Kolumne

In welcher Sprache träumst du, Alida?

Wau Wau Wau, die sprühendste Frau der Balkanliteratur

von Ralph Hammerthaler

In Prishtina, auf dem Polip-Festival, hab ich Alida Bremer kennengelernt, das ist jetzt bald zehn Jahre her. Gerade haben wir uns wiedergetroffen, wieder in Prishtina, wieder auf Polip, aber dieses Jahr ist vieles anders, weil dem Virus eingefallen ist, das kleine Land Kosovo bevorzugt heimzusuchen, ohne doppelt Geimpfte zu verschonen. Im Oda Theater versammelt sich die Literarische ­Internationale wie eine verschworene Gemeinschaft, alle maskiert und mit leuchtenden Augen; nur beim Vorlesen oder Diskutieren wird die Maske vom Gesicht gezogen, und wem danach ist, der schielt ab und zu in die Kamera, weil da draußen ja das Publikum sitzt, vereinzelt vor seinen Monitoren. Polip wird um seine langen Nächte gebracht. Nach der letzten Lesung müssen wir rennen, um in den Bars noch etwas zu bekommen. Um halb zehn nämlich machen sie zu, Polizisten drehen ihre Runden, klopfen an die Scheiben und rufen nichts Nettes durch die Tür. Ab zehn herrscht Ausgangssperre. Jetzt sollte ich mein Hotelzimmer beschreiben. Alida ist eine sprühende Frau. Ein treffenderes Wort als sprühend fällt mir nicht ein, höchstens der Superlativ dazu, sie ist die sprühendste Frau der Balkanliteratur. Von der jüngeren kroatischen Szene hab ich nicht das Schlechteste durch ihre Übersetzungen mitgekriegt, Ivana Sajko, Edo Popović, Renato Baretić. Aber übersetzen allein genügt ihr nicht. Sie tritt als Moderatorin auf, als Vermittlerin und Mentorin. In Berlin hat sie einmal Robert Perišić vorgestellt, einen Autor,…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2021

Magazin

Die soziale Opernplastik

Die Berliner Musiktheater-Erneuerer Dennis Depta und Marielle Sterra erschließen mit dem dritten Opus ihrer „Berlin is not …“-Reihe ungewöhnliche Kunstformen und Publika

von Tom Mustroph

Das Gras ist grün, und über der saftigen Rasenfläche breiten sich kleine Wolken aus Marihuana-Düften aus. Menschengruppen lagern auf der Wiese, Bierflaschen kreisen, Wein schwappt in Bechern. Eine Anmutung von Woodstock stellt sich ein. Nur ist es hier, bei Berlin is not am Ring, auf dem ­Gelände des Garagenkomplexes der Fahr­bereitschaft in Berlin-Lichtenberg viel ­urbaner. Das ruft das Quietschen der regelmäßig am Zaun vorbeifahrenden Straßenbahn ins Bewusstsein. In dieses Geräusch weben sich die Bläserklänge des Omniversal Earkestra. Die Berliner Big Band wartet mit einer Fusion aus Jazz und Tuareg-Klängen auf. Manches Ohr erkennt auch Wagner’sche Anleihen. Ge­geben wird schließlich „Der Ring des Nibelungen“, Richard Wagners Großprojekt, für dessen Realisierung er gleich ein ganzes Festspielhaus in Bayreuth errichten ließ. Die Regisseurin Marielle Sterra und der Dramaturg Dennis Depta, die zuvor schon in den Festivals Berlin is not Bayreuth und Berlin is not Bregenz Wagner’sche Partituren an ungewöhnlichen Orten gegen den Strich bürsteten, arbeiten sich auch in der Ortswahl am großen Antipoden und dessen Unterstützern ab. Sie bauen kein neues Festspielhaus – das Wagner ursprünglich auch selbst nicht wollte –, sondern begnügen sich mit bereits bestehender Infrastruktur. Nur schrill glitzernde Tücher, mit denen der Zaun verhängt ist, weisen auf ihr Event hin. Kräftig am Wagner’schen Ambrosia-Topf, der (musik-)revolutionäres Selbstbewusstsein verschafft, haben sie…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2021

Magazin

Wahrhaftiges Spiel

Stefan Tigges: Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater. transcript Verlag, Bielefeld 2021, 616 S., 49,99 EUR.

von Theresa Schütz

Die Suche nach einer Wahrhaftigkeit des Spiels, nach einer Glaubwürdigkeit, die Figur und Spielerin beziehungsweise Spieler gleichermaßen betrifft, nach einem organischen Entfalten szenischer Prozesse im miteinander geteilten Bühnenraum – dies sind ästhetische Merkmale der Theaterarbeit von Jürgen Gosch und Johannes Schütz in ihrer gemeinsamen Werkphase der nuller Jahre. Bei der Anton-Tschechow-Inszenierung „Die Möwe“ am Deutschen Theater Berlin, der vorletzten Arbeit Jürgen Goschs vor seinem Tod 2009, welche der Theaterwissenschaftler Stefan Tigges als „Konzentrat und Quintessenz“ der gemeinsam entwickelten Theaterästhetik beschreibt, war ich als Regiehospitantin dabei. Zumindest ein paar Tage. Denn dann schlug Herr Gosch vor, dass ich mich in der Funktion des in der Textfassung notierten Zimmermädchens „doch mal mit zu den anderen auf die Bühne setzen“ solle. Dort blieb ich dann, mehr als siebzig Vorstellungen. Zwölf Jahre später bin auch ich ­Theaterwissenschaftlerin und hatte dank der Habilitationsschrift von Stefan Tigges „Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater“ die Möglichkeit, nun noch einmal mit anderen Augen auf das Werk der beiden Theaterkünstler zurückzublicken. Tigges fokussiert in seinem gut 600-­seitigen Opus das gemeinsame Schaffen von 2003 bis 2009 entlang der drei „Kosmen“ William Shakespeare, Roland Schimmel­pfennig und Anton Tschechow. Einen ersten Schwerpunkt bildet die Düsseldorfer „Mac-beth“-Inszenierung (2005), die für Tigges den Auftakt einer Suche…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Festivals

Zwei Revolver und eine Handvoll Kritik

Das africologne Festival in Köln stößt seit zehn Jahren Diskussionen über neokoloniale Verhältnisse an, um Vorurteile auf beiden Seiten abzubauen

von Sascha Westphal

Schließlich ist es so weit. Vater und Sohn ziehen ihre Revolver und schießen aufeinander. Ein Ende, das sich von Anfang an abgezeichnet hat und doch nicht unvermeidbar war. Nicht das Schicksal hat den Bauunternehmer und selbsternannten „König des Betons“ Franck und Niko, seinen Erstgeborenen, zu Todfeinden gemacht. Sie sind den Mechanismen des Kapitalismus erlegen, die alles auf Konkurrenz und Kampf reduzieren und kein friedliches Nebeneinander gegensätzlicher Ideen und Überzeugungen dulden. So sieht es zumindest der guineische Autor Hakim Bah, der die Textvorlage für Cédric Brossards im Rahmen des diesjährigen africologne Festivals uraufgeführte Theaterperformance „Traque – Treibjagd“ geschrieben hat. Es gibt zwar ein reales Vorbild für den großen, von Franck gegründeten Baukonzern und dessen geschäftliche Verbindungen zu afrikanischen Staaten. Aber Bah setzt gezielt auf Verfremdungen. Nahezu alle Szenen seines Stücks gleichen Duellen. Verhandlungen werden mit Worten geführt und nicht selten mit Schüssen aus Revolvern beendet. Das wahre Wesen des Kapitalismus spiegelt sich in den Konventionen des Western-Genres. Das erinnert an die Verfremdungstechniken eines Bertolt Brecht, dessen Lehrstück „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ Zeitgeschichte als Mafia-Kolportage porträtiert hat. „Traque“, eine gemeinsame Produktion von Brossards ­Compagnie Acétés und africologne, stand im Zentrum des diesjährigen Festivals. Aufgrund der Pandemie konnte Brossards an verschiedenen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Kommentar

Rückwärts nimmer?

Coming soon, aber ohne Ida Müller und Vegard Vinge – Die Berliner Volksbühne gibt unmittelbar vor dem Neustart unter René Pollesch Rätsel auf

von Tom Mustroph

Es ist der Intendanzneustart der Saison: Mitte dieses Monats, am 16. September, eröffnet die Volksbühne in Berlin unter der neuen Leitung von René Pollesch. Viele Augen sind auf die Hauptstadt gerichtet, viele Theaterherzen pochen auch, denn wohl kaum ein Theater erzeugte in den letzten drei Jahrzehnten so viele Emotio­nen. Auf die Ära von Frank Castorf folgte das kurze Intermezzo von Chris Dercon. Der danach eingesetzte Interimsintendant Klaus Dörr trat im März dieses Jahres infolge von MeToo-Vorwürfen zurück. Wird nun Pollesch, der zu den prägendsten Volksbühnen-Regisseuren der Castorf-Ära gehörte, das Haus noch einmal ganz neu erfinden können, mit bewährten Arbeitsweisen, aber auch neuen Ästhetiken, wie seine Anhängerinnen und Anhänger glauben? Oder hält mit ihm – wie hingegen die Skeptikerinnen und Skeptiker meinen – einfach ein Back-to-the-Castorf-Roots, nur eben ohne den Altmeister, Einzug am Berliner Rosa-Luxemburg-Platz? Das ist die große Frage, die über diesem Neustart steht. Spannungssteigernd wirkt dabei, dass sich Pollesch und sein Team bis tief in den Sommer hinein mit konkreten Spielzeitplänen konsequent bedeckt hielten. Während die anderen Häuser auf ihren Websites bereits bis zum Jahresende prall gefüllte Premierenkalender veröffentlichten, prangte unter der Volksbühnenadresse bei Redaktionsschluss noch immer lediglich der Schriftzug: „Coming soon“. Herauszufinden war durch wiederholte Nachfrage immerhin zweierlei. Erstens: Das Haus eröffnet mit dem…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Protagonisten

Forschen statt Spielen

Die während der Corona-Krise entwickelten Stipendienprogramme für die freien darstellenden Künste wären auch postpandemisch ein Gewinn

von Tom Mustroph

Tatsächlich: Auch Glücksmomente brachte diese Pandemie – und zwar nicht nur für Maskenproduzenten, Plexiglasverbauer und Impfstoffentwickler, sondern auch für Akteurinnen und Akteure der gewöhnlich recht prekären freien darstellenden Künste.Ganz deutlich war dies bei Gesprächen über die #TakeCare-Residenz-Programme des Fonds Darstellende Künste zu spüren. Da blitzten vor Freude und Begeisterung glänzende Augen in den Videokonferenzkacheln auf. Gedacht waren die besagten Programme als Überbrückung eines Notstands. „Es ging um den Erhalt der Struktur und der Vielgestaltigkeit der freien darstellenden Künste“, erklärt Holger Bergmann, Geschäftsführer des Fonds. „Mehr als 1100 Residenzen und Stipendien haben wir über die zwei großen Netzwerke des Bündnisses der Internationalen Produktionshäuser und des Bundesnetzwerks flausen+ inklusive der assoziierten Häuser vergeben. Das war ein Volumen von etwa 5,5 Millionen Euro allein für die Residenzen. Hinzu kamen Hostingkosten für die beteiligten Häuser“, sagt Bergmann. Insgesamt mehr als sechs Millionen Euro seien so aus Bundesgeldern zur Verfügung gestellt worden. Die Effekte übertreffen noch die Mittel, nicht nur kurzfristig, sondern auch über die Pandemie hinaus. Denn Künstlerinnen und Künstler wie auch produzierende Häuser machten Erfahrungen, die zu neuen Arbeitsformen jenseits des gewohnten hektischen Produktionsoutputs führten. „Ich hatte das Gefühl, als gingen 100 000 Türen auf. Es entstand eine Tiefe, die, wenn ich einfach…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Look Out

Facebook oder Insta?

Die Regisseurin Cosmea Spelleken macht Netztheater zu einer intimen Erfahrung

von Sabine Leucht

Cosmea Spelleken ist in Freiburg aufgewachsen, hat sich schauspielenderweise an freien Bühnen erprobt und mit 16 den Film entdeckt, an dem sie die Intimität schätzt, die er zu seinen Figuren herstellen kann. Dafür fehlt ihr im Film das ausgiebige Sich-Hineinwühlen in Stoffe. Und dann stellte während ihres Studiums der Medienkunst in Karlsruhe jemand die Frage: „Muss das, was du erzählen willst, zwangsläufig ein Film werden, oder ist vielleicht ein Hör­stück geeigneter, ein Audiowalk – oder doch Theater?“ Hinter diesen Gedanken, dass jede Geschichte nach ganz eigenen Mitteln verlangt, kann die heute 25-Jährige seither nicht mehr zurück. Deshalb haben die abgefilmten Theateraufführungen im ersten Lockdown sie so genervt. Es gab keine Begründung für ihre Form außer dem Lockdown selbst. Da kam ihr eine „fixe Idee“. Die heißt „werther.live“ – und hat so richtig eingeschlagen. Bis zu 1300 Zuschauer pro Vorstellung haben das rein digitale Freie-Szene-Debüt gesehen, das Preise und Herzen gewann, von der New York Times bejubelt, beim Theatertreffen diskutiert und zuletzt unter dem virtuellen Dach großer Häuser und beim Heidelberger Stückemarkt gezeigt wurde. Der Theater, Film und Social Media fusionierende Abend, konsequent aus Werthers Perspektive erzählt – dem Protagonisten aus Johann Wolfgang von Goethes gleichnamigem Briefroman – geht einem ungewöhnlich nah. Und er übersetzt das Kultwerk von 1774 so jugendaffin wie stimmig ins Heute. Beides hat viel mit der Detailversessenheit…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Kolumne

Proust!

Hochsicherheitsdrama um den Kreuzberger Buchladen Kisch & Co.

von Ralph Hammerthaler

„Sitzungspolizeiliche Anordnung“ ist ein schönes Wort, selbst wenn ich mich unausgeschlafen frage, ob es nicht eher polizeiliche Sitzungsanordnung heißen müsste. Sie werden es sich schon gut überlegt haben. Dieses Anordnungsdeutsch jedoch entwickelt einen gewissen Sog, und je weiter ich lese, desto weniger kann ich mich entziehen. Mit Blick auf die Kontrolle in der Eingangsschleuse steht unter V.3.d: „Die Untersuchung ist auf das Schuhwerk zu erstrecken“; unter V.3.e: „Das Kopieren der Ausweise für die schnelle Identifizierung von Störerinnen und Störern wird angeordnet. Die Kopien sind unverzüglich nach Schluss der Sitzung zu vernichten.“ Das glaube ich gern. Zweimal ist der Termin für die Verhandlung verschoben worden, der Richter wurde um zwei weitere aufgestockt, und dann ist der zivilrechtliche Prozess auch noch örtlich verlagert worden, ins Kriminalgericht Moabit. Immer noch unausgeschlafen frage ich mich, gegen welche Terrormiliz es hier geht. Es geht aber, ich schwöre es, um einen Buchladen, es geht um die Räumungsklage gegen Kisch & Co. Wie in meiner ersten Kolumne in dieser Spielzeit beziehe ich mich auch in meiner letzten auf den vom Kreuzberger Kiez so geliebten Laden. Zu viel Drama, Baby. Seit Juni 2020 soll er eigentlich schon weg sein, weil der neue Eigentümer, ein gesichtsloser Immobilienfonds, ihn nicht haben will. Dass der vorerst letzte Akt, der im Drama nicht selten der blutigste ist, im Kriminalgericht spielt, wirkt wie eine fiese Pointe. Da hilft es…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Gespräch

Was macht das Theater, Mable Preach?

von Natalie Fingerhut und Mable Preach

Mable Preach, Sie arbeiten gerade mit Branko Šimić und Sophia Hussain als ­Regietrio an „Escape the Room 2.0 – ­Unlearn Racism“, einer Produktion für das Krass Kultur Crash Festival auf Kampnagel Hamburg. Wie der Name erahnen lässt, ist es bereits Ihr zweites Escape-Room-­Projekt, das erste fand unter dem Titel ­„Escape the Room: Fight the Power“ 2020 statt. Wie kam die Kombination eines ­Escape Rooms mit dem Thema Rassismus zustande? Eva Maria Stüting von den Kulturagenten für kreative Schulen und der Dramaturg Nikola Duric kamen 2020 mit dem Escape-Room-Konzept zum Thema Rassismus auf mich zu. Ich fand die Idee anfangs spannend, bekam dann aber Zweifel: Stopp, wait a moment! Escape Racism? Ich als schwarze Frau werde Rassismus nie entkommen können – ebenso wenig wie die meisten Jugendlichen, mit denen ich arbeite. Als ich den Jugendlichen das Konzept aber vorstellte, wollten sie es trotzdem machen, obwohl schon die Behauptung – Escape Racism – nicht ungefährlich ist. Wir entschieden uns, Erfahrungsräume zu bauen, in denen Menschen, die Rassismus normalerweise nicht ausgesetzt sind, vielleicht fünf Prozent von dem empfinden können, was wir täglich erleben. Das Problem: Das Publikum, das in der Regel zu meinen Stücken kommt, bildet Hamburg ab, wie es ist: nämlich sehr divers – viele junge schwarze Menschen sind dabei. Was wird bei denen getriggert? Also fiel die Entscheidung, dass die Räume zwei Dinge können müssen: das Publikum, das so ist wie wir, empowern und für die…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Erkenntnis und Vergnügen

Eine kurze Geschichte von Theater der Zeit zum 75. Geburtstag

von Harald Müller

Ein Mann, der was zu sagen hat und keinen Hörer findet, ist schlimm dran. Noch schlimmer sind Hörer dran, die keinen finden, der ihnen etwas zu sagen hat“ (Bertolt Brecht). Mir war damals im Herbst 1992 dieses Dilemma sehr bewusst, als ich mit Friedrich Dieckmann, Martin Linzer und Frank Raddatz den Neustart der Zeitschrift Theater der Zeit vorbereitete. Ich gebe ehrlich zu, Theater der Zeit zu DDR-Zeiten nicht wirklich wahrgenommen zu haben: zu affirmativ. Eher schon, auch das gehört zur Wahrheit, das Theatermagazin aus Seelze, das man – wenn man wusste, wo – einsehen konnte. Ich wollte lesen, was Thomas Brasch und Stefan Schütz schrieben, was Ruth Berghaus, Jürgen Gosch, Einar Schleef und B. K. Tragelehn inszenierten, was Jutta Hoffmann und Jürgen Holtz spielten und all die anderen, furchtbar vielen Exilierten trieben – über die Theater der Zeit damals nicht schrieb. Wie sage ich es heute: Meine Generation, die in den Achtzigern zu Bewusstsein und auch zu Selbstbewusstsein kam, suchte neue Auswege aus dem DDR-Biedermeier. Im Angesicht von ­atomarer Systemschmelze und der totalitären Gesinnung eines Verbotsstaates entwickelte sich zusehends ein Endzeitgefühl, und jeder musste sich die Frage stellen, ob er Feinstaub oder Granulat im Getriebe eines Kontrollsystems sein wollte. Die Antworten fanden wir in den sich plötzlich herausbildenden Subkulturen, nicht nur in Berlin: David Bowies illegale Konzerte in Hinterhöfen des Prenzlauer Berges entdeckten wir wieder im…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021

Gespräch

Was macht das Theater, Gernot Grünewald?

von Gernot Grünewald und Tom Mustroph

Gernot Grünewald, in Ihrem Projekt „Selbstvergessen“ stehen Kinder und ­Jugendliche auf der Bühne, die an einer Art lebendigem Familienarchiv arbeiten: Sie erforschen die Biografien und Lebenserinnerungen ihrer nicht mehr erin­nerungs­­fähigen Großeltern. Wie kann man sich den Abend konkret vorstellen? Wir arbeiten mit verschiedenen dokumentarischen Elementen. Die Jugendlichen haben, soweit das möglich war, Interviews mit ihren dement gewordenen Großeltern geführt. An den Ton­spuren spürt man, wie sich Vergessen im Sprach- und Erinnerungsvermögen abbildet. Kern des Projektes ist aber, wie sich Erinnern über persönliches ­Erleben, Familiengedächtnis oder Archive vollzieht. Außerdem arbeiten wir mit digitalen Scans, die das Thema Erinnern und Vergessen jenseits des Haptischen oder des persönlichen Reflektierens in den digitalen Raum übertragen. Woran erinnern sich die Großeltern, sofern sie sich erinnern? Sind das vor allem die Kindheits- und Jugendjahre, also die Zeit, in der sich die jetzt auf der Bühne stehende Enkelgeneration selbst befindet? Es ist eine Art Spiegelachse. Die Jugendlichen werden auf der Bühne zu Wiedergängern ihrer eigenen Großeltern. Wir erleben sie am biografischen Anfang ihres Lebens, der von den Großeltern am längsten erinnert wird. Demenz hat neben aller Tragik auch etwas sehr Faszinierendes: Man vergisst rückwärts, zunächst das, was vor fünf Minuten, dann das, was vor einem Monat oder einem Jahr passiert ist, bis man sich bei schweren Verläufen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021

Look Out

Eine Stiege für den Kaiser

Rita Czapka wacht als Archivarin über den Wissensspeicher des Burgtheaters Wien – und kennt so manches Geheimnis

von Margarete Affenzeller

Die älteste Buchausgabe, die sich im Burgtheaterarchiv ­befindet, ist eine Sammlung von ins Deutsche übertragenen ­Komödien (unter anderem von Molière) aus der Zeit um 1760. Dass sich die Archivarbeit manchmal wie eine „Schatzsuche“ anfühlt, wie es Rita Czapka bezeichnet, verwundert da nicht. Zumal im Fall des Wiener Burgtheaters und seiner langen und wechselvollen Geschichte entsprechend viel zu dokumentierendes Material angefallen ist. Als Theater nächst der Burg existiert es seit dem Jahr 1748. Das Archiv muss also aus allen Nähten platzen und tut es auch, wie die seit 1993 am Haus tätige ­Archivarin bestätigt. Bestände wurden bereits in die Dramaturgie ausgelagert, wo Rita Czapka umringt von dicht befüllten Regalen sitzt. An der Wand hängt ihr Lieblingsfundstück, eine mehrfach vergrößerte Fotografie vom festlich erleuchteten Burgtheater bei der Wiedereröffnung mit „König Ottokars Glück und Ende“ 1955. Über sich selbst spricht Rita Czapka nicht so gern. Sie möchte – und das gehört wohl zum Berufsbild der Archivarin – lieber nicht im Mittelpunkt stehen. Über ihren Werdegang macht sie kein Aufsehen. Kurzum: Nach einem Studium der Kunstgeschichte, Musik- und Theaterwissenschaften in Wien zog es sie magnetisch ans Burgtheater, wo die turbulente Ära Claus Peymanns bereits Fahrt aufgenommen hatte. Mit liebevoller, warmer Stimme spricht Czapka über die unzähligen Vorstellungen, die sie am Haus ge­sehen hat. Man spürt, wie zugewandt sie dem Theater und dessen Protagonistinnen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021

Look Out

Das Gedächtnis des Theaters

Tote Materialien gibt es nicht – Ein Vierteljahrhundert war Hans Rübesame Archivleiter des Deutschen Theaters Berlin

von Thomas Irmer

Der Zufall brachte Hans Rübesame ins Archiv des Deutschen Theaters Berlin, das er 25 Jahre bis zum Beginn der Intendanz von Ulrich Khuon leitete. Der aus Halle Stammende war zuvor Leiter des Schallarchivs beim VEB Deutsche Schallplatten und, für die DDR höchst ungewöhnlich, freischaffender Musikwissenschaftler. Rübesame war mit dem Dramatiker Georg Seidel eng befreundet, der gerade in der Dramaturgie des Deutschen Theaters angefangen hatte und ihm damals den Tipp gab, sich dort auf eine freie Stelle zu bewerben. „Ich kam völlig von der Seite, obwohl ich neben Musik- auch Bibliothekswissenschaften studiert hatte“, erzählt Rübesame. Als Student besuchte er ab 1965 regelmäßig Vorstellungen des DT, Benno Bessons legendäre Inszenierung „Der Drache“ gleich als Erstes. Die Kenntnis des großen Repertoires über eine lange Zeit war eine gute Grundlage für die spätere Archivarbeit, die unter der Intendanz von Dieter Mann und dessen Chefdramaturgen Hans Nadolny begann. Zu dem eigentlichen Archiv gehörte auch eine Hausbibliothek, aus der Material für die Dramaturgen bereitgestellt wurde. Außerdem konnte Rübesame für spezielle Aufträge in die großen Bibliotheken Berlins gehen. „Einige Dramaturgen“, berichtet er, „hatten dort nämlich Entleihungsverbot wegen nie zurückgegebener Bücher.“ Dieser Teil seiner Tätigkeit war also auf die Dramaturgie des Hauses ausgerichtet. Im Archiv trafen aber auch Anfragen aus aller Welt ein, vor allem von Theaterwissenschaftlern und Studenten. Da baten…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021

Im Bann der eigenen Geschichte

Zum 60. Geburtstag von Theater der Zeit 2006 warf Chefredakteur i.R. Martin Linzer einen Blick zurück in die Vergangenheit. Ein Abriss über die Geschichte des Magazins.

von Martin Linzer

Theater der Zeit hat Geburtstag und möchte aus diesem Anlass seinen Lesern ein Geschenk machen: die „Gesammelten Werke“, oder doch einen Abglanz davon. Unsere CD-ROM, die jeder Abonnent mit dem Mai-Heft erhält (und jeder Neugierige selbstverständlich auch bei uns erwerben kann), enthält aus jeder der von Juli 1946 bis April 2006 erschienenen Ausgaben, und das sind exakt 746, mindestens einen Beitrag, ob Leitartikel, Rezension, Reportage, Gespräch – also über 750 Beiträge aus 60 Jahren Theater der Zeit! Die Auswahl, die ich im Auftrag des Verlags vorgenommen habe, eine Zeitreise auch durch die eigene Biografie. ist notwendig subjektiv, unausgewogen, angreifbar – eine Art Director's Cut –, aber nicht willkürlich. Sie versucht anzudeuten, wie Personen – Chef- und andere Redakteure, auch bestimmte Autoren – das Erscheinungsbild der Zeitschrift bestimmten bzw. veränderten, wie aber auch politische Umstände, gesellschaftliche Prozesse auf das Erscheinungsbild der Zeitschrift einwirkten, eine freie Meinungsbildung behinderten, tolerierten, selten genug begünstigten. Ohne im Entferntesten eine professionelle Theater-Geschichtsschreibung ersetzen zu können, ist die Geschichte von Theater der Zeit doch auch ein Spiegelbild der Geschichte des DDR-Theaters, oder besser des Theaters in der DDR und ein Reflex der gesellschaftlichen Veränderungen in dem Teil Deutschlands, der als SBZ begann, 40 Jahre DDR hieß – und mit seiner Geschichte immer noch die Zeitschrift mitprägt. Stetige…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 05/2006