Stück
Dietmar Dath über sein neues Stück „Die nötige Folter“ im Gespräch mit Jakob Hayner
von Dietmar Dath und Jakob Hayner
Dietmar Dath, nachdem Ihre Romane „Waffenwetter“, „Sie schläft“ und „Die Abschaffung der Arten“ für die Bühne adaptiert wurden, Sie außerdem Überarbeitungen von Henrik Ibsens „Ein Volksfeind“ und kürzlich von Mary Shelleys „Frankenstein“ erstellt haben, folgt nun nach „Annika oder Wir sind nichts“ und „Regina oder Die Eichhörnchenküsse“ mit „Die nötige Folter“ ihr drittes Theaterstück, ein Auftragswerk des Staatstheaters Augsburg. Im Untertitel heißt es „Spiel für sechs Unschuldige und ein Bild“. Gibt es überhaupt Unschuldige in einer Welt mit Ausbeutung und Krieg?Schuld heißt: Eine Person kann was dafür. Die Abhängigkeits- und komplementär dazu Verwahrlosungsdynamiken der Gegenwart sorgen ja leider dafür, dass es tatsächlich fast nur noch Unschuldige gibt. Wer könnte nicht mit Recht sagen: Ich selbst hätte es anders gewollt, aber was soll ich machen? Das gilt für die Aufsichtsrätin so gut wie für den Obdachlosen. Mein Stück stellt sich auf die Seite der einzig Schuldigen darin, der Künstlerin. Sie kann was dafür, sie hat es gewollt (wenn auch nicht genau so, aber das ist die List der Vernunft dabei).
In „Die nötige Folter“ befinden sich Sven, Baqil, Eva und Hark in einer misslichen Lage. Fixiert auf ihren Stühlen, sind sie in einem Raum gefangen, der als eine Mischung aus Medizinlabor, Supermarkt und Folterkammer beschrieben wird. Sie rätseln, wie sie wohl dorthin gekommen sind. Es scheint, als müssten sich die Menschen anhand des Resultats ihre vorhergegangenen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2019
Protagonisten
Lars-Ole Walburg hat während seiner Intendanz am Schauspiel Hannover bewiesen, wie man eine Stadt gewinnt, ohne sich künstlerisch zu verbiegen. Ein Rückblick
von Dorte Lena Eilers
Das Theater ist ein flüchtiges Medium. Um es festzusetzen, bedarf es drastischer Mittel. Selbst die Staatsmacht ist mitunter machtlos. Die Polizeidirektion Niedersachsen verfolgt seit einigen Jahren eine Charmeoffensive in Sachen Überwachung. Auf ihrer Internetseite sind per Foto die Standorte polizeilicher Überwachungskameras in verschiedenen niedersächsischen Städten verzeichnet. 2010 war in Hannover auf dem Bild vom Thielenplatz, unweit des Theaters, ein Plakat mit einem Slogan zu sehen. „Wer an seine Zukunft glaubt, gehört zu uns!“, stand darauf geschrieben. Wolfgang Stieler, Autor auf heise.de und normalerweise Kritiker von Big Data, zeigte sich begeistert: Sah das nicht fast wie die Aktion eines situationistischen Künstlers aus?!
Das Schauspiel Hannover unter der Leitung von Lars-Ole Walburg hat sich in den vergangenen zehn Jahren immer wieder in diesem irisierenden Bereich zwischen Fiktion und Wirklichkeit, Kunst und Agitprop, Bildungsauftrag und politischem Ungehorsam aufgehalten. Es war ein eingreifendes Theater, sperrig, niemals anbiedernd, das sich, so Walburg, immer den Vorteil erarbeiten wollte, den gesellschaftlichen Entwicklungen einen halben Schritt voraus zu sein. Fast gespenstisch, wie oft das auch gelang. Wer das vom Schauspiel Hannover herausgegebene fast siebenhundert Seiten starke Heft zum Abschluss der Intendanz von Lars-Ole Walburg durchblättert, blättert in einem großen Bogen durch zehn politisch brisante Jahre – vom Finanzkollaps über Islamismus,…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2019
Gespräch
von Otto Paul Burkhardt und Tobias Rehberger
Herr Rehberger, in der Nähe der Baugrube zum neuen Stuttgarter Tiefbahnhof haben Sie eine weitere Grube aufgebaut, eine begehbare Installation, die „Probegrube“ heißt. Anstelle der Gleiswüste soll nämlich ein neues Stadtviertel entstehen. Ist Ihre Skulptur ein offenes Architekturmodell für dieses geplante Quartier?Das könnte man so sagen. Sie ist aber auch noch ein paar andere Dinge.
Dann spekuliere ich mal: Ihre „Probegrube“ ist erlebbar als abgetreppte Landschaft aus schwarzen Klötzen und Blocks. Die aber sind bunt im Tarnfarben-Design übermalt mit einer nicht deckungsgleichen, vielfältigen Planskizze aus Bäumen, Sportplätzen, Häusern, Seen, Bauernhöfen und mehr. Dystopie oder Utopie?Weder noch. Sie ist ja kein düsterer Entwurf einer immer schlimmeren Zukunft. Aber eben auch keine Utopie. Das ist mir zu ideologisch. Wenn man utopisch sein will, braucht man eine Ideologie. Man muss wissen, auf was die Utopie ausgerichtet sein muss. Mein Vorschlag ist ja fast das Gegenteil. Aber nicht Dystopie als Gegenteil. Sondern eher: fröhlich Unklarheiten und Probleme schaffen, die dann mit Schönheit ausgestopft werden können.
„New Landscapes Show Up In The Unlikeliest Places“, lautet der Untertitel Ihrer Installation. Ist sie auch eine Art Empowerment, über die Möglichkeiten von Stadtplanung neu nachzudenken?Absolut. Sie soll einem die Möglichkeit geben, über den eigenen Grubenrand hinauszuschauen, um dann festzustellen, hoppla, nebenan sind ja auch Löcher. Das ist ja eigentlich…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2019
Magazin
Bernd Stegemann: Die Moralfalle. Für eine Befreiung linker Politik. Matthes & Seitz, Berlin 2018, 205 Seiten, 18 EUR.
von Christian Baron
Im Februar 2018 debattierte der Deutsche Bundestag in einer Aktuellen Stunde zum Thema „Erinnerungskultur“. Der Grünen-Abgeordnete Cem Özdemir stand am Rednerpult. Gerade hatte er mit gespielter Verwegenheit in der Stimme die Abgeordneten der AfD als „Rassisten“ bezeichnet. Applaus brandete auf, in den hinein Özdemir „Diese Damen und Herren hier“ sagte. Immer wieder sagte er: „Diese Damen und Herren hier“, und dabei stach sein ausgestreckter Zeigefinger mehrmals anklagend in Richtung der AfD-Fraktion.
„Ich hab’ das Mikrofon, und Gott sei Dank können Sie es mir nicht abstellen“, rief er. „Ich weiß, in dem Regime, von dem Sie träumen, könnte man das Mikrofon abstellen. Aber das können Sie hier nicht. Und Sie werden es nicht schaffen, glauben Sie es mir.“ Dabei hätte ihm in diesem Moment niemand das Mikrofon abstellen wollen, erst recht nicht die AfD. Denn die weiß ganz genau, dass der Grüne wieder einmal das Spiel der Rechten spielte – und ihnen mit dieser kurzen Rede weitere Wähler geschenkt haben dürfte.
Bernd Stegemann verfolgt offenbar nicht allzu oft Bundestagsdebatten. Vielleicht ist das auch gut so, denn dann wäre sein neues Buch „Die Moralfalle“ unmöglich zweihundert Seiten schlank geblieben, so viele Belege für seine zentrale These hätten sich aufgedrängt. Der Mitinitiator der linken Sammlungsbewegung Aufstehen stellt in der politischen Kommunikation eine Tendenz zum aggressiven Moralisieren fest: „Die Verurteilung des Schlechten in der Welt hat weder zur Ursache…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2019
Thema
von Gunnar Decker
Die Kapriolen, die die Geschichte vor unseren Augen schlägt, in ein Verstand und Gefühl des Zuschauers erhellendes Spiel zu bringen, ohne vergessen zu machen, dass es sich um Kapriolen handelt, darin besteht die Kunst. Eine Kunst, die das Staatstheater Braunschweig auf eine so besondere Weise beherrscht, dass es dafür den von der Zeitschrift Theater der Zeit vergebenen Martin Linzer Theaterpreis erhält!
Es gab Zeiten, da kam man wegen Wilhelm Raabe nach Braunschweig – sogar Hermann Hesse kam wegen ihm im Jahre 1909 hierher, den bewunderten Greis zu treffen. Darüber hat er 1933 den überaus lesenswerten Text „Besuch bei Wilhelm Raabe“ geschrieben. Hesse hatte ein drängendes Anliegen: Er wollte vor allem über den von ihm hochverehrten Eduard Mörike mit dem fast achtzigjährigen Raabe sprechen – und dieser schildert ihm dann auch den Dichter aus seinen Begegnungen heraus in allen Farben als überaus unangenehmen Menschen, dessen pfäffische Natur ihm zutiefst unsympathisch gewesen sei. Hesse schreibt das treulich auf. In einem verspäteten Nachtrag zu seinem Bericht allerdings notiert er dann irritiert, es stünde zweifelsfrei fest, dass Raabe Mörike nie getroffen habe. Da ist der Autor mit seiner Bewunderung am falschen Platz dem Eulenspiegel Raabe auf den Leim gegangen – und braucht mehr als ein Vierteljahrhundert, es überhaupt zu bemerken. Also, Vorsicht mit Schwärmereien, deren Adressat nicht das direkte Gegenüber ist!
Dabei hätte der Raabe-Leser durchaus gewarnt sein…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2019
Magazin
Unter dem Titel „DDR neu erzählen!“ wird am Berliner HAU über das Geschichtsbild des Ostens diskutiert
von Jakob Hayner
Manches braucht seine Zeit. So beginnen sich dreißig Jahre nach der Öffnung der Grenze auch die Debatten über die DDR zu öffnen. „DDR neu erzählen!“ heißt es – selbstbewusst mit Ausrufungszeichen versehen – Mitte März im Berliner HAU Hebbel am Ufer bei der zentralen Diskussionsveranstaltung des Festivals „Comrades, I Am Not Ashamed of My Communist Past – Erinnerungspolitik 30 Jahre nach dem Fall der Berliner Mauer“, bei dem Stücke wie She She Pops „Schubladen“ und „little red (play): ‚herstory‘“ von andcompany&Co. gezeigt wurden. Schon am Wochenende zuvor hatten die Berliner Festspiele den Palast der Republik wiederauferstehen lassen, zahlreiche Gäste – Intellektuelle aus aller Welt – diskutierten über das Ende der DDR und die fortschrittlichen Ideen der Demokratisierung des Sozialismus, die an den Runden Tischen damals zwar erörtert, aber nicht verwirklicht worden waren. Verpasste Gelegenheiten sind auch verlorene Utopien. Und auf die Runden Tische folgten die forcierte Währungs- und Wirtschaftsunion, der übereilte Beitritt zur BRD und die wenig rühmliche Geschichte der Privatisierung und Abwicklung einer gesamten volkseigenen Wirtschaft durch die Treuhand. Aus der DDR wurde Geschichte gemacht – und als solche wurde sie Gegenstand erbitterter Debatten und Kämpfe um die Deutungshoheit.
Im HAU eröffnete die Historikerin Carola S. Rudnick die Debatte. 2011 erschien ihr Buch „Die andere Hälfte der Erinnerung“ über die DDR in der deutschen Geschichtspolitik nach 1989. Sie…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2019
Stück
Das Lager auf die Bühne bringen – Zu Warlam Schalamows Stück „Anna Iwanowna“
von Erik Zielke
Das Lager erzählen. Das ist die Prämisse für das Schreiben von Warlam Schalamow. Der russische Schriftsteller (1907–1982) musste das GULag-System während mehrerer erzwungener Aufenthalte in den zwanziger, dreißiger, vierziger und fünfziger Jahren am eigenen Leib erfahren. Dabei war er nicht der antikommunistische Dissident, als den der Westen sich ihn gewünscht hatte. Schon gar nicht sehnte er Russland – wie der Literaturnobelpreisträger und gänzlich andere Chronist des Lagers, Alexander Solschenizyn – zurück ins Zarenreich. Er gehörte zur linken Opposition in der Sowjetunion, die in den Jahren Stalin’scher Herrschaft erbarmungslos verfolgt wurde. Nach kleineren publizistischen Arbeiten in den dreißiger Jahren widmete er sich seit Beginn der Chruschtschow-Ära einer Aufgabe, für die er bereits in seiner Haftzeit mit seinen „Kolymaer Heften“ den Grundstein gelegt hatte: Er wollte das Lager erzählen und hat dafür eine große Literatur geschaffen, die Worte für die Unmenschlichkeit sucht.
Für dieses Thema eine Öffentlichkeit zu finden in dem Staat, der doch angetreten war, mehr Menschlichkeit hervorzubringen, war freilich schwer. Wenn auch der Mythos, es sei unmöglich gewesen, nicht stimmt, vielmehr Unkenntnis der Bedingungen für das literarische Arbeiten im Realsozialismus offenbart. Zwischen Samisdat und Tamisdat erkämpfte Schalamow sich ein Publikum; in den Literaturzeitschriften der Sowjetunion erschienen vereinzelt seine Werke, in der Hauptsache Lyrik. Unter anderem in…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2019
Protagonisten
Schauspielchefin Anna Bergmann überlässt in Karlsruhe ausschließlich Frauen das Regiepult – ein Zeichen für die Gleichheit der Geschlechter
von Elisabeth Maier
Das konsequent weibliche Konzept der Karlsruher Schauspielchefin Anna Bergmann war sogar der New York Times einen Bericht wert. Seit September führen am Badischen Staatstheater nur Frauen Regie. Dass ihr deutliches Zeichen im Zuge der #MeToo-Debatte für so viel Aufsehen sorgen würde, hatte die profilierte Opern- und Schauspielregisseurin nicht erwartet. Mit ihrem Team will sie in ihrer ersten Spielzeit „ein Zeichen setzen für die Gleichheit der Geschlechter“. Und die ist im hierarchisch strukturierten Theaterbetrieb noch lange nicht durchgesetzt. Nach einer Statistik des Vereins Pro Quote Bühne stammen rund siebzig Prozent der Inszenierungen von Männern. Mit stilprägenden Regisseurinnen und vielversprechenden Talenten der deutschen und europäischen Theaterszene präsentieren Bergmann und ihr Leitungsteam zudem einen Spielplan, der auch durch Autorinnen und starke Frauenrollen aufhorchen lässt.
„Wir versammeln starke, ästhetisch sehr unterschiedliche Regiehandschriften am Haus“, sagt Anna Bergmann, deren Theaterfassung des Filmstoffs „Persona“ von Ingmar Bergman als eine der zehn besten Inszenierungen im deutschsprachigen Theater im Mai zum Theatertreffen in Berlin eingeladen ist. Diese herausragende Arbeit hat sie am Deutschen Theater Berlin als Kooperation mit dem Stadsteater Malmö inszeniert. Mit der Ibsen-Überschreibung „Nora, Hedda und ihre Schwestern“ der Dramatikerin Ulrike Syha hat sie zum Auftakt ihrer Schauspieldirektion in Karlsruhe die selbstbewussten…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2019
Magazin
Die Freiheit der Kunst war das bestimmende Thema auf dem flausen+bundeskongress#2 im Freien Werkstatt Theater in Köln
von Sascha Westphal
Von einem glücklichen Zufall zu sprechen verbietet sich natürlich von selbst. Trotzdem hat der „Offene Brief zur Situation in Dresden“, den das Landesbüro Darstellende Künste Sachsen e. V. am 6. Februar 2019 veröffentlicht hat, dem zu ebendiesem Zeitpunkt im Freien Werkstatt Theater stattfindenden flausen+bundeskongress#2 eine zusätzliche Dringlichkeit verliehen. Während in Köln Theatermacher aus Deutschland und dem Ausland unter dem doppeldeutigen Motto „The Politics of Art“ über die Gefährdungen wie über die Möglichkeiten der freien Szene in einer Welt gesprochen haben, in der populistische Strömungen immer stärkeren Einfluss gewinnen, hat sich im Rat der Stadt Dresden eine neue bürgerlich-konservative Allianz formiert, die mit der Unterstützung der AfD-Stadträte eine längst beschlossene Erhöhung der Fördermittel für Projekte aus den Bereichen kommunale Kultur, Soziales und Gleichstellung zurücknehmen wollte und dies dann am 8. Februar zumindest in Teilen auch getan hat.
Die auf dem flausen-Kongress geführten Diskussionen bekamen durch die Entwicklungen in Dresden eine klare Stoßrichtung. „Die Brüsseler Erklärung wurde am 1. Juli 2018 erdacht, und ich hätte nicht gedacht, dass es jetzt schon so schnell in Deutschland Tendenzen geben würde, die diesen Appell für die Freiheit der Kunst nötig machen.“ Diese Beobachtung, die der Bundestagsabgeordnete (Bündnis 90/Die Grünen) und Mitinitiator der „Brüsseler Erklärung“ Erhard Grundl im Rahmen einer Paneldiskussion mit dem…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2019
Gespräch
von Sonja Laaser und Sascha Westphal
Frau Laaser, sind angesichts der Kolonialgeschichte alle weißen Europäerinnen und Europäer Rassisten?Nein. Ich sage nicht, dass wir Rassisten sind, sondern frage, ob unsere Gesellschaft ein strukturelles rassistisches Thema hat. Man muss unterscheiden: Ist eine Aussage rassistisch oder ist der, der sie macht, rassistisch? Nicht jeder, der sich einmal rassistisch äußert, ist auch ein Rassist. Aber die Aussage ist gegebenenfalls ein Ausdruck dieser rassistischen Strukturen.
Inwieweit kann man diesem strukturellen Rassismus mit einer Vertragsklausel begegnen?Dass man das kann, ist auf jeden Fall Julia Wisserts und meine Überzeugung bei der Klausel. Aufklärung hilft! Mir haben Workshops, Bücher etc. geholfen, einen anderen Blick auf die eigenen Denkmuster zu bekommen. Wenn ich aus einer Gesellschaft komme, in der strukturell rassistische Denkmuster existieren, muss ich erst einmal eine Außenperspektive einnehmen, um das zu erkennen. In dieser Hinsicht funktionieren Workshops sehr gut.
Die Klausel setzt zwar an einem anderen Punkt an. Aber kann sie auch etwas an der Situation ändern, dass Hauptrollen auf deutschsprachigen Bühnen meist von weißen Schauspielerinnen und Schauspielern verkörpert werden?Die Art und Weise, in der Rollen besetzt werden, hat auf jeden Fall eine starke Außenwirkung. Die Klausel dockt natürlich erst einmal an einen Bereich an, der eher betriebsintern ist. Aber ich bin davon überzeugt, dass jemand in dem Moment, in dem er für die bestehenden Strukturen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2019
Künstlerinsert
Katrin Brack über Pollesch, Hitchcock und das Eigenleben ihrer Bühnen. Ein Gespräch anlässlich der Verleihung des Hein-Heckroth-Preises mit Dorte Lena Eilers
von Katrin Brack und Dorte Lena Eilers
Katrin Brack, in René Polleschs „Carol Reed“, einer Ihrer jüngsten Arbeiten am Burgtheater Wien, werden Sie bezichtigt, das Bühnenbild geklaut zu haben. Die Schauspieler betreten die Bühne und sind total perplex. „Mon Dieu, wo ist denn das Bühnenbild!?!“, fragt Martin Wuttke. Birgit Minichmayr hat sofort Sie in Verdacht: Madame Brack hat es mitgehen lassen.Genau, sogar mein Name fällt (lacht). Da war ich ganz schön baff. Natürlich kenne ich das aus anderen Pollesch-Stücken. Da wird alles zum Material, alles wird verhandelt, auch das Bühnenbild: Ist es das richtige oder das falsche? Aber so ausführlich habe ich es noch nicht erlebt. Ich habe ihn anfangs sogar gebeten, diese Passagen etwas zu reduzieren. Seine Stücktexte entstehen ja während der Proben. Stattdessen hat er zusätzlich meinen Namen eingefügt. Ungewohnt! Aber spannend. Eine ganz neue Erfahrung.
Sie haben mit Regisseuren wie Dimiter Gotscheff und Luk Percevalgearbeitet. „Carol Reed“ ist Ihre erste Zusammenarbeit mit Pollesch. Wie verlief diese Kollaboration?René hat zu mir gesagt: Mach ein Bühnenbild. Weiter nichts. Für ihn ist ja jeder autonom, die Kostümbildnerin, die Schauspieler, die Beleuchter … Auch das war für mich neu, gleichzeitig aber wahnsinnig toll, weil es einem eine unglaubliche Freiheit gibt. Ich habe ihm vorgeschlagen, mit den Scheinwerferbrücken, die normalerweise nie zu sehen sind, zu arbeiten. An diesem Punkt haben wir uns, glaube ich, getroffen: Meine Materialien kommen oft aus dem…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2019
Thema
Wie die AfD mit ihrer Kulturpolitik die Theater attackiert – und glänzendem Protest begegnet
von Anja Nioduschewski
Das Theater war immer der Ort, an dem eine Gesellschaft auch ihre Konflikte verhandelte, indem auf der Bühne die widerstreitenden individuellen, religiösen oder politischen Interessen, die das Miteinander bestimmten, gestalteten und gefährdeten, von den Figuren stellvertretend ausagiert wurden. Dass dies heute nicht mehr ausschließlich im Sinne einer Übersetzung ins Fiktionale, Mythologische oder Symbolische geschieht, sondern sich die Konflikte der Gegenwart unmittelbar auf der Bühne abbilden, ist nicht nur neuen interventionistischen, Dokumentartheater- und Bürgerbühnen-Formaten oder dem Artivism eines Milo Rau oder des Zentrums für Politische Schönheit geschuldet, die die Realität zu ihrem Stoff machen. Und es sei auch dahingestellt, ob schlechte politische Zeiten gute Zeiten für das Theater als Kunstform sind. Doch angesichts der gesellschaftlichen Umbrüche und politischen Verwerfungen in Deutschland, in Europa und weltweit kann sich ein Theater, das sich immer noch als Agora der Gesellschaft, vielleicht auch als moralische oder paradigmatische Anstalt begreift, tatsächlich nicht nicht dazu verhalten.
Zurzeit aber ist das Theater selbst zum Gegenstand eines politischen Konflikts geworden: genannt „Kulturkampf von rechts“. Und die Frage ist, ob dieser Kampf auf einer realen oder symbolischen Ebene stattfindet. Ob es bei diesem Kampf ausschließlich um die Freiheit der Kunst geht oder eben um viel mehr. „Rechts“ meint hier im Kern die AfD, die mit einer nationalistischen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2019
thema: italien
Wie begegnet Italiens Kulturszene dem budgetären Raubbau, fragt der Intendant der Theaterbiennale in Venedig Antonio Latella
von Antonio Latella
Im Jahr 2018 versprach Italiens neuer Kulturminister Alberto Bonisoli von der Fünf-Sterne-Bewegung mehr Geld: für Musik, die Theater und andere Kulturbereiche. Doch das Gegenteil ist der Fall. Das Haushaltsgesetz für 2019 sieht weitere Kürzungen des Kulturetats vor, der sich von der radikalen Halbierung durch die Regierung Berlusconi 2008 nie erholt hat. Die Arbeit vieler Theater, Museen, Orchester und Kultureinrichtungen ist bedroht. Italiens Kulturszene hat noch keine Antwort darauf gefunden, auch keine politische.
Ich mache Theater, seit ich 17 bin. Heute bin ich 52, habe viele Regierungen kommen und gehen sehen, viele Versprechen gehört, sogar engagierte Kulturminister erlebt – und doch haben sich die Zustände nicht verbessert. Im Gegenteil, in mancher Hinsicht sind sie schlechter geworden. Heute frage ich mich: Warum? Wer trägt dafür die Verantwortung?
Meine einzige Antwort ist, dass die italienischen Theatermacher nie wirklich für ihre „künstlerische“ Freiheit gekämpft haben, nicht für ihre Arbeitnehmerrechte, nicht für die Anerkennung ihrer Kunst als Arbeit, die oft als voluntaristischer Zeitvertreib verstanden wird. Junge Theaterschauspieler in Italien müssen heute viele Jobs jenseits der Bühne suchen, um über die Runden zu kommen. Gegen Ende der achtziger Jahre bekam ich als Schauspieler den gewerkschaftlichen Mindestlohn in Höhe von 54 000 Lire, während einige Schauspieler in meinem Ensemble eine Million am Tag bekamen. Beachtliche Summen, die zeigten,…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 3/2019
Gespräch
von Jakob Hayner, Dorothea Lautenschläger und Sabine Westermaier
Frau Lautenschläger, Frau Westermaier, wie kam es zur Gründung von rua. Kooperative für Text und Regie? Und für was steht der Name?Dorothea Lautenschläger: Es begann alles mit einem Kaffee in Berlin im Februar vergangenen Jahres. Sabine und ich kannten uns von der Arbeit bei henschel SCHAUSPIEL. Während dieser Zeit haben wir uns oft über unseren Wunsch nach einer anderen Arbeitsweise ausgetauscht. Dann erzählte sie mir von einem losen Treffen mit Theaterschaffenden …Sabine Westermaier: … diese erste Zusammenkunft mit zwei Autorinnen und zwei Regisseurinnen war ein lockerer Austausch über die Arbeit am Stadttheater und in der freien Szene. Eine Qualität dieses Gesprächs war: Es wurde nicht lamentiert, sondern diskutiert, wie wir gemeinsam die Strukturen verändern können. Ich war durch dieses Treffen sehr inspiriert, und mir fiel Dorothea ein. Sie sagte sofort zu. Drei Monate später, Ende Mai, konstituierte sich die Kooperative mit einem Dutzend Theaterschaffenden.Lautenschläger: Die Namensfindung war ein bisschen kompliziert. Unser erster Vorschlag, der unsere zentrale Idee der vernetzten und zugleich offenen Zusammenarbeit ausdrücken sollte, ist prompt durchgefallen. Dann haben wir rua erfunden, weil wir uns im Feb-rua-r erstmals getroffen haben. Das Wort hat etwas Literarisches und ist zugleich auch eine Abkürzung für „Regisseur*innen und Autor*innen“.
Können Sie kurz skizzieren, welches Unbehagen Sie in den Strukturen hatten? Westermaier: In der klassischen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 3/2019
Magazin
Das inklusive Theaterprojekt Possible World in Berlin arbeitet seit zehn Jahren mit gehörlosen und hörenden Darstellern und entwickelt daraus eine eigenwillig unmittelbare Bühnensprache
von Dorte Lena Eilers
Der eine sagt, ich liebe dich. Die andere peitscht ihm ihren Blumenstrauß ins Gesicht. Die Liebe lässt sich nicht fangen und schon gar nicht erklären. Versuche, sie in Sprache zu kleiden, bleiben Fragment oder eben: Versuche. „Was ich über die Liebe denke?“, schreibt Roland Barthes in „Fragmente einer Sprache der Liebe“: „Kurzgesagt nichts. Ich möchte zwar wissen, was das ist, aber wenn ich darin befangen bin, nehme ich sie nur in ihrer Existenz, nicht in ihrer Essenz wahr … Deshalb mag ich jahrelang gut reden über die Liebe haben – ich darf doch nicht hoffen, ihren Begriff anders zu erfassen als ,beim Schwanz‘: anhand kurzer Blitzlichtaufnahmen, Formeln, Ausdrucksüberraschungen.“
Den Protagonisten in Michaela Caspars „Sommernachtstraum“ ist die herkömmliche Lautsprache eh nicht gegeben, sie können die Liebe nicht totquatschen wie Schauspieler in Film und Fernsehen. Sie bleibt bei ihnen, was sie ist: reine Existenz. Das Ensemble von Possible World besteht an diesem Abend aus sechs gehörlosen und zwei hörenden Darstellern sowie zwei Children of Deaf Adults (Codas). Zusammen mit Regisseurin Michaela Caspar haben sie am Ballhaus Ost in Berlin-Prenzlauer Berg einen „Sommernachtstraum“ entwickelt, der sich eigenwillig einer einfachen Lesart entzieht.
Es wird kaum laut gesprochen an diesem Abend. Stattdessen arbeitet sich die Inszenierung mittels Gebärdensprache, zeitgenössischem Tanz, Bharatanatyam, einem indischen Tanzstil, sowie dem Visual Vernacular, einer pantomimeartigen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 3/2019
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