Diversität oder Etikettenschwindel?

von Erwin Aljukić

… oder der Bruder, der vielleicht eine Körperbehinderung hat: Macht ihn das nicht weniger zum Bruder, sondern eher zu einem realistischen Abbild einer Gesellschaft, in dem sich die Zuschauer wiedererkennen können?“, so die Vorsitzende des BFFS, dem größten Schauspielerverband Deutschlands, bei ihrer Laudatio im Rahmen des Panels „A Path Forward – wie Genderbalance und ­Diversität Hand in Hand gelingen“. Eigentlich würde ich mich als einer der bekanntesten Schauspieler mit Behinderung in Deutschland über diese Worte freuen, hätte es jedoch nicht folgenden Vorfall gegeben: Wochen zuvor wurde ich vom BFFS angefragt, zu diesem Panel ein Statement zu geben, was ich auch gerne tat. Bei der Frage, ob denn bei der Veranstaltung auch Schauspieler*innen mit Behinderung repräsentiert werden, da ich dies als äußerst wichtig finde, bejahte man dies – sollte jedoch die bereits eingeladene gehörlose Regisseurin absagen, würde man mich einladen. Einen Tag vor der Veranstaltung sah ich vollkommen zufällig, dass die Position ersetzt wurde durch einen Schauspieler, welcher die LGBT-Community repräsentierte. Diese Sichtbarkeit war jedoch bereits durch einen anderen Vertreter gegeben – wie auch in mehrfacher Form die der PoC. Unfassbar jedoch für mich waren vor allem die Ausreden, mich hier nicht einbezogen zu haben. Auf meine Forderung, dann auch nicht als Feigenblatt für den bunt- diversen Blumenstrauß herhalten zu wollen, hieß es, aus technischen Gründen könne man das Statement nicht…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2021

theater und moral #7

Die planetarische Moral

von Frank M. Raddatz

Auch wenn momentan niemand weiß, wohin die sich aus der ökologischen Misere entwickelnden Turbulenzen führen, implizieren sie unabweisbar Fragen nach den Maximen der Lebens­führung. Gesamtgesellschaftlich nehmen die Spannungen zwischen jenen, die sich mit künftigen Generationen bzw. gegenüber ihren Kindern und Kindeskindern solidarisch zeigen und ihren um das Prinzip Ego zentrierten Kontrahenten, die demonstrativ auf das Klima und die Verknappung der Ressourcen pfeifen, stetig zu. Zweifellos ist die Kollision des neoliberalen Menschenbilds mit dem Prinzip Verantwortung, verkörpert von jenen Teilen des sozialen Gefüges, die eine Einstellung des „Kriegs gegen die ­Zukunft“ (Philipp Blom) fordern, bühnentauglich. Nur werden Kämpfe, insbesondere wenn ihnen eine immense geschichtliche Schubkraft innewohnt, nicht auf dem Feld der Moral entschieden. Sie enden in der Regel auch nicht mit dem Sieg der Einsichtigen, wie bereits Henrik Ibsen mit „Der Volksfeind“ (1882) exemplarisch demonstrierte. Seither hat sich wenig geändert. Noch immer kommen die Profite und die ökonomische Macht denjenigen zugute, die im ­Namen der Produktivität die (planetarischen) Rahmenbedingungen ausblenden. Noch immer rechnet sich ein derartiges Vorgehen, auch wenn es langfristig derart kostenintensive Nebeneffekte zeitigt, dass die Verluste die Gewinne schließlich um ein Vielfaches übertreffen. Bislang hat sich das Kapitalozän als äußerst kreativ ­erwiesen, wenn es galt, seine finstersten Schattenseiten…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2021

Neustarts

Schule der Empathie

Der Start von Hans-Georg Wegners Intendanz am Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin

von Manfred Zelt

  So viel Anfang war nie. Hans-Georg Wegner startete seine Intendanz in Schwerin mit vier Schauspiel-Premieren, dem Opernstart mit György Ligetis „Le Grand Macabre“ und beim Tanz mit vielversprechendem Neuanfang, bei dem die neue Chefin ­Xenia Wiest ihr neues Ensemble „Ballett X Schwerin“ vorstellte mit apokalyptischer „Nacht ohne Morgen“. Unwillkürlich denkt man an Hermann Hesses berühmte Zeilen „Und jedem Anfang wohnt ein Zauber inne, / Der uns beschützt und der uns hilft, zu leben.“ Zauber ist zum Abwarten, aber dass Theater, das Schutz braucht, helfen will zu leben, hat der Generalintendant proklamiert: „Wir beginnen mit unserem Programm einen Prozess der Sensibilisierung für die Fragen, die sich eine zukunftsfähige Gesellschaft stellen sollte – und wir wollen Mut machen, an die Veränderbarkeit der Welt zu glauben. Dafür braucht es den ‚Freiraum Theater‘ als eine Schule der Empathie – den Ort, wo wir Menschen gemeinsam denken und fühlen können.“ Es gehe nicht ums Aufsehen fürs Feuilleton, sondern um Theater als Ort der Kommunikation. Dafür gibt es auch das Programm „Späti Deluxe“, das Zuschauer zur Diskussion einlädt. Und geplant ist für die nächste Spielzeit in einer ehemaligen ­Druckereihalle eine Bühne, die in einem Problemviertel unterschiedliche städtische Milieus verbinden möchte. Zuerst aber dreht sich das Theater um sich selbst. Auftakt mit „Kinder des Olymp“, eine Bühnenfassung von Alice Buddeberg und Nina Steinhilber nach dem gleichnamigen Film von Marcel…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2021

Kolumne

In welcher Sprache träumst du, Alida?

Wau Wau Wau, die sprühendste Frau der Balkanliteratur

von Ralph Hammerthaler

In Prishtina, auf dem Polip-Festival, hab ich Alida Bremer kennengelernt, das ist jetzt bald zehn Jahre her. Gerade haben wir uns wiedergetroffen, wieder in Prishtina, wieder auf Polip, aber dieses Jahr ist vieles anders, weil dem Virus eingefallen ist, das kleine Land Kosovo bevorzugt heimzusuchen, ohne doppelt Geimpfte zu verschonen. Im Oda Theater versammelt sich die Literarische ­Internationale wie eine verschworene Gemeinschaft, alle maskiert und mit leuchtenden Augen; nur beim Vorlesen oder Diskutieren wird die Maske vom Gesicht gezogen, und wem danach ist, der schielt ab und zu in die Kamera, weil da draußen ja das Publikum sitzt, vereinzelt vor seinen Monitoren. Polip wird um seine langen Nächte gebracht. Nach der letzten Lesung müssen wir rennen, um in den Bars noch etwas zu bekommen. Um halb zehn nämlich machen sie zu, Polizisten drehen ihre Runden, klopfen an die Scheiben und rufen nichts Nettes durch die Tür. Ab zehn herrscht Ausgangssperre. Jetzt sollte ich mein Hotelzimmer beschreiben. Alida ist eine sprühende Frau. Ein treffenderes Wort als sprühend fällt mir nicht ein, höchstens der Superlativ dazu, sie ist die sprühendste Frau der Balkanliteratur. Von der jüngeren kroatischen Szene hab ich nicht das Schlechteste durch ihre Übersetzungen mitgekriegt, Ivana Sajko, Edo Popović, Renato Baretić. Aber übersetzen allein genügt ihr nicht. Sie tritt als Moderatorin auf, als Vermittlerin und Mentorin. In Berlin hat sie einmal Robert Perišić vorgestellt, einen Autor,…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2021

Magazin

Die soziale Opernplastik

Die Berliner Musiktheater-Erneuerer Dennis Depta und Marielle Sterra erschließen mit dem dritten Opus ihrer „Berlin is not …“-Reihe ungewöhnliche Kunstformen und Publika

von Tom Mustroph

Das Gras ist grün, und über der saftigen Rasenfläche breiten sich kleine Wolken aus Marihuana-Düften aus. Menschengruppen lagern auf der Wiese, Bierflaschen kreisen, Wein schwappt in Bechern. Eine Anmutung von Woodstock stellt sich ein. Nur ist es hier, bei Berlin is not am Ring, auf dem ­Gelände des Garagenkomplexes der Fahr­bereitschaft in Berlin-Lichtenberg viel ­urbaner. Das ruft das Quietschen der regelmäßig am Zaun vorbeifahrenden Straßenbahn ins Bewusstsein. In dieses Geräusch weben sich die Bläserklänge des Omniversal Earkestra. Die Berliner Big Band wartet mit einer Fusion aus Jazz und Tuareg-Klängen auf. Manches Ohr erkennt auch Wagner’sche Anleihen. Ge­geben wird schließlich „Der Ring des Nibelungen“, Richard Wagners Großprojekt, für dessen Realisierung er gleich ein ganzes Festspielhaus in Bayreuth errichten ließ. Die Regisseurin Marielle Sterra und der Dramaturg Dennis Depta, die zuvor schon in den Festivals Berlin is not Bayreuth und Berlin is not Bregenz Wagner’sche Partituren an ungewöhnlichen Orten gegen den Strich bürsteten, arbeiten sich auch in der Ortswahl am großen Antipoden und dessen Unterstützern ab. Sie bauen kein neues Festspielhaus – das Wagner ursprünglich auch selbst nicht wollte –, sondern begnügen sich mit bereits bestehender Infrastruktur. Nur schrill glitzernde Tücher, mit denen der Zaun verhängt ist, weisen auf ihr Event hin. Kräftig am Wagner’schen Ambrosia-Topf, der (musik-)revolutionäres Selbstbewusstsein verschafft, haben sie…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2021

Künstlerinsert

Der mit Pixeln malt

Experimentalfilm, Video, bildende Kunst: Luis August Krawen beherrscht alles – und macht damit rasant Karriere

von Daniele Muscionico

„Alright“, sagt er gern. „Alright“ trifft den Nagel auf den Kopf. Sein Leben ist derzeit schwer in Ordnung. Alle Welt – oder wenigstens diejenige, die zählt, die erste Liga der Theater – interessiert sich für Luis August Krawen. Seit seinem Studium, und das ist erst schlappe drei Jahre her, gleicht er einem Bildergenerator auf Hochbetriebstemperatur. Ein Rädchen greift ins andere, und der Mann, der dabei steil nach oben saust, ist noch keine 27 Jahre alt. Krawen, schon als Kind begeistert vom Film und ein Kino-Freak, Abgänger des Gießener Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft, ist am Theater nicht zufällig heiß begehrt. Als freier Videokünstler deckt er eine Nachfrage nach (digitalen) Bildwelten ab, deren Kreation erst wenige beherrschen und für die noch ­keine formalisierte Ausbildung angeboten wird. Die Bilder des Künstlers haben nicht nur in den Institutionen, sondern auch im Publikum eine große Fangemeinde. Denn sie gehen Menschen unterschiedlichster Sehgewohnheiten unter die Haut: Krawens poetische, visionär-utopische Projektionen und digitale Bildwelten ziehen Inszenierungen eine zweite, dritte oder vierte Ebene ein. Situiert ist seine Arbeit, so verschieden sie auch anmutet, an einem verbindenden Punkt: der Schnittstelle von ­Experimentalfilm, Video und bildender Kunst. Tech-Kunst ist das, synthetisch hergestellt. Sie operiert aber nicht selten mit analogen Kräften. In „Afterhour“, inszeniert von Alexander Giesche am Schauspielhaus Zürich, nimmt er sich die…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 10/2021

Magazin

Wahrhaftiges Spiel

Stefan Tigges: Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater. transcript Verlag, Bielefeld 2021, 616 S., 49,99 EUR.

von Theresa Schütz

Die Suche nach einer Wahrhaftigkeit des Spiels, nach einer Glaubwürdigkeit, die Figur und Spielerin beziehungsweise Spieler gleichermaßen betrifft, nach einem organischen Entfalten szenischer Prozesse im miteinander geteilten Bühnenraum – dies sind ästhetische Merkmale der Theaterarbeit von Jürgen Gosch und Johannes Schütz in ihrer gemeinsamen Werkphase der nuller Jahre. Bei der Anton-Tschechow-Inszenierung „Die Möwe“ am Deutschen Theater Berlin, der vorletzten Arbeit Jürgen Goschs vor seinem Tod 2009, welche der Theaterwissenschaftler Stefan Tigges als „Konzentrat und Quintessenz“ der gemeinsam entwickelten Theaterästhetik beschreibt, war ich als Regiehospitantin dabei. Zumindest ein paar Tage. Denn dann schlug Herr Gosch vor, dass ich mich in der Funktion des in der Textfassung notierten Zimmermädchens „doch mal mit zu den anderen auf die Bühne setzen“ solle. Dort blieb ich dann, mehr als siebzig Vorstellungen. Zwölf Jahre später bin auch ich ­Theaterwissenschaftlerin und hatte dank der Habilitationsschrift von Stefan Tigges „Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater“ die Möglichkeit, nun noch einmal mit anderen Augen auf das Werk der beiden Theaterkünstler zurückzublicken. Tigges fokussiert in seinem gut 600-­seitigen Opus das gemeinsame Schaffen von 2003 bis 2009 entlang der drei „Kosmen“ William Shakespeare, Roland Schimmel­pfennig und Anton Tschechow. Einen ersten Schwerpunkt bildet die Düsseldorfer „Mac-beth“-Inszenierung (2005), die für Tigges den Auftakt einer Suche…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Magazin

Ode ans Objekt

Das CircusDanceFestival Köln versteht sich als Motor für die Entwicklung des zeitgenössischen Zirkus

von Tom Mustroph

Das Aufatmen war deutlich zu spüren. Die erste Corona-Welle hatte das für 2020 geplante CircusDanceFestival in Köln unmöglich gemacht. Ein Jahr später fand es nun statt: in einem echten Zelt mit echtem Publikum, wenngleich pandemiekonform in geringerer Zahl. Bei den vorgestellten Produktionen – nicht alle waren tatsächlich live zu erleben, manche wurden in digitaler Fassung oder in der Ersatzform eines Gesprächs präsentiert – fiel die Bedeutung von Objekten auf. Hier ist der Zirkus, der traditionelle wie der klas­si­sche, dem Tanz und auch dem Theater weit voraus: Welcher Tänzer, welche Schauspielerin entwickelt zu einem Bühnenobjekt jene enge Beziehung, die ein Jongleur zu seinen Bällen und eine Seiltänzerin zu ihrem Seil findet? Objekte werden nicht gleich zu Subjekten. Aber ihre Geheimnisse gilt es zu erkunden. Wie verhalten sie sich in der Luft, wie gibt das Seil nach, wo sind die Umkehrpunkte? Eine Ode ans Objekt war daher auch die Eröffnungsproduktion des Festivals, „Circu­lar Vertigo“. Das wichtigste Bühnen­element bildete ein Halbrund aus schmalen Spiegeln in unterschiedlicher Höhe. Sie wirkten wie eine ins Vertikale gekippte Klavier­tastatur. Zu Klavierklängen bewegte sich davor die Tänzerin Mijin Kim. Sie zitierte Bewegungssequenzen von Pferden – und rief so vor dem inneren Auge plötzlich die Manege des traditionellen Zirkus wach, das Rund, gefüllt mit Menschen, Tieren, Sensationen. Später kam noch ein Pauschenpferd dazu. Es schwebte unterm Chapiteau, kreiste um…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Festivals

Zwei Revolver und eine Handvoll Kritik

Das africologne Festival in Köln stößt seit zehn Jahren Diskussionen über neokoloniale Verhältnisse an, um Vorurteile auf beiden Seiten abzubauen

von Sascha Westphal

Schließlich ist es so weit. Vater und Sohn ziehen ihre Revolver und schießen aufeinander. Ein Ende, das sich von Anfang an abgezeichnet hat und doch nicht unvermeidbar war. Nicht das Schicksal hat den Bauunternehmer und selbsternannten „König des Betons“ Franck und Niko, seinen Erstgeborenen, zu Todfeinden gemacht. Sie sind den Mechanismen des Kapitalismus erlegen, die alles auf Konkurrenz und Kampf reduzieren und kein friedliches Nebeneinander gegensätzlicher Ideen und Überzeugungen dulden. So sieht es zumindest der guineische Autor Hakim Bah, der die Textvorlage für Cédric Brossards im Rahmen des diesjährigen africologne Festivals uraufgeführte Theaterperformance „Traque – Treibjagd“ geschrieben hat. Es gibt zwar ein reales Vorbild für den großen, von Franck gegründeten Baukonzern und dessen geschäftliche Verbindungen zu afrikanischen Staaten. Aber Bah setzt gezielt auf Verfremdungen. Nahezu alle Szenen seines Stücks gleichen Duellen. Verhandlungen werden mit Worten geführt und nicht selten mit Schüssen aus Revolvern beendet. Das wahre Wesen des Kapitalismus spiegelt sich in den Konventionen des Western-Genres. Das erinnert an die Verfremdungstechniken eines Bertolt Brecht, dessen Lehrstück „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ Zeitgeschichte als Mafia-Kolportage porträtiert hat. „Traque“, eine gemeinsame Produktion von Brossards ­Compagnie Acétés und africologne, stand im Zentrum des diesjährigen Festivals. Aufgrund der Pandemie konnte Brossards an verschiedenen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Kommentar

Rückwärts nimmer?

Coming soon, aber ohne Ida Müller und Vegard Vinge – Die Berliner Volksbühne gibt unmittelbar vor dem Neustart unter René Pollesch Rätsel auf

von Tom Mustroph

Es ist der Intendanzneustart der Saison: Mitte dieses Monats, am 16. September, eröffnet die Volksbühne in Berlin unter der neuen Leitung von René Pollesch. Viele Augen sind auf die Hauptstadt gerichtet, viele Theaterherzen pochen auch, denn wohl kaum ein Theater erzeugte in den letzten drei Jahrzehnten so viele Emotio­nen. Auf die Ära von Frank Castorf folgte das kurze Intermezzo von Chris Dercon. Der danach eingesetzte Interimsintendant Klaus Dörr trat im März dieses Jahres infolge von MeToo-Vorwürfen zurück. Wird nun Pollesch, der zu den prägendsten Volksbühnen-Regisseuren der Castorf-Ära gehörte, das Haus noch einmal ganz neu erfinden können, mit bewährten Arbeitsweisen, aber auch neuen Ästhetiken, wie seine Anhängerinnen und Anhänger glauben? Oder hält mit ihm – wie hingegen die Skeptikerinnen und Skeptiker meinen – einfach ein Back-to-the-Castorf-Roots, nur eben ohne den Altmeister, Einzug am Berliner Rosa-Luxemburg-Platz? Das ist die große Frage, die über diesem Neustart steht. Spannungssteigernd wirkt dabei, dass sich Pollesch und sein Team bis tief in den Sommer hinein mit konkreten Spielzeitplänen konsequent bedeckt hielten. Während die anderen Häuser auf ihren Websites bereits bis zum Jahresende prall gefüllte Premierenkalender veröffentlichten, prangte unter der Volksbühnenadresse bei Redaktionsschluss noch immer lediglich der Schriftzug: „Coming soon“. Herauszufinden war durch wiederholte Nachfrage immerhin zweierlei. Erstens: Das Haus eröffnet mit dem…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 9/2021

Protagonisten

Forschen statt Spielen

Die während der Corona-Krise entwickelten Stipendienprogramme für die freien darstellenden Künste wären auch postpandemisch ein Gewinn

von Tom Mustroph

Tatsächlich: Auch Glücksmomente brachte diese Pandemie – und zwar nicht nur für Maskenproduzenten, Plexiglasverbauer und Impfstoffentwickler, sondern auch für Akteurinnen und Akteure der gewöhnlich recht prekären freien darstellenden Künste.Ganz deutlich war dies bei Gesprächen über die #TakeCare-Residenz-Programme des Fonds Darstellende Künste zu spüren. Da blitzten vor Freude und Begeisterung glänzende Augen in den Videokonferenzkacheln auf. Gedacht waren die besagten Programme als Überbrückung eines Notstands. „Es ging um den Erhalt der Struktur und der Vielgestaltigkeit der freien darstellenden Künste“, erklärt Holger Bergmann, Geschäftsführer des Fonds. „Mehr als 1100 Residenzen und Stipendien haben wir über die zwei großen Netzwerke des Bündnisses der Internationalen Produktionshäuser und des Bundesnetzwerks flausen+ inklusive der assoziierten Häuser vergeben. Das war ein Volumen von etwa 5,5 Millionen Euro allein für die Residenzen. Hinzu kamen Hostingkosten für die beteiligten Häuser“, sagt Bergmann. Insgesamt mehr als sechs Millionen Euro seien so aus Bundesgeldern zur Verfügung gestellt worden. Die Effekte übertreffen noch die Mittel, nicht nur kurzfristig, sondern auch über die Pandemie hinaus. Denn Künstlerinnen und Künstler wie auch produzierende Häuser machten Erfahrungen, die zu neuen Arbeitsformen jenseits des gewohnten hektischen Produktionsoutputs führten. „Ich hatte das Gefühl, als gingen 100 000 Türen auf. Es entstand eine Tiefe, die, wenn ich einfach…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Look Out

Facebook oder Insta?

Die Regisseurin Cosmea Spelleken macht Netztheater zu einer intimen Erfahrung

von Sabine Leucht

Cosmea Spelleken ist in Freiburg aufgewachsen, hat sich schauspielenderweise an freien Bühnen erprobt und mit 16 den Film entdeckt, an dem sie die Intimität schätzt, die er zu seinen Figuren herstellen kann. Dafür fehlt ihr im Film das ausgiebige Sich-Hineinwühlen in Stoffe. Und dann stellte während ihres Studiums der Medienkunst in Karlsruhe jemand die Frage: „Muss das, was du erzählen willst, zwangsläufig ein Film werden, oder ist vielleicht ein Hör­stück geeigneter, ein Audiowalk – oder doch Theater?“ Hinter diesen Gedanken, dass jede Geschichte nach ganz eigenen Mitteln verlangt, kann die heute 25-Jährige seither nicht mehr zurück. Deshalb haben die abgefilmten Theateraufführungen im ersten Lockdown sie so genervt. Es gab keine Begründung für ihre Form außer dem Lockdown selbst. Da kam ihr eine „fixe Idee“. Die heißt „werther.live“ – und hat so richtig eingeschlagen. Bis zu 1300 Zuschauer pro Vorstellung haben das rein digitale Freie-Szene-Debüt gesehen, das Preise und Herzen gewann, von der New York Times bejubelt, beim Theatertreffen diskutiert und zuletzt unter dem virtuellen Dach großer Häuser und beim Heidelberger Stückemarkt gezeigt wurde. Der Theater, Film und Social Media fusionierende Abend, konsequent aus Werthers Perspektive erzählt – dem Protagonisten aus Johann Wolfgang von Goethes gleichnamigem Briefroman – geht einem ungewöhnlich nah. Und er übersetzt das Kultwerk von 1774 so jugendaffin wie stimmig ins Heute. Beides hat viel mit der Detailversessenheit…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Kolumne

Proust!

Hochsicherheitsdrama um den Kreuzberger Buchladen Kisch & Co.

von Ralph Hammerthaler

„Sitzungspolizeiliche Anordnung“ ist ein schönes Wort, selbst wenn ich mich unausgeschlafen frage, ob es nicht eher polizeiliche Sitzungsanordnung heißen müsste. Sie werden es sich schon gut überlegt haben. Dieses Anordnungsdeutsch jedoch entwickelt einen gewissen Sog, und je weiter ich lese, desto weniger kann ich mich entziehen. Mit Blick auf die Kontrolle in der Eingangsschleuse steht unter V.3.d: „Die Untersuchung ist auf das Schuhwerk zu erstrecken“; unter V.3.e: „Das Kopieren der Ausweise für die schnelle Identifizierung von Störerinnen und Störern wird angeordnet. Die Kopien sind unverzüglich nach Schluss der Sitzung zu vernichten.“ Das glaube ich gern. Zweimal ist der Termin für die Verhandlung verschoben worden, der Richter wurde um zwei weitere aufgestockt, und dann ist der zivilrechtliche Prozess auch noch örtlich verlagert worden, ins Kriminalgericht Moabit. Immer noch unausgeschlafen frage ich mich, gegen welche Terrormiliz es hier geht. Es geht aber, ich schwöre es, um einen Buchladen, es geht um die Räumungsklage gegen Kisch & Co. Wie in meiner ersten Kolumne in dieser Spielzeit beziehe ich mich auch in meiner letzten auf den vom Kreuzberger Kiez so geliebten Laden. Zu viel Drama, Baby. Seit Juni 2020 soll er eigentlich schon weg sein, weil der neue Eigentümer, ein gesichtsloser Immobilienfonds, ihn nicht haben will. Dass der vorerst letzte Akt, der im Drama nicht selten der blutigste ist, im Kriminalgericht spielt, wirkt wie eine fiese Pointe. Da hilft es…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021

Gespräch

Was macht das Theater, Mable Preach?

von Natalie Fingerhut und Mable Preach

Mable Preach, Sie arbeiten gerade mit Branko Šimić und Sophia Hussain als ­Regietrio an „Escape the Room 2.0 – ­Unlearn Racism“, einer Produktion für das Krass Kultur Crash Festival auf Kampnagel Hamburg. Wie der Name erahnen lässt, ist es bereits Ihr zweites Escape-Room-­Projekt, das erste fand unter dem Titel ­„Escape the Room: Fight the Power“ 2020 statt. Wie kam die Kombination eines ­Escape Rooms mit dem Thema Rassismus zustande? Eva Maria Stüting von den Kulturagenten für kreative Schulen und der Dramaturg Nikola Duric kamen 2020 mit dem Escape-Room-Konzept zum Thema Rassismus auf mich zu. Ich fand die Idee anfangs spannend, bekam dann aber Zweifel: Stopp, wait a moment! Escape Racism? Ich als schwarze Frau werde Rassismus nie entkommen können – ebenso wenig wie die meisten Jugendlichen, mit denen ich arbeite. Als ich den Jugendlichen das Konzept aber vorstellte, wollten sie es trotzdem machen, obwohl schon die Behauptung – Escape Racism – nicht ungefährlich ist. Wir entschieden uns, Erfahrungsräume zu bauen, in denen Menschen, die Rassismus normalerweise nicht ausgesetzt sind, vielleicht fünf Prozent von dem empfinden können, was wir täglich erleben. Das Problem: Das Publikum, das in der Regel zu meinen Stücken kommt, bildet Hamburg ab, wie es ist: nämlich sehr divers – viele junge schwarze Menschen sind dabei. Was wird bei denen getriggert? Also fiel die Entscheidung, dass die Räume zwei Dinge können müssen: das Publikum, das so ist wie wir, empowern und für die…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021