Gebärden einer Sprache der Liebe

Das inklusive Theaterprojekt Possible World in Berlin arbeitet seit zehn Jahren mit gehörlosen und hörenden Darstellern und entwickelt daraus eine eigenwillig unmittelbare Bühnensprache

von Dorte Lena Eilers

Der eine sagt, ich liebe dich. Die andere peitscht ihm ihren Blumenstrauß ins Gesicht. Die Liebe lässt sich nicht fangen und schon gar nicht erklären. Versuche, sie in Sprache zu kleiden, bleiben Fragment oder eben: Versuche. „Was ich über die Liebe denke?“, schreibt Roland Barthes in „Fragmente einer Sprache der Liebe“: „Kurzgesagt nichts. Ich möchte zwar wissen, was das ist, aber wenn ich darin befangen bin, nehme ich sie nur in ihrer Existenz, nicht in ihrer Essenz wahr … Deshalb mag ich jahrelang gut reden über die Liebe haben – ich darf doch nicht hoffen, ihren Begriff anders zu erfassen als ,beim Schwanz‘: anhand kurzer Blitzlichtaufnahmen, Formeln, Ausdrucksüberraschungen.“ Den Protagonisten in Michaela Caspars „Sommernachtstraum“ ist die herkömmliche Lautsprache eh nicht gegeben, sie können die Liebe nicht totquatschen wie Schauspieler in Film und Fernsehen. Sie bleibt bei ihnen, was sie ist: reine Existenz. Das Ensemble von Possible World besteht an diesem Abend aus sechs gehörlosen und zwei hörenden Darstellern sowie zwei Children of Deaf Adults (Codas). Zusammen mit Regisseurin Michaela Caspar haben sie am Ballhaus Ost in Berlin-Prenzlauer Berg einen „Sommernachtstraum“ entwickelt, der sich eigenwillig einer einfachen Lesart entzieht. Es wird kaum laut gesprochen an diesem Abend. Stattdessen arbeitet sich die Inszenierung mittels Gebärdensprache, zeitgenössischem Tanz, Bharatanatyam, einem indischen Tanzstil, sowie dem Visual Vernacular, einer pantomimeartigen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 3/2019

Protagonisten

Keine Anbiederung, nirgends

Unter neuer Intendanz zeigt sich am Landestheater Detmold auch der neue Schauspielchef Jan Steinbach ambitioniert

von Jens Fischer

Nicht nur die Chefetage ist neu besetzt. 40 der 273 Beschäftigten nehmen frisch engagiert ihre Arbeit auf. Aufbruchseuphorie im ehemaligen Hoftheater des Fürstentums Lippe mitten in Detmold. Im heutigen Landestheater. Alles steht auf Anfang. Nichts wie hin. 19 Uhr. In der idyllisch ums Residenzschloss kuschelnden, zur Geisterstadt geleerten City herrscht zu dieser Zeit schon aufgeräumte Ruhe. Nur an Theatertagen huschen zu solch später Stunde noch mal kurz bis zu 650 Menschen aus dunklen Parkplatzwinkeln der sparsamen Jugendstilschönheit des Bühnen­hauses entgegen. Nicht unwahrscheinlich, dass dort auch der leibhaftige Schlossbewohner Stephan Prinz zur Lippe, als Mitglied des Vorstands der Theaterfreunde, Platz genommen hat nebst Gemahlin Maria, Gräfin zu Solms-Laubach. Was Bürger und Adel eint, „ist hier eine besonders große Liebe zum Theater als Fixpunkt des Kulturlebens, das merke ich bei jedem Gespräch in der Stadt“, hat die neue Chefdramaturgin Lea Redlich festgestellt, nachdem sie von der sturmumtosten Nordseeküste ins windstille Tal am Fuße des Teutoburger Waldes gewechselt war. Schauspielchef Jan Steinbach holte sie an seine Seite. Beide haben an der Landesbühne Niedersachsen Nord in Wilhelmshaven zusammengearbeitet, bringen also die für Detmold notwendige Erfahrung für Produktionen mit, die sowohl im Stammhaus wie auch in ­Aulen, Gemeindehäusern, Stadthallen der Region funktionieren müssen. Steinbach ver­antwortet in seiner ersten Saison für das Schauspiel 292…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 3/2019

Kolumne

Wer es wagt, seine Stimme zu erheben

Das große Schweigen über die Wahrheit der Mächtigen

von Josef Bierbichler

In der ersten Ausgabe 2019 der Wochenzeitung der Freitag schreibt die Regisseurin Angela Richter über ihren bisher letzten Besuch beim Wikileaks-Gründer Julian Assange in der ecuadorianischen Botschaft in London. Assange lebt da seit bald sieben Jahren sozusagen im Exil. Er fürchtet eine Festnahme durch die britischen Behörden mit anschließender Auslieferung an die USA wegen Geheimnisverrats. Eine Auslieferung an Schweden wegen „minderschwerer Vergewaltigung“ kommt nicht mehr infrage, da Schweden das Verfahren gegen ihn 2017 eingestellt hat. Einzig verbliebener Interessent an ihm sind die USA. Seit März 2018 lebt Assange in der Botschaft praktisch in Isolationshaft. Eine neue Regierung in Ecuador hat strategisch umgedacht. Telefon und Internet sind für ihn nun nicht mehr zugänglich. Besuche sind nur mehr eingeschränkt möglich oder werden untersagt. Die Heizung wurde abgestellt und das Bett aus dem Raum entfernt. Assange schläft jetzt in einer dicken Daunenjacke auf einer Yogamatte. Das alles erinnert irgendwie an Flüchtlinge in Bayern, denen das Leben auf Anweisung der bayrischen Regierung mit volksnah eingängiger Fantasie so unerträglich gemacht werden soll, dass ihnen eine Rückkehr in die Kriegsgebiete, aus denen sie geflohen sind, erträglicher erscheinen möge als Asyl in der Obhut bayrischer Behörden. In dem einen wie dem anderen Fall gibt es kein Aufbegehren amtierender europäischer Politiker mehr gegen diese mittlerweile quotenträchtige Auslegung der Menschenrechte im…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 2/2019

Magazin

Depot für widerständige Kunst

Der Ringlokschuppen Ruhr in Mülheim – ein Zentrum für zeitgenössisches Theater, Performance und Tanz – feiert sein 25-jähriges Bestehen

von Lisa Kerlin

In Mülheim an der Ruhr, gelegen im Zentrum des Ruhrgebiets, eingekesselt von Duisburg im Westen, Oberhausen im Norden und Essen im Osten, liegt eines der wichtigsten Produktionszentren für das freie Theater in Nordrhein- Westfalen: der legendäre Ringlokschuppen Ruhr – Partymeile, Veranstaltungshaus, Talentschmiede, Zentrum für widerständige Kunst – der nun 25 Jahre alt geworden ist. Einen beherzten Fußmarsch vom Stadtzentrum entfernt, etwas versteckt in einem malerischen Stadtpark, durch den hin und wieder von einer nahegelegenen Fabrik der Duft von frischem Waffelteig weht, liegt das unter Denkmalschutz stehende bogenförmige Gebäude, das um die vorletzte Jahrhundertwende als Depot für Dampflokomotiven erbaut wurde. Seit einem Vierteljahrhundert ist der Ringlokschuppen Ruhr nun ein Ort für Theater und Tanz, Kultur und Begegnung. Er bietet Künstlerinnen und Künstlern ein Forum und einen Produktionsort. Wie wichtig der liebevoll auch Schuppen genannte Ort für darstellende Kunst jenseits des Mainstreams geworden ist, insbesondere für den künstlerischen Nachwuchs, kann ich vielleicht am besten am eigenen Beispiel veranschaulichen. Denn hier kamen wir Erstsemester der Bochumer Theaterwissenschaft in den nuller Jahren zum ersten Mal mit unbekannten Theatersprachen in Kontakt, die uns maßlos überforderten und unsere Sichtweisen auf das Theater grundlegend erschütterten: René Pollesch, Gob Squad, Monster Truck, um nur einige zu nennen. Darüber hinaus ergaben sich aber auch…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 2/2019

Stück

Im Strudel der Verweise

Fritz Kater über sein neuestes Stück „heiner 1– 4 (engel fliegend, abgelauscht)“ im Gespräch mit Thomas Irmer

von Thomas Irmer und Fritz Kater

Fritz Kater, am 9. Januar jährte sich der Geburtstag Heiner Müllers zum 90. Mal. Rund zwei Wochen später folgte die Uraufführung Ihres vierteiligen Stücks „heiner 1– 4“ am Berliner Ensemble. Eine Geburtstagshommage?Ich schreibe keine Theaterstücke, weil jemand gerade Geburtstag hat. Es gab aber eine Absprache mit dem Berliner Ensemble, mit der Chefdramaturgin Sibylle Baschung, ob ich nicht was schreiben könnte, zu Berlin oder irgendetwas in der Art. Und dann dachte ich, wenn schon BE, dann BE und nicht Berlin, und wenn BE, dann natürlich Müller. Normalerweise bin ich in vier Wochen fertig, in diesem Fall brauchte ich anderthalb Jahre. Ein sehr langwieriger Prozess. Weil ich das noch nie gemacht habe, über eine mir bekannte Person zu schreiben. Neben Einar Schleef ist er für mich der wichtigste schriftstellerische Einfluss nach 1945 aus Deutschland. Abgesehen davon hab’ ich ihn besser gekannt und mehr Zeit mit ihm verbracht als mit Einar Schleef. Es dürfte viele verschiedene Ansätze geben, ein Stück über Heiner Müller zu schreiben. Was war Ihr erster Impuls dafür?Mir ist diese letzte Phase in seinem Leben aufgefallen, als eine unglaublich dramatische Zeit. Als er sechzig Jahre alt war, genau in dem Jahr 1989, als er sich danach noch einmal in eine junge Frau verliebte, mit dieser Frau ein Kind bekam, gleichzeitig Intendant des Berliner Ensembles wurde und während dieser Zeit in eine ganz große Krise geraten ist, als er als IM, als Mitläufer und Stasi-Denunziant denunziert…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 2/2019

Kommentar

Die letzte Machete

Über das Aus der Sendung „Kulturpalast“ als bitterer Abschluss der Marginalisierung von Theater im öffentlich-rechtlichen Fernsehen

von Thomas Irmer

Als im Dezember 1999 der ZDFtheaterkanal auf Sendung ging, war das europaweit eine Sensation. Ein Spartenprogramm, bei dem man schon zum Frühstück eine alte Peter-Zadek-Inszenierung und nach Mitternacht noch eine Theater-Doku sehen konnte, etwa eine der 150 Folgen „Theaterlandschaften“, mit denen praktisch das gesamte deutschsprachige Theater in halbstündigen Einzelporträts vorgestellt wurde. Im Ausland staunte man: So etwas können nur die Deutschen haben. Für die aktuelle Berichterstattung gab es dazu die – zeitweise wöchentlich laufende – Sendung „Foyer“, ein Theatermagazin mit Premierenberichten und Porträts, auch aus den Sparten Tanz und Musiktheater, sowie Sondersendungen samt ganzer Aufzeichnungen vom Theatertreffen. Goldene Zeiten fürs Theater im Fernsehen. Zehn Jahre später feierte der digitale Theaterkanal sein Jubiläum, doch da hatten die Programmoberen in Mainz schon die Kahlschlagmacheten aus dem Schreibtisch gezogen. Der Theaterkanal – ein Jahr Laufzeit kostete das ZDF so viel wie eine Sendung „Wetten dass ...?“ – wurde aufgelöst und ein kleiner Teil dessen ab 2011 in das Programm des neuen Senders ZDFkultur einbezogen. Das lebende Theatermuseum der alten Zadek-Aufzeichnungen verschwand ganz, aus „Foyer“ wurde der „Kulturpalast“, eine Sendung nunmehr für Performing Arts im weitesten Sinne, die mit neuen Formen der Kulturberichterstattung experimentierte und dabei mit engagiertem Interesse das Theater im Auge behielt, vor allem auch mit Studiogästen wie Herbert…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019

Magazin

Die Situierung des Betrachters

Beim PAP-Branchentreff im Theaterdiscounter Berlin diskutieren die freien darstellenden Künste den schillernden Begriff der Qualität

von Patrick Wildermann

„Die Unterscheidung in gute und schlechte Kunst nützt zunächst denjenigen, die diese Unterscheidung machen. Wohl aber nicht der Kunst, den Kunstschaffenden, ihrem Publikum und nicht der Geschichte der Kunst selbst.“ Ein Statement, das der Performer Tucké Royale in seinem Vortrag „Über Theater urteilen!? – Historische und aktuelle Bestimmungen eines Qualitätsbegriffes in den darstellenden Künsten“ formuliert. Qualität, das ist natürlich ein weites Feld. Und ein schwer umkämpftes Wort, weil es ideologisch aufgeladen und je nach Verwendung Hülse oder Geschoss sein kann. Weil es allzu schnell zusammengedacht wird mit Daumenhoch-, Daumen-runter-Meinungen, die nichts und niemanden erhellen. Umso erfreulicher, dass sich das Performing Arts Programm (PAP) auf seinem mittlerweile sechsten Branchentreff der Diskussion darüber stellt, welche Konsequenzen mit dem Richten über die Arbeiten der freien Szene verbunden sind. Welche Zugänge damit geöffnet oder versperrt werden, wer sich überhaupt zur Instanz erklären kann. „Urteil, Macht, Teilhabe“ lautet entsprechend die Überschrift dieser Ausgabe, die Christina Zintl als Leiterin verantwortet. Das Programm zeigt vor allem zweierlei: Nach Jahren, in denen die Diskurse der freien Szene dominiert waren von der Forderung nach mehr Förderung, ist monetär mittlerweile so viel erreicht worden, dass nun eine Besinnung auf grundsätzlichere Fragen stattfinden kann. Wobei diese Debatte um Offenheit, (Selbst-)Bestimmung und Bewertung, das ist der…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019

Auftritt

Paris: Zwischen Protest und Poesie

Théâtre du Soleil: „Kanata – Épisode I – La Controverse“ von Robert Lepage und dem Théâtre du Soleil

von Renate Klett

Robert Lepage ist dafür bekannt, dass seine Stücke zur Premiere nicht fertig sind. Das hat mit seiner Arbeitsweise zu tun. Da er stets mit mehreren Projekten gleichzeitig beschäftigt ist, werden die jeweiligen Proben für Wochen, oft auch Monate unterbrochen und bereichern sich durch die Pausen und Überlappungen. Die verschiedenen halbfertigen Arbeiten befeuern sich gegenseitig, und die Proben gehen auch nach der Premiere weiter. Er liebt es, alles immer wieder infrage zu stellen, die Reaktionen des Publikums zu verarbeiten und die Schauspieler mit Unvorhergesehenem herauszufordern. Das hält die Aufführungen frisch und verhindert jene genüssliche Spielroutine, die er so sehr hasst. Seine eigenen Leute können diesen Ritt über den Bodensee souverän, auch lustvoll bewältigen – für ein fremdes Ensemble ist er wohl eher angstbesetzt. Bei der Weltpremiere von „Kanata“ am 15. Dezember 2018 im Théâtre du Soleil in Paris beschloss Ariane Mnouchkine, den Zuschauern das Eintrittsgeld zurückzuzahlen, da sie nicht die Aufführung, sondern nur „eine letzte Probe“ sehen würden. Sie hat Ähnliches auch schon bei eigenen Produktionen gemacht; warum also nicht auch jetzt, wo sie zum ersten Mal in der fünfzigjährigen Geschichte des Theaters ihr Ensemble einem anderen Regisseur anvertraut hatte. Dabei waren die Misslichkeiten des Abends weniger den Spielern als den schleppenden Umbauten geschuldet, die es dem Publikum schwer machten, sich auf das Geschehen einzulassen. Ohnehin stand „Kanata“…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 2/2019

Protagonisten

Altes Haus, vitales Herz

Barockarchitektur und Videoschnipsel: Das Theater Erlangen feiert seinen 300. Geburtstag und denkt über das Stadttheater der Zukunft nach

von Christoph Leibold

Wie alt das Theater Erlangen tatsächlich ist, ist eine Frage der Perspektive. Je nach Sichtweise ist es altehrwürdig oder aber noch blutjung. Ein modernes Stadttheater mit Repertoirebetrieb wurde das Theater Erlangen nämlich erst mit dem Antritt von Katja Ott als Intendantin zur Spielzeit 2009/10. Vor ihrer Ankunft wurde en suite gespielt. Zudem erlebte das Haus in all den Jahren davor wechselnde Bespiel- und Organisationsformen (meist wurde es als Gastspielbetrieb geführt) und musste zwischendurch sogar um seine Existenz fürchten. Ende der 1950er Jahre war das Gebäude in derart marodem Zustand, dass ein Komplettabriss zur Diskussion stand, der aber durch bürgerschaftliches Engagement abgewendet werden konnte. Was ist eigentlich das Gegenteil von Entkernen? Schälen? In Erlangen jedenfalls war statt der Abrissbirne Filigranarbeit gefragt. Nur die Außenhülle des alten Markgrafentheaters wurde abgetragen, die Schale eben. Der Kernbau aber blieb erhalten: jener kostbare Theaterraum, der am 10. Januar 1729 unter dem Bayreuther Markgrafen Georg Wilhelm eröffnet wurde. Nähert man sich dem Theater von außen und rückt ins Innere vor, durchläuft man die unterschiedlichen Epochen. Draußen fallen die Plakate auf: bunt, flott, mit schwungvollen Lettern, ganz 21. Jahrhundert. Dann das 1960 eröffnete Foyer, das funktionale Nüchternheit ausstrahlt. Schließlich der prachtvolle Innenraum, dem Markgräfin Wilhelmine 1743/44 vom venezianischen Architekten Paolo Gaspari ein Rokoko-Update…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019

Eine polnische Feministin am Rollenden Tisch

von Ilona Motyka

Als ich an einem sonnigen Samstag nach Słubice kam, wusste ich nicht wirklich, was mich erwartete. Rollender Tisch? (Schautafel 9) Natürlich, die deutschen Partner*innen des Projekts hatten mir diese Idee vorgestellt, aber Wissen und Sehen sind zwei sehr unterschiedliche Dinge. Tatsächlich, ein solider Tisch mit zwei etwas weniger soliden Bänken waren in der Nähe der Brücke für die Aktion bereitgestellt. Der Tisch war imponierend und machte mich noch gespannter darauf, wie er sich denn dann bewegen würde. Das alles verhieß Erlebnisse, die ich in meiner Arbeit in einer NGO bisher noch nicht gehabt hatte. Meine NGO heißt Lubuskie Stowarzyszenie na Rzecz Kobiet BABA und hat ihren Sitz in Zielona Góra. Zum Alltag von BABA gehören die Begegnungen mit Menschen – meistens Frauen –, die Hilfe suchen, weil sie von Männern geschlagen oder gedemütigt werden. Wir bieten für sie kostenfreie juristische, psychologische und berufsbezogene Beratung an. Meine Aufgabe ist die Koordination der Büroarbeit, die Gestaltung von Beratungen, die Koordination der Freiwilligenarbeit und die Kooperation mit ähnlichen Organisationen im Ausland. Und natürlich auch das ständige Kämpfen um Finanzierungsquellen für unsere Tätigkeit. Ja, das ist ein Kampf, weil wir leider für unsere Tätigkeit keine stabile und langfristige Förderung bekommen und im Wett kampf um Spenden von privaten Personen und Unternehmen mit vielen gemeinnützigen Organisationen konkurrieren. Der alltägliche Kontakt mit häuslicher Gewalt…mehr

aus dem Buch: Partizipation Stadt Theater

Gespräch

Was macht das Theater, Jürgen Holtz?

von Gunnar Decker und Jürgen Holtz

Jürgen Holtz, Ende Dezember lief am Berliner Ensemble die dreihundertste Vorstellung der „Dreigroschenoper“ in der Regie von Robert Wilson. Haben Sie im September 2007, als die Premiere war, erwartet, dass die Inszenierung so erfolgreich sein würde?Über so was habe ich mir nie Gedanken gemacht. Es gibt gute Inszenierungen, die schlecht laufen, und schlechte, die gut laufen. Dies ist eine gute, die gut läuft. Kommt auch vor. Ich hatte den Eindruck, dass Wilsons formal zugespitzter Inszenierungsstil im Widerspruch steht zu Brechts Gestus von „Kunst ist Waffe“, wie Friedrich Wolf es formulierte. Wird hier der Anklagegestus der Bettleroper einem artifiziellen Selbstzweck geopfert?Nein, finde ich gar nicht. Die Künstlichkeit ist von Bert Brecht und Kurt Weill unbedingt gewollt. Das „Glotzt nicht so romantisch“ zeigt ja die Richtung, in die es geht: Stummfilmästhetik, schnelle Auf- und Abblenden, kalter Beobachtergestus. Bei Probenhalbzeit zeigte Wilson den Film, den er über unsere Arbeit bis dahin gemacht hatte. Da sah ich etwas! Diese merkwürdige Aufführungsästhetik trifft den schrillen Charme des frühen 20. Jahrhunderts sehr genau. Die Aufführung ist aus Musik, Bewegung, Sprache und Licht gemacht. Ein Konstrukt! Manche erblicken darin eine Art Marionettentheater, das den Schauspielern jede Freiheit nimmt.Das Gegenteil ist der Fall! Aber man muss sich natürlich erst einmal auf die Künstlichkeit, die exakten Vorgaben einlassen. Und dann entdeckt man die Freiheitsräume darin.…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2019

Eine kurze Geschichte des Theater Erlangen

von Susanne Ziegler

Nichts ist so beständig wie der Wandel. Diese Erkenntnis Heraklits trifft nicht nur auf die Theaterkunst an sich, sondern auch auf die Geschichte des Theater Erlangen zu. Denn gewandelt und weiterentwickelt hat es sich immer wieder – in der Form, der technischen Ausstattung, der Gestaltung und der inhaltlichen Ausrichtung. Selbst seinen Namen änderte das Theater über die Jahrhunderte und spiegelte damit das jeweilige Selbstverständnis der Theatermacher und des Publikums wider. Die Eröffnung und die Markgrafenzeit Alles nahm seinen Anfang, als der Markgraf Georg Wilhelm von Brandenburg-Bayreuth mit seiner theaterbegeisterten Gattin Sophia das »Hochfürstliche Opern- und Komödienhaus« erbaute und am 10. Januar 1719 mit der Oper »Argenis und Poliarchus« eröffnete. Das Theater, nördlich des Schlosses mit dem nach Westen anschließenden Redoutenhaus und dem Marstall städtebaulich eingebunden, blieb zunächst dem höfischen Publikum vorbehalten, einfache Bürger nahmen stattdessen Vorlieb mit den u. a. in Gasthäusern auftretenden Wandertruppen. Ein neues Kapitel der Erlanger Theatergeschichte schlug nur wenige Jahrzehnte später die mit Friedrich III. verheiratete, künstlerisch vielfältig begabte Markgräfin Wilhelmine auf. Auf ihr Geheiß wurde der venezianische Theatermaler und -architekt Giovanni Paolo Gaspari engagiert, um den modernen Zeitgeist des Rokoko im Theater zu etablieren. In nur einem Jahr wurden seine Pläne umgesetzt und der Innenraum so gestaltet, wie wir ihn heute…mehr

aus dem Buch: 300 Jahre Theater Erlangen