tief ins Sediment geschaut“ haben. Erinnerungsprosa, die aus der Zukunft auf uns zurückgeworfen scheint, uns unter lauter Traumschutt begräbt. Eine großartige Inszenierung des jungen Regisseurs Moritz…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2018
Protagonisten
Für einen, der im Hässlichen die Schönheit erkennt – Zum 80. Geburtstag von Herbert Achternbusch
von Pinar Karabulut
Meine erste Begegnung mit Herbert Achternbusch hatte ich ganz klassisch durch die Münchner Kammerspiele. Die Inszenierungen seiner Stücke waren immer ausverkauft. Ich erinnere mich, dass bei meinen Münchner Freunden der Name Achternbusch oft fiel, und immer wenn ich fragte, über wen sie sprachen, brach eine halbe Massenpanik aus, wie ich IHN nicht kennen könne, IHN aber doch sicher schon mal auf der Straße gesehen hätte. Mit meinen 21 Jahren hatte ich überhaupt keine Ahnung. Ich war eine Zugezogene aus dem Rheinland, die damals zu Hause nur niederländisches Fernsehen geguckt hatte. Achternbusch klang für mich im ersten Moment auch sehr niederländisch … Also bestellte ich mir all seine Texte, besuchte die Inszenierungen, die zu der Zeit liefen, suchte seine Filme zusammen, und ich begann, mich zu verlieben. In die Stadt München, die bayerische Mentalität und diesen grantigen alten Mann, der in Bayern nicht einmal gestorben sein möchte.
Ich war – und bin es heute noch – fasziniert von Herbert Achternbuschs Erzähltechniken, seinem anarchischen Umgang mit Figuren und Texten. In meiner Münchner Zeit hatte ich mir oft vorgenommen, ein Achternbusch-Stück für meine erste Regiearbeit zu inszenieren. Allerdings war meine erste Inszenierung nicht in München, sondern am Schauspiel Köln, wo ich die Idee schnell wieder verwarf. Als dann das Angebot kam, am Münchner Volkstheater meine erste Regiearbeit in München zu realisieren, tauchte plötzlich dieser Diamant auf: „Dogtown Munich“. Ein…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2018
Kommentar
Über mangelnden Nichtverlängerungsschutz in der Elternzeit und unsoziales Personalmanagement an der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle
von Dorte Lena Eilers
Unter dem Schlagwort „Abgestraft für Elternzeit“ postete die Musikpädagogin Barbara Frazier am 28. Oktober einen Aufruf auf Facebook. Völlig unerwartet war ihr durch den Geschäftsführer der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle (TOOH) Stefan Rosinski während der Elternzeit die Nichtverlängerung ihres Vertrages ausgesprochen worden. Unerwartet deshalb, weil Frazier ein Jahr zuvor, ebenfalls während der Elternzeit, noch von eben jenem Geschäftsführer verlängert worden war.
Nun sind Nichtverlängerungen im System des Normalvertrags Bühne, über den die meisten künstlerisch Beschäftigten angestellt sind, gängige Praxis. Viele Verträge sind auf ein Jahr befristet. Die Unsicherheit, die darin steckt, teilen Bühnenmitarbeiterinnen und -mitarbeiter mit befristet Beschäftigten aller Branchen: Entscheidet ein Chef, die Anstellung einer Mitarbeiterin oder eines Mitarbeiters in Elternzeit nach dem regulären Auslaufen der Vertragszeit nicht zu verlängern, kann er dies tun. Durch die massive Zunahme von Zeitarbeitsverträgen im Zuge der Hyperflexibilisierung unterliegen gerade Frauen, die eine Familie gründen wollen, dem Risiko, sich durch eine Schwangerschaft in die Arbeitslosigkeit zu manövrieren. Solange dies gesetzlich nicht gelöst ist, obliegt es einem aufgeklärten Personalmanagement, dem Hireand-Fire-Prinzip US-amerikanischer Prägung Werte wie soziale Verantwortung, Beschäftigtenschutz und Moral entgegenzusetzen.
2017 konnten die Genossenschaft Deutscher Bühnen-Angehöriger (GDBA)…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2018
Magazin
Auf der diesjährigen Ars Electronica in Linz werden neue Tools für ein Theater der Zukunft vorgestellt
von Tom Mustroph
Technologie formt die Emotionen. Die Blings, die den Eingang neuer Nachrichten in den digitalen Kommunikationsmedien anzeigen, sorgen zuweilen für größere Hormonausschüttungen als ein Blickkontakt im geteilten physischen Raum. Theater als Emotionskunst kann sich dieser Entwicklung auf Dauer nicht entziehen, wenn es nicht zur Retrozone für radikale Technologieverweigerer degenerieren will. Performative Potenziale neuerer Tools wurden bei der diesjährigen Ars Electronica in Linz sichtbar.
Eine Strategie dabei ist, die Grenzen der Technologie auszuloten. Das niederländische Künstlerpaar Karen Lancel und Hermen Maat ließ in einer Versuchsarena für drei Teilnehmer, drei EEG-Sensoren – zur Messung elektrischer Hirnaktivität – sowie ein kreisförmig angeordnetes Publikum zwei Probanden einander küssen. Ihre Hirnströme sowie die eines Beobachters wurden gemessen und kreisförmig um sie herum auf den Boden projiziert. Signifikante Ausschläge bei den Kurven gab es im Moment des Lippenberührens allerdings nicht. „Wir konnten bislang auch keine solchen Muster bei den Hirnströmen erkennen“, resümiert Maat. Nicht jede Emotion ist messbar, selbst wenn technische Apparaturen dies suggerieren.
Eine geglückte Verlagerung des Zuschauerkörpers in den virtuellen Performanceraum bot „The Other in You“. Der japanische Medien- und Installationskünstler Richi Owaki übertrug über ein Trackingverfahren die Bewegungen eines Tänzers in die Virtual Reality und konfrontierte sie dort mit dem ebenfalls…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2018
Auftritt
Theater St. Gallen: „Versetzung“ von Thomas Melle. Regie Jonas Knecht, Ausstattung Markus Karner
von Harald Müller
Mit zwei ambitionierten und auch riskanten Produktionen startete das Theater St. Gallen in die neue Spielzeit. Der Autor und Regisseur Philippe Heule schrieb und inszenierte sein Volkstheaterstück „Spekulanten“, welches dem grassierenden Selbstverständlich-Werden von Unrecht auch in Heules Heimat, der Ostschweiz, nachgeht.
Weiter hinaus wagte sich die zweite Produktion, die Schweizer Erstaufführung von Thomas Melles „Versetzung“ in der Inszenierung von Jonas Knecht, dem Schauspielchef des Hauses. Im Mittelpunkt steht der beliebte Lehrer Rupp, der vor Jahren an manischer Depression erkrankte, und den jetzt – kurz vor seiner Ernennung zum Rektor – seine bipolare Vergangenheit durch eine Denunziation einholt. Seine eigene Geschichte, die Thomas Melle in seinem Roman „Die Welt im Rücken“ erzählte, ist Hintergrund des Stücks, in dem nachdrücklich nach Verantwortung und Vertrauen, Anerkennung und Erfolg, Leistungsdruck und gesellschaftlicher Ausgrenzung gefragt wird.
Um es gleich zu sagen: Der Vorzug dieser Arbeit, auch gegenüber der Uraufführungsinszenierung vor Monaten am Deutschen Theater Berlin, ist, dass sich Jonas Knecht und seine Dramaturgin Julie Paucker entschlossen haben, die Vorlage wegzurücken von emotionaler Geiselnahme und Stimmungsachterbahnen; stattdessen setzen sie einen analytischeren Ansatz durch, drängen episierende Elemente zurück, kappen überlange Monologe, um zu einem kompakten Textgefüge zu gelangen. So gibt es denn auch weniger Theater-Theater zu sehen,…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2018
Magazin
Das BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater zeigt zum ersten Mal einen Überblick über die florierende freie Szene jenseits der großen Opernhäuser
von Patrick Wildermann
Am Koppenplatz fährt der Bus nach Nirgendwo. Die Räder sind aufgebockt, die Scheiben mit Brettern verdeckt. Auch im Inneren erwartet die Fahrgäste ein Ambiente, das, mit Glitzerfolien und Diskokugeln, wenig zu tun hat mit gewöhnlichem Linienverkehr. Was hier beginnt, ist ein Stillstands-Trip zu klassisch durchsetzten Elektro-Sounds. Alba Gentili-Tedeschi an den Keyboards und die Flötistin Shin-Joo Morgantini (im Katzenlook) schaffen eine großstadtkühle musikalische Spur. Die Sopranistin Gina May Walter moderiert mit kristallenen Koloraturen den ersten Halt dieser Stationenreise an: Wut. Folgen werden Leugnen, Depression, Akzeptanz. Um Liebeskummer- und Trauerbewältigung geht es. Ein durchaus dringliches Thema in Berlin.
„Lonely Hearts Bus Tour“ heißt diese Arbeit der Berliner Gruppe Opera Lab. Das Libretto stammt von Evan Gardner, die Inszenierung besorgt Michael Höppner, die musikalische Leitung hat Antoine Daurat. Die Tour ist Teil des BAM!, kurz und knallig für Berliner Festival für aktuelles Musiktheater. Das findet zum ersten Mal statt und will, ähnlich wie das Performing Arts Festival im Bereich Theater und Tanz, einen Überblick über die florierende freie Szene der Stadt geben. Veranstaltet wird es vom Verein Zeitgenössisches Musiktheater Berlin, seit drei Jahren eine Art Dachverband der Szene.
An vier Tagen und dreizehn Veranstaltungsorten in Mitte sind über dreißig verschiedene Produktionen zu erleben, vierzehn davon Uraufführungen. Die Spanne reicht bei den…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2018
Magazin
Sönke Wortmanns Verfilmung des französischen Theaterstücks „Der Vorname“ verliert sich in platten Klischees
von Angelika Meyer-Speer
In einer Zeit, in der Rechtsextreme auf die Straße gehen und den Hitlergruß zeigen, scheint Sönke Wortmanns neuer Film „Der Vorname“, ein Remake des französischen Geheimtipps „Le Prénom“, genau zum richtigen Zeitpunkt über die Leinwände zu flimmern. Darf man sein Kind Adolf nennen? Oder anders gefragt: Ist der Name Adolf ein Zeichen gegen oder für den Nationalsozialismus? Und wer mythisiert Hitler eigentlich? Die furchtsamen Verdränger, die beim Aussprechen des bloßen Namens zusammenzucken und Hitler zu einer „Ikone des Bösen“ erheben, wie Wortmanns Filmfigur Thomas (Florian David Fitz) es bezeichnet, oder rechte Sympathisanten, die den Namen gar nicht laut genug herausbrüllen können?
Um diese Fragen kreist das französische Salonstück von Matthieu Delaporte und Alexandre de la Patellière, das 2010 in Paris zur Uraufführung kam und 2012 verfilmt wurde. Irgendwo zwischen gesellschaftskritischer Komödie, politischem Stimmungsbild und Familiendrama oszillierend, erinnert es in seiner Anlage stark an Yasmina Rezas „Der Gott des Gemetzels“ oder „Geächtet“ von Ayad Akhtar. Leider fehlt der deutschen Verfilmung die Leichtigkeit, mit der das französische Pendant durch den Abend führt. Während Vincent (in der deutschen Fassung Thomas) kokett und mit Charme rekapituliert, wie die Liebe zu seiner Frau Anna bei Gesprächen über den romantischen Helden Adolphe des gleichnamigen Romans von Benjamin Constant begann, verzichtet Wortmann getrost auf den pseudointellektuellen Kitsch der…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2018
Gespräch
von Jakob Hayner und Sebastian Schwarz
Sebastian Schwarz, Sie sind im thüringischen Greiz aufgewachsen. Wie sind Sie mit der Politik in Berührung gekommen?Mein Elternhaus war immer politisch. Mit meinen Eltern führe ich bis heute politische Diskussionen. Sie sind sehr „rot“, haben also immer Sozialdemokraten oder Linke gewählt. Sie halten das auch weiterhin hoch, obwohl in ihrem Wohnort in der Nähe von Greiz viele Menschen inzwischen die AfD wählen. Als der Greizer Theaterherbst abgeschafft werden sollte, hat sich die SPD für den Erhalt eingesetzt. Das war für mich wichtig, auch weil ich dort mit Theater angefangen habe. Ich habe Schauspielerei immer politisch begriffen. Das meint, dass der Schauspieler ein politisch denkender Mensch sein soll. In dieser Haltung haben mich Thomas Ostermeier und auch der Kollege Josef Bierbichler bestätigt. Das bedeutet auch, eine Offenheit für Fragen zu haben, die vielleicht nicht das Theater oder die, die es machen oder schauen, direkt betreffen. Ich habe immer auch Kontakt zu den Leuten gehalten, die ich aus Greiz kenne und die dort einen Strukturwandel erleben, von dem in Berlin wenig zu sehen oder zu spüren ist. Der ländliche Raum wird bei der urbanen Themensetzung in der Politik oft vergessen, das Thema liegt mir sehr am Herzen.
Sie sind als 18-Jähriger in die SPD eingetreten, haben sich auch in Wahlkämpfen engagiert. Wie ist Ihr Verhältnis zur Sozialdemokratie?
Ich bin zunächst zu den Jusos gegangen. Die Gründe lagen in der lokalen Politik, dem Engagement für den…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2018
Kolumne
Über künstlerische Freiheit und das sperrige Material Gegenwart
von Kathrin Röggla
Was die Kunst braucht, einzig und allein, ist Material – Freiheit braucht sie nicht, sie ist Freiheit; es kann ihr einer die Freiheit nehmen, sich zu zeigen – Freiheit geben kann ihr keiner.“ Dieses Heinrich-Böll-Zitat kam mir vor einiger Zeit durch die Feder des Komponisten Helmut Oehring entgegen und hat mich beschäftigt. Schließlich wirkt angesichts der Bedrohung der Freiheit der Kunst an so vielen Orten der Gedanke, Freiheit hinzufügen zu wollen, zunächst abwegig, er wirkt wie eine Verkehrung, eine merkwürdige Dialektik, die uns aber ins Herz mancher Debatte führt. Heute sieht mich der Begriff „Material“ böse an. Ja, was machen, wenn das Material sich ständig abwendet? Wenn es sich entzieht, weil es immer schon weiter ist?
Die Sache ist nämlich die: Während die Debatte um eine Totalitarismus-Live-Experience des russischen Regisseurs Ilya Khrzhanovsky, veranstaltet von den Berliner Festspielen im Zentrum der Stadt, gleichermaßen unter dem Titel „Immersion“ und der Flagge „Freiheit“ läuft, „DAU Freiheit“ genannt, rennen Menschen aus Chemnitz oder dem Umland, dem berühmten Chemnitzer Hinterland, groß wie die Bundesrepublik, Hitlergrüße zeigend über die Straße und sagen dann, das seien nicht sie gewesen, sondern Linke, denn sie wüssten ja (im Unterschied zu jenen), ein Hitlergruß koste 7000 Euro. Sogenannte Wutbürger werden danach zu einem Gespräch mit ihrem Ministerpräsidenten geladen, während Alexander Gauland von dem „normalen Ausrasten“ spricht, ein Justizbeamter hat…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2018
anstelle eines editorials
Franz Knoppe, der Chemnitzer Projektkoordinator des internationalen Kunstnetzwerks Grass Lifter, im Gespräch mit Gunnar Decker
von Gunnar Decker und Franz Knoppe
Franz Knoppe, wofür steht Chemnitz? Für eine Hochburg der Rechtsradikalen, also für Gewalt und Fremdenhass, oder für die Verteidigung der zivilgesellschaftlichen Normen?Für beides. Dass es gerade hier zu rechtsextremen Aktivitäten kam, überrascht mich nicht, die Strukturen existieren gerade in Chemnitz seit Langem. Überraschend aber war die Mobilisierungsfähigkeit dieser Gruppierungen, die die Tötung eines Unbeteiligten als Signal für einen inszenierten Hassausbruch nahmen, bis hin zu gewalttätigen Übergriffen auf Andersaussehende und Andersdenkende. Aber es gab eben auch das andere Chemnitz, etwa mit der Aktion „Die Blockade des Grundgesetzes“, wo Hunderte Grundgesetzbücher den rechten Demonstrationszügen den Weg versperrten. Am Rand der Demo hing ein zwanzig Meter großes Plakat: „Die Würde des Menschen ist antastbar. Stand 27.08.2018“. Auch bei den Demonstrationen gegen den Rechtsextremismus funktionierten die Netzwerke: Es kamen zehnmal mehr Menschen nach Chemnitz, die sich für Toleranz und eine offene Gesellschaft einsetzten – sechzig- bis siebzigtausend zum Konzert mit der Chemnitzer Band Kraftklub, der Gruppe Feine Sahne Fischfilet und den Toten Hosen.
Campino von den Toten Hosen sagte dann auch, es gehe nicht um links gegen rechts. Denn mit dem Verlust allgemeinverbindlicher ziviler Normen verlieren wir alle viel – an Differenzierungsmöglichkeiten, Nuancierungswillen, an Niveau und an Takt im Umgang miteinander. Ein simples Freund-Feind-Schema droht alles zu…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2018
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