Look Out
Die Regisseurin Cosmea Spelleken macht Netztheater zu einer intimen Erfahrung
von Sabine Leucht
Cosmea Spelleken ist in Freiburg aufgewachsen, hat sich schauspielenderweise an freien Bühnen erprobt und mit 16 den Film entdeckt, an dem sie die Intimität schätzt, die er zu seinen Figuren herstellen kann. Dafür fehlt ihr im Film das ausgiebige Sich-Hineinwühlen in Stoffe. Und dann stellte während ihres Studiums der Medienkunst in Karlsruhe jemand die Frage: „Muss das, was du erzählen willst, zwangsläufig ein Film werden, oder ist vielleicht ein Hörstück geeigneter, ein Audiowalk – oder doch Theater?“
Hinter diesen Gedanken, dass jede Geschichte nach ganz eigenen Mitteln verlangt, kann die heute 25-Jährige seither nicht mehr zurück. Deshalb haben die abgefilmten Theateraufführungen im ersten Lockdown sie so genervt. Es gab keine Begründung für ihre Form außer dem Lockdown selbst. Da kam ihr eine „fixe Idee“. Die heißt „werther.live“ – und hat so richtig eingeschlagen. Bis zu 1300 Zuschauer pro Vorstellung haben das rein digitale Freie-Szene-Debüt gesehen, das Preise und Herzen gewann, von der New York Times bejubelt, beim Theatertreffen diskutiert und zuletzt unter dem virtuellen Dach großer Häuser und beim Heidelberger Stückemarkt gezeigt wurde. Der Theater, Film und Social Media fusionierende Abend, konsequent aus Werthers Perspektive erzählt – dem Protagonisten aus Johann Wolfgang von Goethes gleichnamigem Briefroman – geht einem ungewöhnlich nah. Und er übersetzt das Kultwerk von 1774 so jugendaffin wie stimmig ins Heute.
Beides hat viel mit der Detailversessenheit…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021
Kolumne
Hochsicherheitsdrama um den Kreuzberger Buchladen Kisch & Co.
von Ralph Hammerthaler
„Sitzungspolizeiliche Anordnung“ ist ein schönes Wort, selbst wenn ich mich unausgeschlafen frage, ob es nicht eher polizeiliche Sitzungsanordnung heißen müsste. Sie werden es sich schon gut überlegt haben. Dieses Anordnungsdeutsch jedoch entwickelt einen gewissen Sog, und je weiter ich lese, desto weniger kann ich mich entziehen. Mit Blick auf die Kontrolle in der Eingangsschleuse steht unter V.3.d: „Die Untersuchung ist auf das Schuhwerk zu erstrecken“; unter V.3.e: „Das Kopieren der Ausweise für die schnelle Identifizierung von Störerinnen und Störern wird angeordnet. Die Kopien sind unverzüglich nach Schluss der Sitzung zu vernichten.“ Das glaube ich gern. Zweimal ist der Termin für die Verhandlung verschoben worden, der Richter wurde um zwei weitere aufgestockt, und dann ist der zivilrechtliche Prozess auch noch örtlich verlagert worden, ins Kriminalgericht Moabit. Immer noch unausgeschlafen frage ich mich, gegen welche Terrormiliz es hier geht. Es geht aber, ich schwöre es, um einen Buchladen, es geht um die Räumungsklage gegen Kisch & Co.
Wie in meiner ersten Kolumne in dieser Spielzeit beziehe ich mich auch in meiner letzten auf den vom Kreuzberger Kiez so geliebten Laden. Zu viel Drama, Baby. Seit Juni 2020 soll er eigentlich schon weg sein, weil der neue Eigentümer, ein gesichtsloser Immobilienfonds, ihn nicht haben will. Dass der vorerst letzte Akt, der im Drama nicht selten der blutigste ist, im Kriminalgericht spielt, wirkt wie eine fiese Pointe. Da hilft es…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021
Gespräch
von Natalie Fingerhut und Mable Preach
Mable Preach, Sie arbeiten gerade mit Branko Šimić und Sophia Hussain als Regietrio an „Escape the Room 2.0 – Unlearn Racism“, einer Produktion für das Krass Kultur Crash Festival auf Kampnagel Hamburg. Wie der Name erahnen lässt, ist es bereits Ihr zweites Escape-Room-Projekt, das erste fand unter dem Titel „Escape the Room: Fight the Power“ 2020 statt. Wie kam die Kombination eines Escape Rooms mit dem Thema Rassismus zustande?
Eva Maria Stüting von den Kulturagenten für kreative Schulen und der Dramaturg Nikola Duric kamen 2020 mit dem Escape-Room-Konzept zum Thema Rassismus auf mich zu. Ich fand die Idee anfangs spannend, bekam dann aber Zweifel: Stopp, wait a moment! Escape Racism? Ich als schwarze Frau werde Rassismus nie entkommen können – ebenso wenig wie die meisten Jugendlichen, mit denen ich arbeite. Als ich den Jugendlichen das Konzept aber vorstellte, wollten sie es trotzdem machen, obwohl schon die Behauptung – Escape Racism – nicht ungefährlich ist. Wir entschieden uns, Erfahrungsräume zu bauen, in denen Menschen, die Rassismus normalerweise nicht ausgesetzt sind, vielleicht fünf Prozent von dem empfinden können, was wir täglich erleben. Das Problem: Das Publikum, das in der Regel zu meinen Stücken kommt, bildet Hamburg ab, wie es ist: nämlich sehr divers – viele junge schwarze Menschen sind dabei. Was wird bei denen getriggert? Also fiel die Entscheidung, dass die Räume zwei Dinge können müssen: das Publikum, das so ist wie wir, empowern und für die…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2021
Archiv
Eine kurze Geschichte von Theater der Zeit zum 75. Geburtstag
von Harald Müller
Ein Mann, der was zu sagen hat und keinen Hörer findet, ist schlimm dran. Noch schlimmer sind Hörer dran, die keinen finden, der ihnen etwas zu sagen hat“ (Bertolt Brecht).
Mir war damals im Herbst 1992 dieses Dilemma sehr bewusst, als ich mit Friedrich Dieckmann, Martin Linzer und Frank Raddatz den Neustart der Zeitschrift Theater der Zeit vorbereitete.
Ich gebe ehrlich zu, Theater der Zeit zu DDR-Zeiten nicht wirklich wahrgenommen zu haben: zu affirmativ. Eher schon, auch das gehört zur Wahrheit, das Theatermagazin aus Seelze, das man – wenn man wusste, wo – einsehen konnte. Ich wollte lesen, was Thomas Brasch und Stefan Schütz schrieben, was Ruth Berghaus, Jürgen Gosch, Einar Schleef und B. K. Tragelehn inszenierten, was Jutta Hoffmann und Jürgen Holtz spielten und all die anderen, furchtbar vielen Exilierten trieben – über die Theater der Zeit damals nicht schrieb.
Wie sage ich es heute: Meine Generation, die in den Achtzigern zu Bewusstsein und auch zu Selbstbewusstsein kam, suchte neue Auswege aus dem DDR-Biedermeier. Im Angesicht von atomarer Systemschmelze und der totalitären Gesinnung eines Verbotsstaates entwickelte sich zusehends ein Endzeitgefühl, und jeder musste sich die Frage stellen, ob er Feinstaub oder Granulat im Getriebe eines Kontrollsystems sein wollte. Die Antworten fanden wir in den sich plötzlich herausbildenden Subkulturen, nicht nur in Berlin: David Bowies illegale Konzerte in Hinterhöfen des Prenzlauer Berges entdeckten wir wieder im…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021
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Gespräch
von Gernot Grünewald und Tom Mustroph
Gernot Grünewald, in Ihrem Projekt „Selbstvergessen“ stehen Kinder und Jugendliche auf der Bühne, die an einer Art lebendigem Familienarchiv arbeiten: Sie erforschen die Biografien und Lebenserinnerungen ihrer nicht mehr erinnerungsfähigen Großeltern. Wie kann man sich den Abend konkret vorstellen?
Wir arbeiten mit verschiedenen dokumentarischen Elementen. Die Jugendlichen haben, soweit das möglich war, Interviews mit ihren dement gewordenen Großeltern geführt. An den Tonspuren spürt man, wie sich Vergessen im Sprach- und Erinnerungsvermögen abbildet. Kern des Projektes ist aber, wie sich Erinnern über persönliches Erleben, Familiengedächtnis oder Archive vollzieht. Außerdem arbeiten wir mit digitalen Scans, die das Thema Erinnern und Vergessen jenseits des Haptischen oder des persönlichen Reflektierens in den digitalen Raum übertragen.
Woran erinnern sich die Großeltern, sofern sie sich erinnern? Sind das vor allem die Kindheits- und Jugendjahre, also die Zeit, in der sich die jetzt auf der Bühne stehende Enkelgeneration selbst befindet?
Es ist eine Art Spiegelachse. Die Jugendlichen werden auf der Bühne zu Wiedergängern ihrer eigenen Großeltern. Wir erleben sie am biografischen Anfang ihres Lebens, der von den Großeltern am längsten erinnert wird. Demenz hat neben aller Tragik auch etwas sehr Faszinierendes: Man vergisst rückwärts, zunächst das, was vor fünf Minuten, dann das, was vor einem Monat oder einem Jahr passiert ist, bis man sich bei schweren Verläufen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021
Look Out
Rita Czapka wacht als Archivarin über den Wissensspeicher des Burgtheaters Wien – und kennt so manches Geheimnis
von Margarete Affenzeller
Die älteste Buchausgabe, die sich im Burgtheaterarchiv befindet, ist eine Sammlung von ins Deutsche übertragenen Komödien (unter anderem von Molière) aus der Zeit um 1760. Dass sich die Archivarbeit manchmal wie eine „Schatzsuche“ anfühlt, wie es Rita Czapka bezeichnet, verwundert da nicht. Zumal im Fall des Wiener Burgtheaters und seiner langen und wechselvollen Geschichte entsprechend viel zu dokumentierendes Material angefallen ist. Als Theater nächst der Burg existiert es seit dem Jahr 1748. Das Archiv muss also aus allen Nähten platzen und tut es auch, wie die seit 1993 am Haus tätige Archivarin bestätigt. Bestände wurden bereits in die Dramaturgie ausgelagert, wo Rita Czapka umringt von dicht befüllten Regalen sitzt. An der Wand hängt ihr Lieblingsfundstück, eine mehrfach vergrößerte Fotografie vom festlich erleuchteten Burgtheater bei der Wiedereröffnung mit „König Ottokars Glück und Ende“ 1955.
Über sich selbst spricht Rita Czapka nicht so gern. Sie möchte – und das gehört wohl zum Berufsbild der Archivarin – lieber nicht im Mittelpunkt stehen. Über ihren Werdegang macht sie kein Aufsehen. Kurzum: Nach einem Studium der Kunstgeschichte, Musik- und Theaterwissenschaften in Wien zog es sie magnetisch ans Burgtheater, wo die turbulente Ära Claus Peymanns bereits Fahrt aufgenommen hatte. Mit liebevoller, warmer Stimme spricht Czapka über die unzähligen Vorstellungen, die sie am Haus gesehen hat. Man spürt, wie zugewandt sie dem Theater und dessen Protagonistinnen…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021
Look Out
Tote Materialien gibt es nicht – Ein Vierteljahrhundert war Hans Rübesame Archivleiter des Deutschen Theaters Berlin
von Thomas Irmer
Der Zufall brachte Hans Rübesame ins Archiv des Deutschen Theaters Berlin, das er 25 Jahre bis zum Beginn der Intendanz von Ulrich Khuon leitete. Der aus Halle Stammende war zuvor Leiter des Schallarchivs beim VEB Deutsche Schallplatten und, für die DDR höchst ungewöhnlich, freischaffender Musikwissenschaftler. Rübesame war mit dem Dramatiker Georg Seidel eng befreundet, der gerade in der Dramaturgie des Deutschen Theaters angefangen hatte und ihm damals den Tipp gab, sich dort auf eine freie Stelle zu bewerben. „Ich kam völlig von der Seite, obwohl ich neben Musik- auch Bibliothekswissenschaften studiert hatte“, erzählt Rübesame. Als Student besuchte er ab 1965 regelmäßig Vorstellungen des DT, Benno Bessons legendäre Inszenierung „Der Drache“ gleich als Erstes. Die Kenntnis des großen Repertoires über eine lange Zeit war eine gute Grundlage für die spätere Archivarbeit, die unter der Intendanz von Dieter Mann und dessen Chefdramaturgen Hans Nadolny begann.
Zu dem eigentlichen Archiv gehörte auch eine Hausbibliothek, aus der Material für die Dramaturgen bereitgestellt wurde. Außerdem konnte Rübesame für spezielle Aufträge in die großen Bibliotheken Berlins gehen. „Einige Dramaturgen“, berichtet er, „hatten dort nämlich Entleihungsverbot wegen nie zurückgegebener Bücher.“ Dieser Teil seiner Tätigkeit war also auf die Dramaturgie des Hauses ausgerichtet.
Im Archiv trafen aber auch Anfragen aus aller Welt ein, vor allem von Theaterwissenschaftlern und Studenten. Da baten…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2021
Zum 60. Geburtstag von Theater der Zeit 2006 warf Chefredakteur i.R. Martin Linzer einen Blick zurück in die Vergangenheit. Ein Abriss über die Geschichte des Magazins.
von Martin Linzer
Theater der Zeit hat Geburtstag und möchte aus diesem Anlass seinen Lesern ein Geschenk machen: die „Gesammelten Werke“, oder doch einen Abglanz davon. Unsere CD-ROM, die jeder Abonnent mit dem Mai-Heft erhält (und jeder Neugierige selbstverständlich auch bei uns erwerben kann), enthält aus jeder der von Juli 1946 bis April 2006 erschienenen Ausgaben, und das sind exakt 746, mindestens einen Beitrag, ob Leitartikel, Rezension, Reportage, Gespräch – also über 750 Beiträge aus 60 Jahren Theater der Zeit!
Die Auswahl, die ich im Auftrag des Verlags vorgenommen habe, eine Zeitreise auch durch die eigene Biografie. ist notwendig subjektiv, unausgewogen, angreifbar – eine Art Director's Cut –, aber nicht willkürlich. Sie versucht anzudeuten, wie Personen – Chef- und andere Redakteure, auch bestimmte Autoren – das Erscheinungsbild der Zeitschrift bestimmten bzw. veränderten, wie aber auch politische Umstände, gesellschaftliche Prozesse auf das Erscheinungsbild der Zeitschrift einwirkten, eine freie Meinungsbildung behinderten, tolerierten, selten genug begünstigten. Ohne im Entferntesten eine professionelle Theater-Geschichtsschreibung ersetzen zu können, ist die Geschichte von Theater der Zeit doch auch ein Spiegelbild der Geschichte des DDR-Theaters, oder besser des Theaters in der DDR und ein Reflex der gesellschaftlichen Veränderungen in dem Teil Deutschlands, der als SBZ begann, 40 Jahre DDR hieß – und mit seiner Geschichte immer noch die Zeitschrift mitprägt. Stetige…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 05/2006
Look Out
Der Berliner Puppenspiel-Absolvent Fabian Raith kreiert Augmented-Reality-Spiele
von Tom Mustroph
Die Pandemie machte Fabian Raith zum Außenraum-Spezialisten. Eigentlich wollte der 33-Jährige ein Projekt mit dem Titel „Baseballschlägerjahre“ für geschlossene Theaterräume entwickeln. Es ging darum, mit GANs – besonderen Konfigurationen des maschinellen Lernens – typische Ansichten von ostdeutschen Plattenbauvierteln zu kreieren. Sie sollten aussehen wie die, in denen in den 1990er Jahren Neonazicliquen prügelten. GANs – bereits kommerziell genutzt zum Errechnen von nicht existierenden, aber naturalistisch wirkenden Bildwelten aus digitalen Fotoarchiven – dienen Raith als Metapher für Erinnerung überhaupt. „Erinnerung funktioniert doch so, dass alle etwas vor Augen haben, was es genau so in Wahrheit aber gar nicht gab“, erzählt er. In das künstlich erzeugte Neubau-Milieu wollte er narrative Elemente einbetten.
Aber Innenraum-Theater ging nicht im Lockdown. So schuf er, noch als Student des allerersten Jahrgangs des 2018 eingerichteten Masterstudiengangs Spiel und Objekt der Abteilung Puppenspiel der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, Augmented Reality-Applikationen für den Außenraum. Der Walk „Nur für einen Tag“ bezog reale Denkmale in einen Diskurs über Erinnerungskörper im Stadtraum sowie historische und aktuelle Heldinnen- und Heldenkonstruktionen ein. Die Teilnehmenden strolchten mit Tablets und Smartphones durch die Straßen, sahen die physisch vorhandenen Objekte und nahmen auf den Monitoren die digitalen Erweiterungen wahr.
Für die Burg Hülshoff, das…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2021
Inszenierung
Ariel Dorons interaktive Objektperformance „Do not open!“
von Annika Gloystein
Was machen Sie, wenn Sie von einem personenlosen Lastenfahrrad angesprochen werden? Ach so, ist noch nicht vorgekommen!? Falls Ihnen aber danach ist und Sie wissen wollen, was es geladen hat, haben Sie nochmal Gelegenheit im Mai beim internationalen figuren.theater.festival in Erlangen mit dem Gefährt „ins Gespräch zu kommen“. Wenn Sie ihm unvoreingenommen gegenübertreten wollen, sei Ihnen an dieser Stelle vom weiteren Lesen abgeraten. Falls Sie (vorher) lieber wissen wollen, wie andere so mit dem Zweirad zurechtkamen: Es sprach im August 2020 in Erlangen und im Oktober in München Festivalgäste und Passant*innen an – ein Projekt im Rahmen des 40. Erlanger Poetenfests in Koproduktion mit wunder. Internationales Figurentheaterfestival München. Die Kontaktaufnahme beginnt freundlich einladend, geheimnisvoll flüsternd über dringlich flehend bis beschwörend, man möge den Front-Ladebereich des Lastenrads öffnen. Findet die Stimme nicht die gewünschte Beachtung, geht sie über zu einem genervten oder gelangweilten Ton, klingt hilfsbedürftig, unterstreicht das Anliegen mit Klopfgeräuschen aus dem Inneren oder einem langen verzweifelten Schreien. Manch eine*r bleibt stehen, ob der unerwarteten Ansprache, unschlüssig, wie damit umzugehen sei. Doch ein Näherkommen kann jäh unterbrochen werden („Halt! Stop!“ / „Hör auf, lass mich in Ruhe“ / „Nicht öffnen!“). Wendet sich die Person wieder ab, wird klagend interveniert („Komm zurück!“ / „Verlass mich nicht!“). Nicht alle lassen sich…mehr
aus der Zeitschrift: double 43
Kolumne
Warum die Kritik an „kultureller Aneignung“ in Aberwitz verdampft
von Ralph Hammerthaler
Einmal hab ich mir eine fremde Sprache angeeignet, das Spanische, weil ich mit Menschen in Mexiko und Kolumbien direkt sprechen wollte, ohne aufs Englische auszuweichen. Und weil ich Bolaño im Original lesen wollte. Irgendwann hat es leidlich geklappt. Als sie „Schnappräuber“ in Mexico City aufführten, hielt ich in der Universität einen Vortrag, über mein Stück und Tendenzen der deutschen Dramatik. Ich sprach auf Spanisch, was, wenn auch nicht perfekt, gut ankam. Nicht ganz so gut an kam mein hochspanisches Lispeln, das ich damals dynamisch fand. Danach flüsterte mir mein Regisseur ins Ohr: So klingt die Sprache der Kolonisatoren.
Für meinen Roman „Kosovos Töchter“ hab ich monatelang auf dem Balkan recherchiert. Überwiegend sprach ich mit Frauen, jungen und alten, zumeist Feministinnen, aber auch mit deutschen Soldaten oder dem Politiker Albin Kurti, dem Rudi Dutschke Kosovos. Zu diesem Romanprojekt hat mich, was gar nicht nötig gewesen wäre, mein albanischer Freund Besim immer wieder ermuntert. Vielleicht, sagte er, siehst du etwas, was wir in Kosovo nicht sehen. Könnte gut sein. Aber wer weiß. In Prishtina lief auf der Leinwand ein Fußballspiel, und junge Männer trugen Trikots des FC Bayern München. Frage an alle: Wer ist der Fremde?
So gesehen müsste mich der Vorwurf der „kulturellen Aneignung“ ins Mark treffen. Aber erstens ist schon der Begriff falsch, weil in den fluiden Kulturen der Welt kein Eigentum übertragen werden kann, und zweitens wird der Vorwurf vom Popanz…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2021
Thema
Überlegungen zur neuen Präsentation der Puppentheatersammlung Dresden
von Kathi Loch
Ende 2022 wird die Puppentheatersammlung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) ihr neues Domizil in einem ehemaligen Heizkraftwerk in der Dresdner Innenstadt beziehen und voraussichtlich ab Herbst 2023 dort Ausstellungen präsentieren. Dr. Kathi Loch betreut als Projektleiterin alle kreativen, kommunikativen und organisatorischen Prozesse rund um diesen Umzug und fragt, inwiefern der „Neustart“ genutzt werden kann, um vielfältige Barrieren abzubauen.
Die Zukunft verspricht Sichtbarkeit und Zugänglichkeit: In der Südfassade des „Lichtwerks“ im Dresdner Kulturareal „Kraftwerk Mitte“ klafft ein Tor von fast sieben Metern Breite und zehn Metern Höhe, ursprünglich verschlossen durch eine bewegliche Stahlwand. Diese wurde inzwischen herausgefahren und an ihrer Stelle werden bald eine große Glasfront und, auf Straßenniveau, ein Windfang eingebaut. Das Portal am neuen Standort: monumental, transparent, nicht zu übersehen. Das sind also gute Aussichten für eine Sammlung, von der in den letzten Jahren nur Bruchteile der Öffentlichkeit präsentiert werden konnten. Doch ist es mit einer willkommen heißenden Eingangssituation schon getan?
Barrierearmut in Architektur und Ausstellung
Es wäre schön, wenn die Puppentheatersammlung im Kraftwerk Mitte ein inklusiver Ort mit möglichst wenigen Barrieren sein könnte. Aber machen wir uns nichts vor: Barrierefreiheit ist eine Utopie und selbst die Schaffung von Barrierearmut wird für uns Planer*innen, Gestalter*innen,…mehr
aus der Zeitschrift: double 43
Magazin
Das digitale Brechtfestival 2021 in Augsburg stellt die Frauen in den Vordergrund, die zeitlebens mit Bertolt Brecht gearbeitet haben
von Christoph Leibold
„Ich glaube, dass Du ein wenig betrübt bist, weil auf dem Theater nichts los ist“, schrieb Bertolt Brecht 1933 aus der Schweiz an Helene Weigel. Die Nazis hatten die Macht ergriffen, Brecht ging ins Exil. Heute sorgt Corona für Betrübnis, dass auf dem Theater nichts los ist. Für das Augsburger Brechtfestival 2021 lasen Charly Hübner und Lina Beckmann ausgewählte Passagen aus dem Briefwechsel zwischen Brecht und Weigel, vorzugsweise Texte, die in pandemischen Zeiten aufhorchen ließen. Da gibt es Erheiterndes, etwa wenn sich Brecht Zigarren der Marke Corona wünscht oder wenn er in der Schweiz aus Carona (!) schreibt, aber vor allem Ernstes, wenn er berichtet, wie ihn eine Grippe plagt oder Helene Weigel Bedenken wegen seiner Nähe zu Margarete Steffin anmeldet. Neben Eifersucht dürfte sie dabei die Sorge vor einer Ansteckung umgetrieben haben. Steffin litt an TBC.
„HelliBert und PandeMia“ hieß der Festivalbeitrag von Beckmann/Hübner, ein gut halbstündiger Film, in dem das Schauspielerehepaar die Korrespondenz aus dem Off vorträgt, in nüchternem Chronisten-Ton, dazu laufen Bilder (von Hübner selbst schwarz-weiß gedreht und mit Flackereffekten auf historische Anmutung getrimmt) aus dem winterlich verwaisten Hamburg. Nix los im Lockdown, nirgends. Auch nicht im Deutschen Schauspielhaus, wo Beckmann und Hübner engagiert sind und auf das die Kamera aus wehmütiger Distanz blickt.
Es ist ein bisschen heikel, wie hier die Verbannung heutiger Kulturschaffender von ihren…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2021
Glossar
Unser Glossar zum Schwerpunkt „Elektro-Theater – Der virtuelle Raum“, erstellt von unserem VR-Experten Tom Mustroph
von Tom Mustroph
Sie sind lost in translation, sobald es vom analogen in den virtuellen Raum geht? Kein Problem! Unser alphabetisch geordnetes Glossar leistet Übersetzungshilfe – vom Avatar bis zum VRChat, von der Datenbrille bis zum Trackingsystem.
Jihyun Cecilia Lee in der Hybrid-Oper „Orfeo ed Euridice” unter der Regie von André Bücker am Staatstheater Augsburg.Foto: Jan-Pieter Fuhr
Augmented Reality (AR, erweiterte Realität)
ist eine computerunterstützte Wahrnehmungsweise von Welt, in der die physisch vorhandene Welt durch virtuelle Aspekte erweitert wird. Meist handelt es sich um visuelle und auditive Erweiterungen. Es können aber auch Gerüche (die als Aerosole versprüht werden) oder haptisch erfahrbare Erweiterungen (etwa durch Vibrationen) produziert werden. Die erweiterte Realität (AR) unterscheidet sich insofern von der virtuellen Realität (VR), als in ihr die Wahrnehmung der physisch vorhandenen Welt eben nicht ausgeblendet, sondern durch Datenschichten erweitert wird. Zugänglich sind Umgebungen der erweiterten Realität entweder durch transparente Brillen oder Linsen, auf die die Bilddaten projiziert werden, durch Projektionen direkt auf die Retina oder durch Smartphones und Tablets, auf denen das durch die eingebauten Kameras aufgenommene Umgebungsbild durch digitale Bilder überlagert wird.
Augmented-Reality-Anwendungen
sind in vielen Branchen für Reparatur- und Wartungsarbeiten gebräuchlich. Zur Visualisierung von Architektur, in der Geologie zur Erforschung von Erdschichten…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2021
Künstlerinsert
Das Staatstheater Augsburg erfindet bahnbrechende VR-Theater-Welten – Ein Hausporträt
von Christoph Leibold
Wie stößt man vor in unbekannte Dimensionen? Zum Beispiel in die Unterwelt, aus der noch kein Mensch zurückgekehrt ist, weshalb auch niemand aus eigener Anschauung berichten kann? Literaten hat das über die Jahrhunderte nur umso stärker beflügelt, sich diesen Ort in leuchtendsten Farben auszumalen. Man denke nur an Dantes Inferno. Aber wie stellt man Hades, Hölle oder auch Himmel auf dem Theater dar, ohne dass es nach Kinderfasching oder Geisterbahn aussieht? André Bücker, Intendant am Staatstheater Augsburg, hat im vergangenen Herbst Christoph Willibald Glucks Oper „Orfeo ed Euridice“ inszeniert, die mythische Geschichte von Orpheus, der seine Geliebte aus dem Jenseits zurückholen will. Um diesen Trip für sein Publikum eindrücklich zu gestalten, arbeitete Bücker mit Virtual-Reality-, kurz VR-Brillen, die Bewegtbilder zeigen, in denen man sich umschauen kann: 360 Grad einmal komplett um die eigene Achse, aber auch nach oben oder unten. Die Brillen wurden unter den Sitzen deponiert, die Zuschauer dazu aufgefordert, sie an den entsprechenden Stellen in der Handlung aufzusetzen, um so als „Wanderer fremde Welten staunend zu durchstreifen“, wie Bücker es beschreibt.
Die erste Etappe führte durch eine dystopische Stadtszenerie, es folgte das Elysium, hier eine Art Fantasy-Wellnesslandschaft, ehe bei der dritten Station das Idyll ironisch gebrochen wurde. Die VR-Technik ermöglichte ein Theatererlebnis, das ebenso wenige Grenzen kennt wie die schriftstellerische Fantasie – für…mehr
aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2021
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