Florentina Holzinger – Tanz

Koproduktion: Münchner Kammerspiele, Spirit und Tanzquartier Wien, Spring Festival, Theater Rotterdam, Künstlerhaus Mousonturm. Bühne Nikola Knezevic, Dramaturgie Renée Copraij, Sara Ostertag

von Christine Wahl

„Ich habe gelernt, dass man Spaß haben muss“ Es gibt diese Abende, an denen man einfach nicht vorbeikommt. Diese absolut zwingenden Aufführungen, bei denen es so gut wie unmöglich ist, jemanden zu treffen, der sie nicht für bahnbrechend hält – selbst in der Theaterbranche, die ja nicht direkt unter Enthusiasmus-Generalverdacht steht. Die Gründe, die für die Begeisterung angeführt werden, sind dabei völlig unterschiedlich: ein untrügliches Zeichen dafür, dass es sich um echte Kunst handelt. Genau so ein Abend ist Florentina Holzingers „Tanz“. Die Produktion, die letzten Herbst im Tanzquartier Wien Premiere feierte, nimmt das von Luftgeistern bevölkerte Ballett „La Sylphide“, mit dem das zweifelhafte Ideal von der federleicht schwebenden Ballerina herbeifantasiert wurde, beim Wort und zeigt die Arbeit hinter diesem Image. „Eine sylphidische Träumerei in Stunts“ heißt die Aufführung im Untertitel, in der Profis der Flugkunst – also Stuntfrauen, Tänzerinnen und andere Spezialistinnen der Schwe- relosigkeit – abendfüllend durch die Luft wirbeln. Wie Holzinger selbst und ihre Kolleginnen dort – unter anderem – spektakuläre Akrobatikchoreografien an Motorrädern vorführen, die in luftiger Höhe vom Schnürboden hängen, brennt sich unmittelbar ins Thea- tergedächtnis ein. Dabei beginnt alles ganz klassisch – als Ballettstunde. Die Elevinnen tragen die Stangen auf die Bühne und üben geschäftig ihre Pliés und Jetés. Gewöhnlicher Tanzschulenalltag, könnte man meinen – wenn nicht die…mehr

aus dem Buch: Radikal jung 2020

documenta 8

(Küssende Fernseher)

von Ralph Hammerthaler

Ende Oktober 1981 war das proT erstmals in einer großen Ausstellung zu sehen. Für ein Theater mag das ungewöhnlich erscheinen, nicht so aber für das proT, denn Sagerer fühlte sich bildenden Künstlern oft enger verbunden als Theatermachern. Schon sein früher Komplize von Hündeberg war Maler. Nikolai Nothof und Karl Aichinger, beide als Schauspieler im Ensemble, fingen in den 1970er Jahren an zu malen und stellten ihre Bilder im Kellertheater aus. Bei Aktionsabenden des proT lösten sich die Grenzen der Genres ohnehin auf. Dafür, dass sich die Kontakte zur Kunstszene vertieften, sorgte nun Brigitte Niklas. In der Künstlerwerkstatt Lothringer Straße 13 zeigten zwölf Münchner Künstler Videoinstallationen, darunter auch Barbara Hamann und Wolfgang Flatz. Die Installation des proT erwies sich als aufwändig, denn sie konnten nicht anders, als mit dem ganzen Theater anzurücken. Ihr Kunst-Video hing an der Produktion Münchner Volkstheater oder umgekehrt: Das Theater hing am Kunst-Video, umso mehr, als es davon seine Einsätze bezog. Wie oben erwähnt, führte bei diesem Stück das Video Regie. Im Gespräch mit dem Magazin Videokontakt antwortete Sagerer auf die Frage nach der Grenze zwischen den Genres: „Alles, was ich mache, fällt unter den Begriff ‚Theater‘. Das Theater ist die einzige unbegrenzte Kunst, vom Material her eigentlich überhaupt nicht definierbar. Alles, was unter dem Namen ‚Theater‘ passiert, wird Theater. Wenn man Film im Theater einsetzt, ist es kein Film mehr, sondern…mehr

aus dem Buch: Alexeij Sagerer – liebe mich, wiederhole mich

Sekunden der Unordnung

Bert Neumann über dem Marketing unterworfene Produktionsprozesse

von Ute Müller-Tischler und Bert Neumann

Bert Neumann, Sie haben immer wieder gesagt, dass Sie sich als bildender Künstler verstehen, weil Sie ohne künstlerische Freiheit nicht arbeiten können. Wie kommt es, dass Sie dann doch am Theater gelandet sind? Tatsächlich habe ich mein erstes Engagement am Stadttheater, das war direkt nach dem Studium, vorzeitig beendet. Ich fühlte mich da fehl am Platz, unfrei, und habe mich auf die Suche nach Alternativen gemacht. Es hat dann einige Jahre gedauert, bis das Angebot mit der Berliner Volksbühne kam. Da konnten wir selbst die Regeln bestimmen, das war ein völlig anderes Gefühl als an anderen Theatern. Das war ein einmaliger Freiraum, verbunden mit Produktionsbedingungen, die mir der Kunstmarkt nicht hätte bieten können. Wie war es damals, als Frank Castorf Sie an die Berliner Volksbühne geholt hat und Sie zusammen den Theaterbegriff erweitert und so etwas wie eine ästhetische Wende eingeführt haben?Der Vorgang, dass wir da ein Theater bekommen haben, ohne uns darum beworben zu haben, ohne Lobby und dickes Telefonbuch, so was wäre heute nicht mehr denkbar. Das hatte mit der politischen Situation zu tun, auch mit der Sekunde Unordnung, wenn ein System zusammenbricht. Und mit einer Kulturpolitik, die sich noch auf Risiken einlassen wollte. Es gab da einen Moment der scheinbar unbegrenzten Möglichkeiten in der ganzen Stadt, billige Mieten und damit Räume für Unabhängigkeit. Die Beschwörung dieses Gefühls ist heute nur noch als Bestandteil von Standortmarketing existent. Und…mehr

aus dem Buch: Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

Protagonisten

Das Kolloquium von Äschnapur

München feiert fünfzig Jahre proT – doch statt eines Symposiums hätte man lieber ein neues Werk von Alexeij Sagerer gesehen

von Sabine Leucht

Der Preis für den besten Spruch geht an Andreas Ammer. „Lieber Alexeij“, sagt der Münchner Hörspielmacher, „ich gratuliere dir zu deinem neuen Stück. Es ist eines deiner radikalsten geworden: ,Das Kolloquium von Äschnapur‘.“ Das Lachen über die Engführung eines eben zu Ende gegangenen zwölfstündigen Symposium-Marathons mit Alexeij Sagerers erstem theatralem Langzeitprojekt „Der Tieger von Äschnapur“, das von 1977 bis 1989 stattfand, vereint Referenten und Zuhörer. Dann geben ­Ammer und der außerhalb Münchens weniger prominente Anton Kaun ein „Kleines Krachkonzert“, das die versammelten Hirne schön leer bläst – und obendrein mehr mit Sagerers unmittel­barem Theater zu tun hat als vieles zuvor Gehörte. Alexeij Sagerers proT wurde am 27. November 1969 in der Isabellastraße 40 in München eröffnet. Hinter dem Kürzel verbirgt sich offiziell das Prozessionstheater. Prozess oder Protest werden auch gerne mit ihm assoziiert. Die Tanzwissenschaftlerin Gabriele Brandstetter bezeichnet es gar als Proto-Theater, habe es doch viele Mittel der Performancekunst vorweggenommen. Sagerer selbst nennt es schlicht „Theater vor dem Theater“. Prototheatral und postdramatisch war das proT in der Tat bereits dreißig Jahre bevor Hans-Thies Lehmann das Label erfand, das derzeit ebenfalls Geburtstag feiert. Lehmann ist ein Chronist, ein Hinterher-Denker und -Schreiber. Sagerer dagegen ist ein Pionier, An­packer und Voraus-Macher, der Theater als etwas versteht, in dem alles zum Material wird, auch das…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 1/2020

Aktuelle Inszenierungen

Heimisch werden auf der digitalen Bühne

Digitales Theater I: Chat-Games und VR-Erlebnisse

von Tom Mustroph

Theaterprodukte in den digitalen Raum zu werfen, ist gar nicht so schwierig. In Lockdown-Zeiten wurden Webbrowser kurzerhand zu Schaufenstern eines ganzen Archipels von Theatermuseen. Was wurde nicht alles ins Netz geschaufelt, was jahrelang auf Festplatten und Videokassetten gespeichert war, ohne dass je ein menschliches Auge von den Inhalten Notiz genommen hätte? Als Hinweis auf die Relevanz von Theatermuseen war diese Streaming-Praxis sicherlich gut. Die Stärken des Theaters verloren sich aber dabei. Emotionen durchdrangen nur selten die neue vierte Wand von Computerbildschirm und Smartphone-Oberfläche. Gelang dies doch, so war es meist das Werk von Künstlerinnen und Künstlern, die nicht aus purer Vorstellungsabsagenot ins digitale Wasser gesprungen waren, sondern die sich schon länger mit virtuellen und Onlineformaten auseinandergesetzt hatten. Ganz stoisch, ohne sich von Corona beeinflussen zu lassen, zog etwa die Gruppe Onlinetheater.live ihren Projektfahrplan für ­„Hyphe“ durch. Ein Jahr lang dauerte die Produktion dieses Multiplayer-Theater-Games, mehrere Monate nahm allein die Programmierung der Chatplattform in Anspruch. Zugang erhielt man über einen Login an einem herkömmlichen Webbrowser. Ein Countdown zählte die Minuten zum Start herunter – und dann war man in einen kleinen Pilz verwandelt und sollte rhizoma­tische Beziehungen mit anderen Pilzen eingehen. Das tat man auch, und verfolgte über eine Karte, wie sich die eigenen Beziehungen und auch die der anderen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2020

Skandalkeule statt Debattenkultur

Über die Antisemitismusvorwürfe gegen Achille Mbembe und die Absage der Ruhrtriennale

von Sascha Westphal

Am 22. April wurde die diesjährige Ausgabe der Ruhrtriennale abgesagt. Der Aufsichtsrat der Kultur Ruhr GmbH, der Trägerin des Festivals, hat diesen radikalen Schritt mit der gegenwärtigen Coronapandemie und der sich aus ihr ergebenden Planungsunsicherheit begründet. Eine letzten Endes zu erwartende Entscheidung. Dennoch fällt auf, dass die Absage relativ früh erfolgt ist, vier Monate vor Beginn des Festivals, das am 14. August in der Bochumer Jahrhunderthalle eröffnet werden und bis zum 20. September stattfinden sollte. Außerdem überrascht es, dass Stefanie Carp, die künstlerische Leiterin der Ruhr­triennale, die ihre dreijährige Intendanz mit dieser Ausgabe beendet, anscheinend kaum in die Entscheidungsfindung einbezogen wurde. Hintergrund ist vermutlich ein bereits seit 2018, Carps erstem Jahr als künst­lerischer Leiterin, bestehender Konflikt ­zwischen der Festivalchefin und den in Nordrhein-Westfalen Verantwortlichen für die Ruhrtriennale, der erneut aufgebrochen scheint. Damals ging es um die Ein-, Aus- und Wiedereinladung der schottischen Band Young Fathers, die der BDS-Kampagne ­nahesteht, welche seit etwa zwei Jahrzehnten die kulturelle, politische und wirtschaftliche Isolation Israels propagiert. Wenngleich das Konzert am Ende trotzdem nicht stattfand – die Band hatte letztlich selbst abgesagt –, hatte die Diskussion um die Young Fathers eine Frontlinie geschaffen. Fortan herrschte zwischen der Festivalleiterin und den sie kritisierenden Politikern und…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2020

Gespräch

Was macht das Theater, Wolfgang Schneider?

von Sabine Leucht und Wolfgang Schneider

Wolfgang Schneider, was machen die ­Theater falsch, dass sie erst lange nach der Bundesliga und den Biergärten in den Fokus der Politik gerückt sind? Ihre Frage müsste andersherum gestellt werden: Wie haben es DFL, Gastronomiebetriebe und dergleichen geschafft, zuerst bedient zu werden? Und da sind noch nicht die schlimmsten Finger benannt, die nach der Staatskohle schreien, wie Autolobby, Bauernverband, Luft­hansa … Kultur spielt in der Politik leider nach wie vor eine marginale Rolle. Ihre Förderung wird als freiwillige Aufgabe ­definiert. Im Grundgesetz fehlt noch immer der Artikel 20b: „Der Staat schützt und fördert die Kultur.“ Also anders gefragt: Warum wird das Theater von so wenigen vermisst? Die Menschen, die ich beim Einkaufen treffe, beklagen die Absage des Kirchweihfestes und vermissen ihre lokalen Gesangvereine. Die Theateraffinen sollten wahrnehmen, dass nach wie vor mehr als die Hälfte der Bevölkerung nie in ­ihrem Leben ein Theater besucht. Daraus ergibt sich die kulturpolitische Notwendigkeit, dafür zu sorgen, dass das Theater wegen seiner Substanz, Relevanz und Brisanz nachgefragt wird. Das bedeutet konkret? Was sollten die Thea­ter Ihrer Meinung nach kulturpolitisch tun? Einerseits müssen sie derzeit alle um ihre Haushalte besorgt sein. Insbesondere die freien Künstler kämpfen um ihr existenzielles Überleben. Andererseits könnte die Krise auch dazu genutzt werden, die „Selbstverständigung in der Gesellschaft“, von der oft in Spielzeitheften zu lesen…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 6/2020

Brecht lesen – Gesichter und Aspekte

von Hans-Thies Lehmann

Es gehört keine besondere Prophetengabe dazu, ein erneuertes Interesse an Brecht in den kommenden Jahren vorherzusagen. Zum einen rückt der 70. Todestag des Dichters näher, sodass vom 1. Januar 2027 an Brecht „frei“ sein wird. Auch wenn die Zulassungspolitik der Erben schon etwas nachgiebiger geworden ist, lässt sich vorhersehen, dass ein unvoreingenommener Blick auf Brecht jenseits der orthodoxen Rezeption auf dem Wege ist. Zum anderen ist gesellschaftlich und politisch viel in Bewegung geraten. Die politische Mentalität hat sich verändert. Neue politische Fronten sind aufgetaucht, eine verschärfte Kritik und Selbstkritik der (westlichen) Demokratien verbindet sich mit dem Gefühl, dass die eigene Verantwortung Europas und des Westens für die Katastrophen im Süden der Welt verleugnet wird. In dieser veränderten Lage tritt immer deutlicher hervor, dass längst vergessene Kategorien wie Kapital und Geldzirkulation, Bankenmacht und Ausbeutung wieder aktuell klingen. Das verbliebene Restvertrauen in die sogenannten Eliten ist mehr oder minder ruiniert. Immer weniger akzeptieren die Menschen die Tatsache des obszönen Reichtums einer kleinen Gruppe, der für diese eine unfasslich große Macht bedeutet, die keinerlei Kontrolle oder Legitimität unterliegt. Weltweit ist zu beobachten, dass die Formen der Repräsentation in die Krise geraten sind. Immer öfter geben große Menschenmassen auf den Straßen ihren Forderungen Ausdruck. Nicht undenkbar, dass die Empörung über einzelne Auswüchse…mehr

aus dem Buch: Brecht lesen

Stück

Stimmen, die auf Geschichte warten

Ole Hübner, Thomas Köck und Michael von zur Mühlen über ihr Musikheaterprojekt „opera, opera, opera! revenants & revolutions“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

von Dorte Lena Eilers, Ole Hübner, Thomas Köck und Michael von zur Mühlen

Ole Hübner, Thomas Köck, Michael von zur Mühlen, Ihr Musiktheaterprojekt „opera opera opera!“ ist zum Stück der Stunde geworden. Zwei Zeit­reisende blicken aus ihren Klimakapseln auf eine menschenleere Landschaft, die vielleicht unsere Gegenwart ist, und kratzen sich verlegen unter ihren Atemschutzmasken. Die Uraufführung am 17. Mai bei der Münchner Biennale ist aufgrund der Coronaviruspandemie ungewiss. Michael von zur Mühlen: Wir haben einen Probenstopp seit dem 17. März und verlieren dadurch nahezu die komplette Probenzeit. Da ist es aussichtslos, noch an die Uraufführung zum vorgesehenen Datum zu glauben. Sehr bitter, auch weil das Stück gerade so brisant erscheint – der dritte Akt spielt beispielsweise in einem verlassenen Opernhaus und dekliniert die Dystopie eines Verlustes von Öffentlichkeit radikal durch. Es geht in dem Stück um eine weitreichende Katastrophe, angesichts derer völlige Handlungsunfähigkeit entsteht. Wir werden uns auf eine Aufführung zu einem späteren Zeitpunkt vorbereiten, der noch ungewiss ist, weil sich die Bedingungen ständig ändern. Daher denken wir auch über Formate nach, die eine digitale Aufführung integrieren. „opera opera opera!“ ist ein Rückblick auf die menschliche Zivilisation, wobei sich keine der Figuren so recht erinnern kann, was die Menschheit einmal war. Keine Erinnerung, keine Schuld: „In this world nothing is your fault“, heißt es. Gleichzeitig fragt sich eine andere ­Figur: „What is my value?“ Sich wertlos fühlen und keine…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2020

Den Körper befreien

Adrienn Hód, Gründerin der Tanzkompanie Hodworks, im Gespräch mit Csaba Králl

von Adrienn Hód und Csaba Králl

Adrienn Hód, seit wann betrachten Sie sich selbst als Choreografin?Praktisch seit der Zeit, als ich mit dem Tanzen aufgehört habe, also ungefähr ab meinem dreißigsten Lebensjahr. Ab da betrachtete ich schon von außen, was die anderen tun. Ich tanzte nicht mehr vor, sondern bewegte die Tänzer mit Worten und anderen Praktiken. Sie arbeiten nicht nur als Choreografin, sondern auch als Tanzpädagogin. Sie unterrichten regelmäßig an der Budapester Zeitgenössischen Tanzhochschule, und auch Ihre Gruppe Hodworks hat ein pädagogisches Programm, womit Sie durch das Land touren. Wie unterrichtet man heutzutage Tanz?Mein Trick ist, dass ich nicht die Rolle der Pädagogin einnehme, sondern versuche, direkt zu sein. Damit die Schüler sehen, dass ich den Mut habe, alles zu machen; ich bin frei, sowohl emotional als auch gedanklich, physisch und verbal. Das befreit sie sehr. Sie öffnen sich viel leichter, wenn ich auch ein bisschen schräg bin. Die Arbeit mit meiner Gruppe färbt oft auf den Unterricht ab und umgekehrt. Es gibt eine Wechselwirkung, eine Rückkopplung zwischen den beiden Dingen. Oft bringe ich Aufgaben von der Arbeit mit meiner Truppe zum Unterricht mit. Es interessiert mich, wie die Kinder auf diese Fragestellungen reagieren und welche Antworten sie darauf geben. Sie haben Ihre Gruppe Hodworks vor mehr als zehn Jahren, im Jahr 2007, gegründet. 2011 hat sich viel verändert. Sie haben angefangen, als ein professionelles Ensemble zu funktionieren, nach einer bestimmten Methode zu…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 4/2018

Thema

Die Weltkunstproduktion steht still

Programmdirektor Stefan Schmidtke über die Verschiebung des Festivals Theater der Welt im Gespräch mit Martin Krumbholz

von Martin Krumbholz und Stefan Schmidtke

Stefan Schmidtke, sind Sie nach der Absage von Theater der Welt 2020 in Düsseldorf in eine Depression gestürzt? Ich habe es sportlich genommen. Es hatte sich ein großer emotionaler Sog aufgebaut in den vergangenen Monaten, und der faltet sich plötzlich zusammen, das ist schon deprimierend. Andererseits bin ich heilfroh darüber, dass die nordrhein-westfälische Kultur­ministerin Isabel Pfeiffer-Poensgen und der Düsseldorfer Oberbürgermeister Thomas Geisel gesagt haben, wir lassen es nicht ausfallen, sondern verschieben es ins nächste Jahr. Wenn man so will, haben wir ein Jahr gewonnen. Im Grunde ­haben wir jetzt erst das normale Zeitmaß für die Organisation des Festivals, statt zehn Monate nun 23. Wann war Ihnen klar, dass der Termin sich nicht halten lässt? Um den 15. März herum. Am 23. März hätten wir mit der Produktion „Leben und Zeit des Michael K.“ in Kapstadt beginnen müssen; daran sind Schauspielerinnen und Schauspieler aus dem Ensemble des Düsseldorfer Schauspielhauses beteiligt. Anfang März wurden alle etwas unruhig: Wird man überhaupt einreisen können? Dann kamen Meldungen aus Indonesien: Wir bekommen keine Visa. Das Gleiche dann aus Südafrika. Es lag gar nicht so sehr an uns, als vielmehr an der Situation überall in der Welt. Kanada hatte seine Flughäfen gesperrt. Spätestens da wusste ich: Wir kriegen es nicht hin. Vierhundert bis fünfhundert Menschen aus fünf Kontinenten in dieser Situation nach Deutschland zu bewegen – undenkbar. Auch wenn die Entscheidung, das…mehr

aus der Zeitschrift: Theater der Zeit 5/2020

Max Pross – Das Totenfest nach Jean Genet

Bühne Mara-Madeleine Pieler. Kostüme Clarissa Freiberg. Dramaturgie Finnja Denkewitz. Musik Raphaela Andrade

von C. Bernd Sucher

Liebe kennt keine Grenzen „Ich liebe ihn noch immer!“, sagt Josef Ostendorf, allein an einem Tisch sitzend, vor sich ein Glas Rotwein. Er trägt – nach vielen Verwandlungen zuvor, nach Kleidungs- und Rollenwechseln – jetzt nur ein schwarzes Unterhemd, eine weite Unterhose und Kniestrümpfe, eine Perlenkette um den Hals. Ein trauriger, lächerlicher Typ. Nichts versteckt den massigen Körper, das nackte Fleisch. Dieser letzte Satz, gesprochen in die Dunkelheit des Raums, beendet einen Theaterabend, der nur ein Thema hat: die Liebe. Die Liebe eines Mannes zu einem Knaben. Ostendorfs erste Worte, die er in eine Schreibmaschine hackte, waren ein Geständnis: „Ich liebe junge Männer!“ Wehmütig und zugleich stolz pries er gleich darauf die Schönheit der Knaben und ihr „knabenhaftes Heldentum“ im von den Deutschen besetzten Frankreich. Der korpulente Ostendorf, der sechzigjährige Mann mit der Halbglatze, spielt Jean Genet. Und der sehr junge Paul Behren, knabenhaft, ephebisch, spielt Genets Liebhaber Jean Decarnin. Ihm, der im Kampf fiel, widmete der französische Dichter ein literarisches Totenfest. So auch der Titel des Romans, in dem der Tod zusammen mit der Hochzeit gefeiert wird. In Genets Œuvre sind beide sehr oft Ziel von Leben. Decarnin gehörte zu einer Widerstandsgruppe, die gegen die deutschen Besatzer kämpfte. Während der Befreiung von Paris wurde er tödlich verwundet. Bevor der Dichter auf der kleinen Spielfläche das Wort ergreift, sehen wir Paul Behren, der wie ein DJ…mehr

aus dem Buch: Radikal jung 2020

Der kognitive Schwindel

In den hyperrealen Räumen von Signa Köstler und Mona el Gammal öffnet sich zwischen Realität und Fiktion ein verstörender Spalt

von Mirka Döring, Mona el Gammal und Signa Köstler

Signa Köstler und Mona el Gammal, für das bürgerliche Trauerspiel forderte Lessing eine Zuschauerilludierung, die dem Zuschauer die Leidenschaften des Dramas nicht nur beschrieb, sondern ihn förmlich in das Geschehen hineinzog, damit dieser sympathi­sierte – ob er wollte oder nicht. Die Avantgarde des 20. Jahrhunderts hingegen erkannte im Zuschauen eine sinnliche Handlung, die es beim Publikum zu aktivieren und zu dynamisieren galt, wozu vor allem die traditionelle Trennung von Zuschauer­ und Bühnen­raum aufgehoben werden musste. Wenn man so in die Theater­geschichte schaut, kann man sowohl die SIGNA­-Performances als auch die ohne Performer auskommenden Narrative Spaces, wie Sie, Mona el Gammal, Ihre eigenen Arbeiten nennen, als eine gelungene Synthese beider Traditionen lesen. Würden Sie da zustim­men? Signa Köstler: Mein Hintergrund ist keiner des Theaters. Ich komme aus der bildenden Kunst, habe Kunstgeschichte und Film- und Medienwissenschaft studiert. Meine Kunst hat ihren Ausgangspunkt in der Installationskunst – und eigentlich auch in Nachtclubs, wo ich als sogenanntes Champagnermädchen gearbeitet habe. Solche Clubs sind ja eigentlich auch inszenierte Räume, in denen eine auf individueller, intimer Aktion basierte Performance stattfindet, was durchaus künstlich ist. Dort wird die Illusion einer Authentizität erschaffen, es geht darum, Gefühle, Begierde und so weiter zu simulieren, eben darum, so zu tun als ob. Vor dem Theatertreffen, zu dem wir 2008 mit „Die…mehr

aus dem Buch: Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

„Sie hat den Kopf eines Grenzpolizisten und das Herz eines Flüchtlingshelfers“

Thomas Bärnthaler und Malte Herwig besuchen Frontex. Gespräch am 3. Oktober 2015

von Thomas Bärnthaler, Jens Bisky und Malte Herwig

Bisky: Bemühen Sie sich ein wenig zu erfahren, was Sie nie wissen können – den Satz haben wir gerade in der Aufführung gehört. Nun wollen wir es versuchen. Ich freue mich, mit zwei erfolgreichen Kollegen sprechen zu können: Malte Herwig hat einige Bücher geschrieben, darunter eines über die Flakhelfergeneration und eine Peter- Handke-Biographie. Thomas Bärnthaler arbeitet seit vielen Jahren im Magazin der Süddeutschen Zeitung. In diesem Magazin haben die beiden im Juli des vergangenen Jahres eine Reportage über die Agentur Frontex veröffentlicht. Frontex ist eine Abkürzung des französischen Terminus für Außengrenzen. Die offizielle Bezeichnung werde ich mir wahrscheinlich bis ans Ende meines Lebens nicht merken können, die lautet nämlich „Europäische Agentur für die operative Zusammenarbeit an den Außengrenzen der Mitgliedstaaten der Europäischen Union“. Sie merken, zweimal europäisch, darüber werden wir dann noch reden müssen. Es handelt sich um eine Behörde. Nach meinen Erfahrungen im Umgang mit Behörden würde ich sagen, sie neigen alle, selbst wenn es dabei nicht um Leben und Tod geht, dazu, immer mal wieder Anfälle von nordkoreanischer Informationspolitik zu bekommen. Wie kompliziert, Herr Bärnthaler, ist es, einen Termin bei Frontex zu bekommen? Haben Sie da einfach angerufen und die haben gesagt: Ja, klar, kommen Sie mal vorbei? Bärnthaler: Erstaunlicherweise war es tatsächlich so. Ich hab mir das auch schwieriger vorgestellt. Die Flüchtlingsproblematik ist ja nicht…mehr

aus dem Buch: Du weißt ja nicht, was die Zukunft bringt