Anarchie mit klaren Regeln

Mit dem Theater Arche eröffnet in Wien eine neue freie Bühne – das erste Stück „Anstoß“ von Jakub Kavin dreht sich um die Abgründe des Sportbusiness

von Margarete Affenzeller

Das Theater Arche in Wien (vormals Theater Brett) liegt in einer der zauberhaftesten Ecken Wiens, der Münzwardeingasse in Mariahilf, und ist eine dieser einzigartigen, lange wild gewachsenen Neighbourhood-Bühnen, die frei und ein wenig stur ihren Spielplan kreieren. Jakub Kavin hat den Standort nun von seinen Eltern Ludvik Kavin und der 2018 verstorbenen Nika Brettschneider übernommen und mit einem fabelhaften Stück im ­Februar unter neuem Namen eröffnet. „Anstoß“ befasst sich mit den Abgründen des Sportbusiness. Ein an Theatern rares Thema, an das sich nach Einar Schleefs gewaltigen Chorszenen in Elfriede Jelineks „Sportstück“ 1998 keiner mehr so richtig rangetraut hat. Kavin, ein kämpferischer indes besonnener Theatermensch, hat für seinen riesigen Themenaufriss (das einzige Problem der Produktion) Tausende Seiten recherchiert und zu einem dreistündigen Stück verdichtet. „Anstoß“ erzählt vom Sport als kapitalistischer Maschine, von der Opferung des Körpers (Doping, Verletzungen, Diäten), vom tabuisierten psychischen Druck und den Depressionen der Einzelnen, von ­Rivalität und Homophobie. Kavin führt unterschiedliche Stimmen zusammen, Sportler, Fans und Angehörige, Trainer und Bosse, Journalisten, Ärzte und Schiedsrichter. Auf der an zwei Seiten von Zuschauertribünen gesäumten Bühne agieren 13 Schauspielerinnen und Schauspieler in wechselnden Rollen. Sie tragen diverse Sportdressen: als die zum Attentat getriebene Eiskunstläuferin Tonya Harding oder als der alkoholkranke…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2019

Kolumne

Sprengstoffpreis

Peter Handke und der Feuilletonistenkrieg

von Josef Bierbichler

Die Reaktionen kamen so prompt und unversöhnlich, als hätten sie nur darauf gewartet, dass er ihn kriegt, bei der Galle, die sie auf der Stelle parat hatten. Sie haben geahnt, dass er ihn irgendwann noch kriegen könnte. Sie sind alle vom Fach. Sie haben stillgehalten, bis er ihn tatsächlich noch gekriegt hat. Dann haben sie es noch einmal krachen lassen. Sprengstoffpreisgerecht. Auf der Höhe einer damaligen Zeit. Zur Vergewisserung, dass ihr einhelliges Urteil, gefällt von ihnen 25 Jahre zuvor, immer noch vor der Öffentlichkeit Bestand hat. Und sie haben recht gekriegt. Auf die Öffentlichkeit ist Verlass. Vielleicht hätte er ihn nicht nehmen sollen. Aber dann hätte er ihnen recht gegeben, dass sein Schreiben und Reden damals verwerflich war. Und sie wären trotzdem über ihn hergefallen. Das wusste er. Das jahrlange Stillhalten-Müssen hätte es ihnen auch dann abverlangt. Und der nagende Wurm des Recht-behalten-Wollens, der sich nährt an der Selbstgerechtigkeit, bis er gesättigt ist mit Selbstgewissheit. Es hätte ihm nichts geholfen, wenn er den Preis nicht genommen hätte. Gibt es zugunsten eines schreibenden Subjekts, das Schriftstellerin oder Schriftsteller ist oder investigative*r Journalist*in, den Begriff überhaupt: helfen? Das schreibende Subjekt kann sich das, was es schreibt, nicht einfach ausdenken. Es muss ihm passieren. Schreiben, das sich denkt, weiß, was es will. Ein schriftstellerndes Subjekt weiß das nicht. Es muss nicht wissen, wa­rum es was geschrieben hat,…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2019

Künstlerinsert

Hacken für das Theater

Die CyberRäuber kreieren Hyperbühnen, in denen sich virtuelle und erweiterte Realität sowie künstliche Intelligenz mit konventionellem Theater verbinden

von Tom Mustroph

Marcel Karnapke und Björn Lengers reisen mit leichtem Gepäck. Zu den Proben von „Prometheus Unbound“, ihrem Mitte Dezember am Landestheater Linz zur Uraufführung kommenden Stück über den antiken Technologie-Pionier, packt Karnapke ein paar Tablet-Computer, sein Laptop, eine 360-Grad-Kamera und diverse Kabel und Akkus ein. Alles hat Platz in einer großen Plastiktüte vom Baumarkt. „Gute Projektoren haben die Theater meistens schon selbst. Was wir für die Bühne brauchen, passt tatsächlich hier rein“, meint Karnapke, studierter Medienkünstler, später Forschungsassistent in Cambridge und aktuell Entwickler für VR- und AR-Anwendungen*, trocken. Ähnliches gilt für die Software. „Viele Programme und Apps sind Open Source“, ergänzt Björn Lengers, eigentlich gelernter Kaufmann, schließlich Gründer eines Unternehmens für Datenanalyse und seit 2016 CyberRäuber. Beide zeichnet eine wohl einzigartige Mischung aus Technologieaffinität, Pioniergeist, Pragmatismus und Liebe zum Theater aus. Clou ihrer ersten Arbeit für ein Theater, einer Virtual-Reality-Version von Friedrich Schillers „Die Räuber“ am Deutschen Theater in Berlin, war, dass man im digitalisierten Foyer des Hauses herumwandeln und dort auf Stückfiguren treffen konnte. Man konnte sich zwischen Franz und Amalia stellen und sogar in ihre digitalen Silhouetten schlüpfen – aus der Perspektive des einen auf den anderen blicken. Multiperspektivität ist ohne Frage ein großer Vorteil des Theaters im virtuellen Raum. Die Raumerfahrung…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2019

documenta 8

(Küssende Fernseher)

von Ralph Hammerthaler

Ende Oktober 1981 war das proT erstmals in einer großen Ausstellung zu sehen. Für ein Theater mag das ungewöhnlich erscheinen, nicht so aber für das proT, denn Sagerer fühlte sich bildenden Künstlern oft enger verbunden als Theatermachern. Schon sein früher Komplize von Hündeberg war Maler. Nikolai Nothof und Karl Aichinger, beide als Schauspieler im Ensemble, fingen in den 1970er Jahren an zu malen und stellten ihre Bilder im Kellertheater aus. Bei Aktionsabenden des proT lösten sich die Grenzen der Genres ohnehin auf. Dafür, dass sich die Kontakte zur Kunstszene vertieften, sorgte nun Brigitte Niklas. In der Künstlerwerkstatt Lothringer Straße 13 zeigten zwölf Münchner Künstler Videoinstallationen, darunter auch Barbara Hamann und Wolfgang Flatz. Die Installation des proT erwies sich als aufwändig, denn sie konnten nicht anders, als mit dem ganzen Theater anzurücken. Ihr Kunst-Video hing an der Produktion Münchner Volkstheater oder umgekehrt: Das Theater hing am Kunst-Video, umso mehr, als es davon seine Einsätze bezog. Wie oben erwähnt, führte bei diesem Stück das Video Regie. Im Gespräch mit dem Magazin Videokontakt antwortete Sagerer auf die Frage nach der Grenze zwischen den Genres: „Alles, was ich mache, fällt unter den Begriff ‚Theater‘. Das Theater ist die einzige unbegrenzte Kunst, vom Material her eigentlich überhaupt nicht definierbar. Alles, was unter dem Namen ‚Theater‘ passiert, wird Theater. Wenn man Film im Theater einsetzt, ist es kein Film mehr, sondern…mehr

aus dem Buch: Alexeij Sagerer – liebe mich, wiederhole mich

Der kognitive Schwindel

In den hyperrealen Räumen von Signa Köstler und Mona el Gammal öffnet sich zwischen Realität und Fiktion ein verstörender Spalt

von Mirka Döring, Mona el Gammal und Signa Köstler

Signa Köstler und Mona el Gammal, für das bürgerliche Trauerspiel forderte Lessing eine Zuschauerilludierung, die dem Zuschauer die Leidenschaften des Dramas nicht nur beschrieb, sondern ihn förmlich in das Geschehen hineinzog, damit dieser sympathi­sierte – ob er wollte oder nicht. Die Avantgarde des 20. Jahrhunderts hingegen erkannte im Zuschauen eine sinnliche Handlung, die es beim Publikum zu aktivieren und zu dynamisieren galt, wozu vor allem die traditionelle Trennung von Zuschauer­ und Bühnen­raum aufgehoben werden musste. Wenn man so in die Theater­geschichte schaut, kann man sowohl die SIGNA­-Performances als auch die ohne Performer auskommenden Narrative Spaces, wie Sie, Mona el Gammal, Ihre eigenen Arbeiten nennen, als eine gelungene Synthese beider Traditionen lesen. Würden Sie da zustim­men? Signa Köstler: Mein Hintergrund ist keiner des Theaters. Ich komme aus der bildenden Kunst, habe Kunstgeschichte und Film- und Medienwissenschaft studiert. Meine Kunst hat ihren Ausgangspunkt in der Installationskunst – und eigentlich auch in Nachtclubs, wo ich als sogenanntes Champagnermädchen gearbeitet habe. Solche Clubs sind ja eigentlich auch inszenierte Räume, in denen eine auf individueller, intimer Aktion basierte Performance stattfindet, was durchaus künstlich ist. Dort wird die Illusion einer Authentizität erschaffen, es geht darum, Gefühle, Begierde und so weiter zu simulieren, eben darum, so zu tun als ob. Vor dem Theatertreffen, zu dem wir 2008 mit „Die…mehr

aus dem Buch: Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

Sekunden der Unordnung

Bert Neumann über dem Marketing unterworfene Produktionsprozesse

von Ute Müller-Tischler und Bert Neumann

Bert Neumann, Sie haben immer wieder gesagt, dass Sie sich als bildender Künstler verstehen, weil Sie ohne künstlerische Freiheit nicht arbeiten können. Wie kommt es, dass Sie dann doch am Theater gelandet sind? Tatsächlich habe ich mein erstes Engagement am Stadttheater, das war direkt nach dem Studium, vorzeitig beendet. Ich fühlte mich da fehl am Platz, unfrei, und habe mich auf die Suche nach Alternativen gemacht. Es hat dann einige Jahre gedauert, bis das Angebot mit der Berliner Volksbühne kam. Da konnten wir selbst die Regeln bestimmen, das war ein völlig anderes Gefühl als an anderen Theatern. Das war ein einmaliger Freiraum, verbunden mit Produktionsbedingungen, die mir der Kunstmarkt nicht hätte bieten können. Wie war es damals, als Frank Castorf Sie an die Berliner Volksbühne geholt hat und Sie zusammen den Theaterbegriff erweitert und so etwas wie eine ästhetische Wende eingeführt haben?Der Vorgang, dass wir da ein Theater bekommen haben, ohne uns darum beworben zu haben, ohne Lobby und dickes Telefonbuch, so was wäre heute nicht mehr denkbar. Das hatte mit der politischen Situation zu tun, auch mit der Sekunde Unordnung, wenn ein System zusammenbricht. Und mit einer Kulturpolitik, die sich noch auf Risiken einlassen wollte. Es gab da einen Moment der scheinbar unbegrenzten Möglichkeiten in der ganzen Stadt, billige Mieten und damit Räume für Unabhängigkeit. Die Beschwörung dieses Gefühls ist heute nur noch als Bestandteil von Standortmarketing existent. Und…mehr

aus dem Buch: Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

Brecht lesen – Gesichter und Aspekte

von Hans-Thies Lehmann

Es gehört keine besondere Prophetengabe dazu, ein erneuertes Interesse an Brecht in den kommenden Jahren vorherzusagen. Zum einen rückt der 70. Todestag des Dichters näher, sodass vom 1. Januar 2027 an Brecht „frei“ sein wird. Auch wenn die Zulassungspolitik der Erben schon etwas nachgiebiger geworden ist, lässt sich vorhersehen, dass ein unvoreingenommener Blick auf Brecht jenseits der orthodoxen Rezeption auf dem Wege ist. Zum anderen ist gesellschaftlich und politisch viel in Bewegung geraten. Die politische Mentalität hat sich verändert. Neue politische Fronten sind aufgetaucht, eine verschärfte Kritik und Selbstkritik der (westlichen) Demokratien verbindet sich mit dem Gefühl, dass die eigene Verantwortung Europas und des Westens für die Katastrophen im Süden der Welt verleugnet wird. In dieser veränderten Lage tritt immer deutlicher hervor, dass längst vergessene Kategorien wie Kapital und Geldzirkulation, Bankenmacht und Ausbeutung wieder aktuell klingen. Das verbliebene Restvertrauen in die sogenannten Eliten ist mehr oder minder ruiniert. Immer weniger akzeptieren die Menschen die Tatsache des obszönen Reichtums einer kleinen Gruppe, der für diese eine unfasslich große Macht bedeutet, die keinerlei Kontrolle oder Legitimität unterliegt. Weltweit ist zu beobachten, dass die Formen der Repräsentation in die Krise geraten sind. Immer öfter geben große Menschenmassen auf den Straßen ihren Forderungen Ausdruck. Nicht undenkbar, dass die Empörung über einzelne Auswüchse…mehr

aus dem Buch: Brecht lesen

Castorf, durchdekliniert

von Jan Klata

1988 fuhren mein Vater und ich in einem verrosteten Auto der Marke Polski Fiat durch das nächtliche Ostberlin. Wir hielten am Alexanderplatz. Ich war nie zuvor in Berlin gewesen, aber dank Adolf Hitler, Max Otto von Stierlitz, Iggy Pop und David Bowie hatte mich die Stadt schon seit langem tief beeindruckt. Mitternacht war bereits vorüber und die ganze Bevölkerung Berlins schien sich ausschließlich aus Uniformträgern zusammenzusetzen. Der Alexanderplatz wurde gerade sorgfältig gereinigt. Ich wusste damals nicht, dass nur wenige hundert Meter entfernt das große Gebäude der Volksbühne steht. War Frank Castorf damals in Berlin? Oder in Karl-Marx-Stadt? Bin ich im Polski Fiat in Frankfurt an der Oder an ihm vorbeigefahren? Ich war fünfzehn, halb Kind, halb erwachsen, eine slawische Puppe vor dem Ausschlüpfen. Im nächsten Jahr sollte sich die Welt jäh verändern, ich aber hatte keine Ahnung, dass so viele Dinge darauf harrten, benannt zu werden. Im Theater. Und dass Castorf dies tun würde. In jener Nacht war ich im Herzen Ostberlins, selbst angeblich aus dem Osten, aber aus einer Art nahem Osten, einem für Exotik nicht genug östlichen Osten, aus Warschau, nicht aus Moskau, aus dem gleichen Lager, wie behauptet wurde, aber ärmer, (genetisch) oppositioneller, zu Anfällen selbstmörderischer Anarchie neigend. Von Berlin eingeschüchtert, doch zugleich fasziniert, wie das sprichwörtliche Wild auf der Autobahn, das in die Schweinwerfer des sich unerbittlich nähernden Schicksals starrt.…mehr

aus dem Buch: Castorf

Beiträge

Der schwere Weg ins Theater

Kulturelle Diversität als Herausforderung im Theater für junges Publikum

von Bernd Mand

Wer geht ins Theater und wer nicht? Und vor allem warum? Hemdsärmelig heruntergebrochen könnte man die Diskussion um die Öffnung des Theaters für Junges Publikum für Menschen, die bisher den Weg ins Theater nicht fanden, wohl zusammenfassen. Eine Diskussion, die schon lange geführt wird und zu viel Kopfzerbrechen bei Theatermachern und Veranstaltern führt. Und eine Diskussion, die mit den Jahren nicht unbedingt einfacher geworden ist. So jedenfalls schien es bei der Reflexionsveranstaltung anlässlich des Tag der Theaterpädagogik, zu der das Förderprogramm „Wege ins Theater“ der ASSITEJ e. V. in Kooperation mit FLUX, LaPROF und dem Bundesverband Theaterpädagogik (BuT) eingeladen hatte. „Diversitätsorientiertes Audience Development. Eine bildungs- und kulturpolitische Herausforderung im Theater für junge Zuschauer“ lautete die Überschrift der Veranstaltung, die Theaterpädagogen, Dramaturgen, Theatermacher und Kulturvermittler ins Theaterhaus Frankfurt brachte. Im Podiumsgespräch mit Ipek Abali (Westfälisches Landestheater Castrop-Rauxel), Volkan T., (Akademie der Autodidakten im Ballhaus Naunynstraße, Berlin) und Ute Bansemir (Theaterperipherie Frankfurt) und im Kurzimpuls von Anna Eitzeroth (Projektleiterin des ASSITEJ-Programms „Wege ins Theater“) wurden dabei unterschiedliche Ansätze, Formate und Strukturbeispiele vorgestellt, die vom Scoutprogramm bis zur künstlerischen Beteiligung Ideen darstellten, wie man sein Publikum über kulturelle Unterschiede hinweg erreicht und…mehr

aus der Zeitschrift: IXYPSILONZETT 02/2016

Thema

Deutsch-deutsche Asymmetrien

Thomas Krüger, Präsident der Bundeszentrale für politische Bildung, über die Erfindung des Ostdeutschen und koloniale Aspekte der Wiedervereinigung im Gespräch mit Anja Nioduschewski

von Thomas Krüger und Anja Nioduschewski

Thomas Krüger, Sie haben 2017 in einem Interview für die Berliner Zeitung gesagt: „In der Fläche wird die Dominanz der Westdeutschen in den Eliten immer noch als kultureller Kolonialismus erlebt.“ Das Stichwort „kultureller Kolonialismus“ hat sehr viel Unmut auf sich gezogen. Später meinten Sie, Sie würden das so nicht wieder sagen. Im April waren Sie in Dresden auf einer Tagung unter dem Titel „Kolonie Ost?“, die sich mit Aspekten von „Kolonisierung“ nach 1990 im Osten Deutschlands auseinandersetzte. Ist der Begriff doch gerechtfertigt? Mit dem Begriff des „kulturellen Kolonialismus“ wollte ich eigentlich an die lateinamerikanische Dependenztheorie des Soziologen Aníbal Quijano anknüpfen. Dieser spricht von „Kolonialität“ als Praktik, bei der bestimmte Asymmetrien, die existiert haben, fortbestehen und sich unter den neuen ökonomischen Bedingungen reproduzieren. So ähnlich ist dies kulturell nach 1989/90 auch hier zu beobachten: dass Asymmetrien sich eingeschrieben und zu einer kompletten Unterrepräsentanz Ostdeutscher und auch zu einem Rauserzählen ostdeutscher Diskurse im wiedervereinigten Deutschland geführt haben. Das betrifft alle Institutionen, in der Wirtschaft, in der Politik, an Universitäten und so weiter.Überall sind Ostdeutsche in leitenden Positionen unterrepräsentiert. Es entstehen Asymmetrien, Dependenzen, einseitige Machtstrukturen. Dieser Mechanismus ist viel zu wenig reflektiert worden. Ich bin, wenn man so will, selber eine große Ausnahme. Und das…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2019

Magazin

Interventionistische Hologrammfamilie

In „Stonewall Uckermark – ein queerer Heimatfilm“ erteilen Tucké Royale und Johannes Maria Schmit bisherigen identitätspolitischen Vorstellungen eine Absage

von Paula Perschke

Markus Hawemann ist zerrissen. Ohne das queere Potenzial der nahe liegenden Großstadt jemals ausgetestet zu haben, lebt der erwerbslose Endzwanziger ziemlich unaufgeregt in der idyllischen Uckermark, im Plattenbau. Zusammen mit seiner Großmutter und deren Partnerin bestreitet er seinen Alltag. Eines Tages verliebt sich Markus Hawemann, gespielt von Tucké Royale, in Duc, einen Weggezogenen, der aus der Hauptstadt kurzzeitig in die Uckermark zurückgekehrt ist. Gemeinsam nach Berlin kann Markus mit ihm jedoch nicht gehen, die Sorge für seine Großmutter steht für ihn unverhandelbar an erster Stelle. In den Momenten seiner Einsamkeit imaginiert sich der junge Mann Gleichgesinnte. Menschen, wie sie in Berliner Szene­kneipen leicht zu finden sind. Nahezu fabelhaft, euphorisch und ausgedehnt hedonistisch erscheinen sie immer wieder in seinen Gedanken. Halluzinationen einer offeneren und schillernden Welt. Eine weit entfernte Community, zu der Markus Hawemann gern ge­hören würde. „Hologrammfamilie“ nennt Hauptdarsteller und Autor Tucké Royale diese Erscheinungen. Wie schön wäre es, wenn die Uckermark statt von unzähligen Seen und Alleen mit feierfreudigen, genderqueeren Menschen bevölkert sein könnte! Diese Idee hat das Künstlerduo Tucké Royale und Johannes Maria Schmit, die seit einigen Jahren zusammenarbeiten, fasziniert. Deshalb sind sie genau dort hingegangen, wo Queerness und Kunst vielleicht nicht primär vermutet werden, aber trotzdem existieren. Anlässlich des 50.…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 11/2019

Theater als Schule der Medienmündigkeit

Kay Voges, Intendant des Schauspiels Dortmund und Gründungsdirektor der Akademie für Theater und Digitalität, über die digitale Moderne auf der Bühne im Gespräch

von Anja Nioduschewski und Kay Voges

Kay Voges, Sie haben in Dortmund nicht nur als Intendant Ihrem Theater die Digitalisierung auf die Fahnen geschrieben, sondern gleich auch noch eine Akademie für Theater und Digitalität gegründet, um das Theater „fit für die digitale Moderne“ zu machen. Vertrauen Sie nicht auf die Kompetenz der neuen Generation von Digital Natives unter den Theatermachern? Wo liegt die Notwendigkeit, es gezielt anzugehen? Das hat weniger mit Vertrauen zu tun, sondern eher mit unserer Arbeit der vergangenen Jahre, in der wir verschiedenen Themen und Fragestellungen nachgegangen sind, die sich aus der umfassenden Digitalisierung von Arbeit, Leben, Gesellschaft und Politik ergeben haben. Wir haben eine ganze Reihe an Inszenierungen entwickelt, die im weitesten Sinne von einem digitalen mindset gespeist sind und sich durch digitale Verfahrensweisen und Technologien auf der Bühne auch anders erzählen.Unsere Erkenntnis war die eines dreifachen Mangels: 1. Mangel an Zeit und Raum für die künstlerisch-technische Recherche von digitalen Technologien hinsichtlich ihres Einsatzes auf der Bühne, 2. Mangel an Personal und damit verbunden an Fachkenntnissen, der nur durch das Einbinden von Menschen, die ­bisher nicht an Theatern arbeiten, aufhebbar erschien, 3. Mangel an Geld für die Anschaffung spezieller Hard- und Software. Dies alles hebt die Akademie durch berufsspezifische Weiterbildung – Stichwort lebenslanges Lernen –, eine geplante universitäre Ausbildung und ganz besonders durch unser…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2019

„Sie hat den Kopf eines Grenzpolizisten und das Herz eines Flüchtlingshelfers“

Thomas Bärnthaler und Malte Herwig besuchen Frontex. Gespräch am 3. Oktober 2015

von Thomas Bärnthaler, Jens Bisky und Malte Herwig

Bisky: Bemühen Sie sich ein wenig zu erfahren, was Sie nie wissen können – den Satz haben wir gerade in der Aufführung gehört. Nun wollen wir es versuchen. Ich freue mich, mit zwei erfolgreichen Kollegen sprechen zu können: Malte Herwig hat einige Bücher geschrieben, darunter eines über die Flakhelfergeneration und eine Peter- Handke-Biographie. Thomas Bärnthaler arbeitet seit vielen Jahren im Magazin der Süddeutschen Zeitung. In diesem Magazin haben die beiden im Juli des vergangenen Jahres eine Reportage über die Agentur Frontex veröffentlicht. Frontex ist eine Abkürzung des französischen Terminus für Außengrenzen. Die offizielle Bezeichnung werde ich mir wahrscheinlich bis ans Ende meines Lebens nicht merken können, die lautet nämlich „Europäische Agentur für die operative Zusammenarbeit an den Außengrenzen der Mitgliedstaaten der Europäischen Union“. Sie merken, zweimal europäisch, darüber werden wir dann noch reden müssen. Es handelt sich um eine Behörde. Nach meinen Erfahrungen im Umgang mit Behörden würde ich sagen, sie neigen alle, selbst wenn es dabei nicht um Leben und Tod geht, dazu, immer mal wieder Anfälle von nordkoreanischer Informationspolitik zu bekommen. Wie kompliziert, Herr Bärnthaler, ist es, einen Termin bei Frontex zu bekommen? Haben Sie da einfach angerufen und die haben gesagt: Ja, klar, kommen Sie mal vorbei? Bärnthaler: Erstaunlicherweise war es tatsächlich so. Ich hab mir das auch schwieriger vorgestellt. Die Flüchtlingsproblematik ist ja nicht…mehr

aus dem Buch: Du weißt ja nicht, was die Zukunft bringt

Hamlets Schlachthaus

Wie das Teatr Polski in Poznań dem PiS-regierten Polen politisch wie ästhetisch hochspannendes Theater entgegensetzt

von Thomas Irmer

Die polnischen Parlamentswahlen im Oktober haben an den Verhältnissen wenig geändert. Die nationalkonservative PiS ging sogar gestärkt aus ihnen hervor, und der in ihrem Sinn gestaltete Umbau der Gesellschaft wird fortgesetzt. Was auch heißt, dass die unselige Spaltung des Landes in der Kultur bestehen bleibt. ­Immerhin sind einige größere Städte nämlich nicht in der Hand der Nationalkonservativen, sondern werden von der liberalen Opposition Bürgerplattform (PO) regiert. Die Theaterlandschaft gliedert sich daher in einen Teil, wo die PiS Intendanten eingesetzt hat, die ihrer ­Auffassung von nationaler Kunst und polnischer Geschichte er­geben sind, und in einen anderen, wo das seit der Jahrtausendwende erneuerte und zumeist politisch wache Theater sich wei­ter­entwickeln kann (siehe Polen-Schwerpunkt in TdZ 10/17). Die Stadt Poznań in Westpolen ist dabei ein ganz besonderer Fall. Mit dem Malta-Festival ist die Stadt seit 1991 Bühne für internationales Theater. Für das jährlich im Juni stattfindende Groß­ereignis, ursprünglich für Straßentheater und experimentelle ­Formen gegründet, beruft die Festivalleitung renommierte Theaterleute wie Romeo Castellucci als Kuratoren und lädt auch schon mal die Gesamtkunst­musiker Kraftwerk zum Konzert ein, die sonst gerne in den edelsten Museen der Welt auftreten. Unter den Theatern der Stadt ragte stets das Teatr Polski heraus, das die angesprochene Theater­erneuerung vor zwanzig Jahren unter den Intendanten Paweł Łysak und Paweł…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2019

Heilbronn: Die Toten sind unruhig

Theater Heilbronn: „Germania 3. Gespenster am Toten Mann“ von Heiner Müller in einer Fassung von Axel Vornam und Mirjam Meuser. Regie Axel Vornam, Ausstattung Tom Musch

von Björn Hayer

Es ist die große, jedoch unvollendete Abrechnung mit der Moderne, an der Heiner Müller bis zu seinem Tod 1995 arbeitete: „Germania 3. Gespenster am Toten Mann“. Noch einmal versammeln sich dazu all die Schreckens­figuren und trügerischen Charismatiker des 20. Jahrhunderts auf der Bühne des Theaters Heilbronn: ganz vorneweg Stalin (Rahel Ohm), der nach markigen Wendungen wie „Der Mensch wiegt nicht mehr als seine Akte“ und ohnehin sei er nur „trübes Material“ schließlich bekennt, vor seinem eigenen Schatten Angst zu haben. Kurz darauf erscheint ein karikaturenhaft verzerrter Hitler (Sonja Isemer) mit einem über die Schulter gehängten Kartonpanzer. Während die Diktatoren um ihre Macht ringen, kämpfen andere um ihr Über­leben. Die nicht einsehbare Vertiefung am vorderen Rand der Bühne, die auch meta­phorisch die Allgegenwart des ­Abgrunds ­widerspiegelt, dient mitunter als Schützengraben. Bei herabfallendem Schnee wird dort gehungert und gestorben. Obgleich das Stück keinerlei durchgehende Handlung bietet, sondern aus lose ­aneinandergereihten Szenentableaus besteht, gibt der zu Beginn und am Ende auftretende Autor dem Geschehen einen Rahmen. Er, ­melancholisch rauchend gespielt von Stefan Eichberg, ist das schlechte Gewissen der kriegstreibenden Völker, der unbeirrbare Chro­nist des Grauens. Zwar reflektiert er die Vergangenheit, ermahnt jedoch zugleich die Gesellschaft der Gegenwart. So klingen die auf zwei Weltkriege bezogenen Sätze „Europa Der Stier ist geschlachtet ……mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 12/2019